21 slikarske šole
Tok slikanja - značilnosti, vrste, znaki in primeri risb - Za to razpravo bomo podali pregled Slikarska umetnost ki v tem primeru vključuje razumevanje, značilnosti, vrste, slike in primere slik, zato za boljše razumevanje in razumevanje glejte celoten pregled spodaj.
Definicija slikarstva
Slikarstvo je en primer čiste umetnosti, ki daje prednost estetski vrednosti kot uporabni vrednosti. Na splošno je slika slika ali izraz slikarja.
Večina slikarjev običajno najde svoje zadovoljstvo z delom, ki ga ustvari. Umetniki se lahko prosto izražajo v slikanju, tako da nastane delo, ki ima visoko estetsko vrednost.
Slikarstvo je dvodimenzionalna čista umetnost, ki se vlije v slikarske medije (platno, papir itd.) Z uporabo slikarskih orodij, kot so barva, svinčnik itd.
S konceptom linijskih točk, ravnin, oblik, volumnov, barv, tekstur in svetlobnih učinkov z estetskimi referencami nastane slika, v kateri lahko uživamo v svoji lepoti.
V bistvu ima slika funkcijo zabave ali zabave zaradi estetske vrednosti, ki jo vsebuje.
Vrste slikarskih tokov
Tu je nekaj vrst: slikarski tok, so naslednji:
Neoklasična slikarska šola
Izbruh francoske revolucije leta 1789 je bil končna točka fevdalizma v Franciji, čigar vpliv je bil čutiti v drugih delih sveta.
Ta revolucija ni samo sprememba političnega in družbenega reda, ampak zadeva tudi umetniško življenje. Umetniki lahko svobodno sledijo klicu svojega srca, kjer delajo ne zaradi naročil, ampak preprosto želijo slikati.
Tako se začne zgodovina modernega slikarstva v zgodovini, za katero je značilna individualizacija in samoizolacija. Jacques Louis David je bil prvi slikar na sodobni sceni. Leta 1784 je David opisal "HORATII prisego". Ta slika prikazuje Horatija, očeta, ki stoji sredi sobe in prisega njegovi trije sinovi so se zbrali na levi, medtem ko so njegove hčere jokale na drugem prav.
Ta slika se ne uporablja za uživanje, temveč za izobraževanje in spodbujanje ozaveščenosti javnosti o njihovi odgovornosti do države. J.L. David je pionir neoklasicističnega toka, kjer je neoklasično slikarstvo racionalno, objektivno, polno discipline in reda ter klasično.
Preberite sorodne članke o gradivu: Razstava likovnih umetnosti - funkcije, elementi, vrste, namen in primeri
Značilnosti neoklasičnega slikarstva
So naslednji:
- Slikarstvo je vezano na akademske intelektualne norme.
- Oblike so vedno uravnotežene in harmonične.
- Barvne meje so čiste in statične.
- Obraz je miren in impresiven.
- Vsebuje zgodbo o palačnem okolju.
- Običajno je pretirano.
Značaj Neoklasična slikarska šola
Naslednik J.L. David v Neo-Classic je JEAN AUGUAST DOMINIQUE INGRES (1780-1867)
Romantični slog slikanja
Romantično gibanje je bilo upor proti neoklasični šoli, ki jo je povabil Jean Jacques Rousseau vrniti se k naravi, kot človek, ki nima samo misli, ampak tudi občutke in čustva.
Romantične slike ponavadi kažejo:
Stvari, ki se ukvarjajo z občutki posameznika (v neoklasičnih šolah močno nasprotujejo) hrepenenje po preteklosti Uporablja se za občutke občinstva Lepota in lep videz vedno upodobljen.
Značilnosti romantičnega slikarstva
Značilnosti romantičnega toka so naslednje:
- Slike vsebujejo močne in čustvene zgodbe.
- Poln gibanja in dinamike.
- Barve so kontrastne in praznične.
- Nastavitve dinamične sestave.
- Vsebuje grenkobo in ganljive občutke.
- Awesomeness presega resničnost.
Znaki romantičnega slikarstva
Znaki vključujejo:
- Eugene Delacroix
- Theodore Gericault
- Jean Baptiste
- Jean Francois Millet
Lik, ki je bil resnično upor in ki je prvi postavil zastavo romantike, je bil Teodore Gericault (1791-1824) s svojim delom z naslovom "RAKIT MENDUSA". Romantizem prihaja iz francoskega "rimskega" (zgodba), zato ta zvrst vedno opisuje zgodbo o velikem dejanju ali strašni tragediji.
Naturalizem Slikarski slog
Naturalizem, ki je oblika slikanja (likovna umetnost), v kateri umetnik poskuša vse upodobiti v skladu z naravo ali resničnim svetom, kar pomeni, da je prilagojeno ulovu naših oči.
Da bi bile slike, ki so narejene, zelo podobne ali povsem prave, potem so razporeditev, primerjava, perspektiva, tekstura, barvanje in temna svetloba čim natančneje narejeni.
V tem toku poskušamo prikazati realistične predmete s poudarkom na naravnih nastavitvah. To je nadaljnje poglabljanje realizma v 19. stoletju kot odziv na uveljavitev romantike.
Eden od umetnikov naturalizma v Ameriki je bil William Bliss Baker, katerega pokrajinske slike veljajo za najboljše realistične slike tega gibanja.
Pomemben del naravoslovnega gibanja je darvinizem pogled na življenje in škodo, ki so jo ljudje povzročili naravi.
Slika pretoka Naturalizem
Seznam številk toka naturalizma, med drugim, kot sledi:
- Soeboer Doellah
- William Bliss Baker
- Raden Saleh
- Hokusai
- Affandi
- Freska freska
- Basuki Abdullah
- William Hogart
- Frans Hail
Šola slikanja realizma
Realizemv likovni umetnosti pomeni prizadevanje, da se subjekt predstavi v delu, kakršen se pojavlja v vsakdanjem življenju, ne da bi mu dodali nekaj posebnosti ali interpretacij.
Pomen se lahko nanaša tudi na prizadevanja umetnosti, da pokaže resnico, tudi brez skrivanja slabih stvari. Razprava o realizmu v umetnosti se lahko nanaša tudi na kulturno gibanje, ki se je v Franciji začelo sredi 19. stoletja.
Dela z idejo realizma pa so dejansko obstajala leta 2400 pred našim štetjem in so bila najdena v mestu Lotal, ki je danes bolj znano kot Indija.
Realizem kot kulturno gibanje Realizem je zaslovel kot kulturno gibanje v Franciji kot reakcija na pojem romantike, ki se je uveljavil sredi 19. stoletja. To gibanje je običajno tesno povezano z družbenim bojem, politično reformo in demokracijo.
Realizem je nato med letoma 1840 in 1880 prevladoval v svetu umetnosti in literature v Franciji, Angliji in ZDA. Pripadniki literarnega realizma iz Francije vključujejo imena Honoré de Balzac in Stendhal. Medtem ko sta slavna umetnika realista Gustave Courbet in Jean François Millet.
Realizem v likovni umetnosti Realistični umetniki vedno poskušajo predstaviti vsakdanje življenje likov, vzdušja, dilem in predmetov, da bi dosegli cilj Verisimilitude (zelo živ). Realistični umetniki običajno ignorirajo gledališke drame, teme, ki se pojavljajo v preširokem prostoru, in druge klasične oblike, ki so bile takrat priljubljene.
Preberite sorodne članke o gradivu: Likovna umetnost - opredelitev, funkcije, vrste, primeri in razlike
V širšem smislu se realizem pojavi vedno, kadar poskuša umetnik natančno opazovati in posnemati oblike v naravi. Na primer, slikarja fotografij v renesančni dobi je Giotto mogoče uvrstiti med umetnike z realističnimi deli, ker njegovo delo je bolje posnemalo fizični videz in prostornino predmetov bolje kot kateri koli poskus od takrat Gotska doba.
Iskrenost pri prikazovanju vseh podrobnosti predmetov je razvidna tudi iz del šole RembrandtBarbizon osredotočite se na natančnejše opazovanje narave, ki nato utira pot njenemu razvoju impresionizem.
V Angliji je predrafaelitsko bratstvo zavrnilo idealizem Rafaelovih privržencev, ki je kasneje prinesel do intenzivnejšega pristopa k realizmu, znanega kot enega od realističnih umetnikov najboljše.
Tehnika Trompe l'oeil je umetniška tehnika, ki izjemno prikazuje umetnikova prizadevanja za predstavitev koncepta realizma.
Značaj Realizem
Seznam znanih osebnosti realizma je naslednji:
- Karl Briullov
- Ford Madox Brown
- Jean Baptiste Simeon Chardin
- Camille Corot
- Gustave Courbet
- Honoré Daumier
- Edgar Degas
- Thomas Eakins
- Nikolai Ge
- Aleksander Gierymski
- William Harnett
- Louis Le Nain
- douard Manet
- Jean-François Millet
Impresionizem slikarski slog
Impresionizem je gibanjeumetnostiz 19. stoletja, začenši iz Pariza v šestdesetih letih 20. stoletja. Ime je bilo prvotno citirano s slike Clauda Moneta "Impression, Sunrise" ("vtise, soleillevant”). Kritik Louis Leroy je to besedo uporabil kot satiro v svojem članku v Le Charivari.
Glavne značilnosti slikarstvo impresionizma je moč potez s čopičem, svetlih barv (v resnici mnogi slikarji impresionistov črno barvo prepovedujejo, ker ni del od svetlobe), odprta kompozicija, poudarek na kakovosti osvetlitve, slikanje predmetov, ki ne izstopajo preveč, in kotov, ki ne vsakdanji.
Vpliv impresionizma v vizualnih umetnostih je prodrl tudi na področja glasbe in literature.
Pojasnilo slikanja impresionizma
Impresionistične umetnike so sprva navdihnile teorije Eugena Delacroixa, ki so začele čutiti nezadovoljstvo z razvojem akademske umetnosti v tistem času, ki je bila preveč osredotočena na umetniško šolo klasično slikarstvo. Trdi, da slikanje ni vedno oblikovano s pretirano obdelavo linij, kot so jo Britanci razvijali v preteklih letih. Po drugi strani pa bo natančna obdelava barvnih polj ustvarila sliko, ki ni nič manj zanimiva.
Vendar pa lahko tudi sam Delacroix ne uide vplivu akademijskih slikarskih standardov, ker se njegove slike navsezadnje še vedno osredotočajo na idealne oblike.
Nato so nekateri slikarji radikalno kršili akademska pravila v slikarstvu. Ta slika se ne osredotoča več na obliko v podrobnostih s poudarkom na konturah, prostorninah in linijah. Pustite tudi strukturno opazovanje oblike predmeta.
Po drugi strani pa vzdušje dobimo tako, da zajamemo vtis (vtis) svetlobe, ki jo na hitro ujame oko. Zaradi tega oblika predmeta postane enostavnejša, za razliko od naturalizma ali realizma.
Na začetku v zaprtih prostorih niso delali le slik in portretov tihožitja, temveč tudi pokrajine. To je nato umetnike impresionistov spodbudilo, da so ugotovili, da obstaja drugačen vtis, če slika nastane na odprtem območju z neposrednim opazovanjem ustvarjenega predmeta.
Hkrati uporabljajo poteze kratkih, lomljenih in čistih barv (v smislu, da niso namenjene mešanju na paleti), da oživijo sliko. Poudarek slike se nato preusmeri na splošni vtis in ne na podrobnosti določenega predmeta.
Nadaljnji razvoj impresionizma je bilo odkritje, da je pomembnejša od same tehnike impresionizma razlika v stališču. Impresionizem je pravzaprav umetnost gibanja, poziranja in sestave iz igre svetlobnih vtisov, ki se prelijejo v svetle in raznolike barve.
Konec 19. stoletja so ljudje začeli verjeti, da je impresionizem jasen in iskren do življenja, čeprav umetniško ni pravi pristop k ustvarjanju del.
Preberite sorodne članke o gradivu: Opredelitev uporabljene umetnosti & (Zgodovina - Funkcija - Obrazec - Obrazec - Primer)
Vrhunec impresionističnega umetniškega gibanja se je v Franciji zgodil skoraj istočasno kot v drugih državah, med drugim v Italiji s slikarjem Macchiaiolijem in ZDA s slikarjem Winslowom Homerjem.
Impresionizem je postal pionir v razvoju drugih sodobnih umetniških šol, kot so postimpresionizem, fovizem in kubizem.
Značilnosti impresionističnega slikarstva
So naslednji:
- Kratke, debele poteze čopiča v skici podobnem slogu, da slikar lažje zajame bistvo predmeta in ne podrobnosti.
- Barva se dobi z najmanj možnim mešanjem uporabljenih barvnih pigmentov. Pričakuje se, da mrežnica optično meša barve.
- Sence nastanejo z mešanjem komplementarnih barv (črna se ne uporablja kot senca).
- Barva se ne sme posušiti, da bi jo prepisali z naslednjo barvo.
- Izogibamo se obdelavi lastnosti prosojnosti barve.
- Čim bolj podrobno raziskovanje narave odboja svetlobe od predmeta, ki se nato uporabi na sliki.
- Delo na prostem (en plener)
Pravzaprav je to značilnost skoraj mogoče najti v drugih šolah, toda le impresionizem ima to značilnost namerno.
Romantizem Slikarski slog
Romantizem je slog v umetnosti, ki skuša prikazati fantastične, iracionalne in lepe stvari.
Ta zvrst prikazuje romantične zgodbe o strašnih tragedijah, dramatične dogodke, ki so ponavadi predstavljeni v ljubezenskih zgodbah.
Prikaz predmeta je manjši od resničnosti, barve so bolj živahne, gibanje je gibčnejše, moški je bolj moški.
Značilnosti romantičnega toka
Značilnosti romantičnega toka so naslednje:
- Slike vsebujejo močne in čustvene zgodbe.
- Poln gibanja in dinamike.
- Barve so kontrastne in praznične.
- Nastavitve dinamične sestave.
- Vsebuje grenkobo in ganljive občutke.
- Awesomeness presega resničnost.
Slikarski slog ekspresionizma
Ekspresionizem je šola, ki daje prednost notranjemu izlivu. Brezplačno pri raziskovanju predmetov, ki izhajajo iz notranjega sveta, domišljije in občutkov.
Med upodobljenimi predmeti so groza, nasilje, revščina, žalost in druge želje v ozadju človeškega vedenja.
Pionirji ekspresionizma: Vincent Van Gogh, Paul Gaugiuin, Ernast Ludwig, Karl Schmidt, Emile Nolde, JJ. Kandinsky in Paul Klee. V Indoneziji so ti privrženci: Affandi, Zaini in Popo Iskandar.
Slikarska šola kubizma
Kubizem je moderno umetniško gibanje v začetku 20. stoletja, ki sta ga začela Picasso in Braque. Osnovna načela, ki so skupna kubizmu, so opisovanje oblike predmetov z rezanjem, popačenjem, prekrivanjem, poenostavitvijo, preglednostjo, deformacijo, razporeditvijo in različnimi videzi.
To gibanje se je začelo v medijih slikarstva in kiparstva z njihovimi pristopi k kubizmu, oblikam njegovega dela z uporabo geometrijskih oblik (trikotniki, pravokotniki, storži, kocke, krogi itd.) Kubistični umetniki pogosto uporabljajo kolažne tehnike, kot so lepljenje časopisnih trakov, plakatnih slik in itd.
Kubizem kot začetnik nonimitativnega sloga se je pojavil po tem, ko sta Picasso in Braque raziskovala in vplivala na obliko primitivne umetnosti, kot so liberijske skulpture, egiptovski bareliefi in plemenske maske Afriko.
Obstaja tudi vpliv slik Paula Cezanneja, zlasti tihožitja in pokrajin, ki z razbijanjem perspektive renesanse uvajajo nove geometrijske oblike. Na obeh se vtisne kaplja nov tok.
Izraz "zelje" je nastal po zaslugi opažanj več kritikov. Louis Vauxelles (francoski kritik), ko je videl delo Braque v Salonu des Independents, je to komentiral Braqueovo delo zmanjša na majhne kocke majhna).
Gil Blas se na Braqueove slike sklicuje kot bibizarijeve kubike (čarobne kocke). Medtem jo je Henri Matisse poimenoval razporeditev majhnih kock (majhnih kock). Tako je bil odslej izraz kubizem označen za potek takšnih del.
Zgodnji razvoj
V zgodnjih fazah razvoja je kubizem doživel analitično fazo, ki se je nadaljevala v sintetični fazi. V letih 1908-1909 je kubizem takoj postal bolj zapleten po vzorcu, ki je bil takrat bolj sistematičen, in sicer od 1910-1912. To zgodnjo fazo pogosto imenujejo analitični kubizem, ker je treba analizirati predmet slike. Vsi elementi slike morajo biti razdeljeni na njihove fasete ali v obliki kocke.
Včasih se zdi, da je predmet slike narisan natančno od spredaj, druga polovica pa od zadaj ali s strani. Človeški obrazi ali glave živali so tako izpostavljeni, na prvi pogled gledano s strani z očmi, ki jih je treba videti spredaj.
V tej fazi analitičnega kubizma so umetniki dejansko podali četrto dimenzijo v slikarstvu, in sicer prostor in čas, ker so bili stari perspektivni vzorci opuščeni.
Medtem ko sta bila v analitičnem obdobju tako Braque kot Picasso še vedno okovana v omejeni ustvarjalnosti, je bilo v fazi sintetičnega kubizma drugače.
Mladiči v potezah niso več fiksirani na tri glavne barve. Teme njihovih del so tudi bolj raznolike. S pogumom, da zapusti svoje stališče blagovne znamke, da preide na naslednjo inovativno raven.
Preberite sorodne članke o gradivu: "Umetnost sitotiska (sitotisk)" Opredelitev & (Faze - kako deluje)
Nadaljnji razvoj dela mladičev je bil njihov poudarek na resničnosti. Z vstavitvijo izrezov besed ali stavkov, vzetih iz časopisa paper colle, in nato lepljenjem na platno, da se tvori geometrijska sestava. Takšne poskuse lepljenja običajno imenujemo tehnike kolaža.
Značaj Slikarska šola kubizma
Seznam kubističnih slikarjev, med drugim naslednji:
- Paul Cezane
- Pablo Picasso
- George Braque
- Metzinger
- Albert Glazez
- Ampak Mochtar
- Moctar Apin
- Zora
- Andre Derain
Fauvizem slog slikanja
Fovizemje žanr v slikarstvu, ki je imel pred začetkom obdobja moderne umetnosti dokaj kratko življenje. Ime fovizem izhaja iz satirične besede "fauve" (divja žival) Louisa Vauxcellesa, ko komentira razstavo Salon d'Automne v svojem članku za dodatek Gil Blas z dne 17. oktobra 1905, stran 2.
Priljubljenost tega pretoka se začne od pariškega Le Havra do Bordeauxa. Konceptualna zrelost je bila dosežena leta 1906.
Fovizem je šola, ki ceni izraz v zajemanju ozračja, ki je naslikano. Za razliko od del impresionizma, favistični slikarji trdijo, da barvna harmonija ni previdna Z resničnostjo v naravi bo prikazal umetnikov osebni odnos do narave to.
Osnovni koncept fovizma lahko prvič zasledimo leta 1888 iz komentarjev Paula Gauguina Paulu Sérusierju:
“Kako vidite ta drevesa? So rumene. Torej, dajte rumeno; ta senca, precej modra, jo pobarvaj s čistim ultramarinom. Ti rdeči listi? Daj v vermilion.”
»Kako si razlagaš ta drevesa? Rumena, zato dodajte rumeno. Potem je senca videti nekoliko modra, zato dodajte ultramarin. Rdečkasti listi? Samo dodajte vermilijon. "
Vse, kar je povezano z objektivnim in realističnim opazovanjem, kot se dogaja v naturalističnem slikarstvu, nadomešča čustveno in domišljijsko razumevanje. Posledično bosta barva in koncept prostora videti poetični.
Uporabljene barve očitno niso več prilagojene barvam na terenu, ampak sledijo slikarjevim osebnim željam.
Uporaba črt v fovizmu je poenostavljena, tako da lahko gledalec slike zazna prisotnost jasnih in močnih črt. Posledično je oblika predmeta zlahka prepoznavna, ne da bi morali upoštevati številne podrobnosti.
Favistični slikarji so pozvali k uporu proti ustanovitvi slikarstva, ki mu je dolgo pomagala objektivnost znanosti, kot je npr. kaj se je zgodilo v impresionistični šoli, čeprav je bilo znanje prejšnjih slikarjev, da so bili proti, še vedno osnova za barva. To je še posebej veljalo v prvih dneh priljubljenosti te zvrsti v obdobju 1904 do 1907.
Zgodnji vpliv te šole je lahko prišel iz pionirskih del Paula Cezanna, Gustava Moreauja, Paula Gauguina in Vincenta van Gogha.
Čeprav se slikar ni vključil v gibanje fovizma in je bil v drugačni dobi kot začetek te šole, vendar je njegovo delo postalo referenca za mlade slikarje, ki bodo kasneje postali Favistični slikar.
Čeprav le kratkotrajen, je tok fovizma postal naslednji mejnik v konceptu moderne umetnosti.
Slika toka slikanja fovizma
Seznam slikarjev fovizma, med drugim naslednji:
- Henri Matisse
- Andre Derain
- Georges Braque
- Albert Marquet
- Henri Manguin
- Charles Camoin
- Henri Evenepoel
- Jean Puy
- Maurice de Vlaminck
- Raoul Dufy
- Othon Friesz
- Georges Roua
Dadaizemska slikarska šola
Dadaizem se je rodil zaradi izbruha 1. svetovne vojne Njegova narava naj bi bila umetnostna, protičutna in ponavadi odraža nesramnost in nasilje.
Njegova dela so nenavadna, na primer kopiranje slike Monalisa, dajanje brkov, pisoarju naslov in prikaz na ogled. Uporabljajo se tudi metode kolaža, kot so les in ostanki rabljenega blaga.
Značaj Dadaizemska slikarska šola
Liki te zvrsti: Juan Gross, Max Ernst, Hans Arp, Marcel Duchamp in Picabia.
Slog slikanja futurizma
Futurizem je slikarska zvrst, ki se je rodila leta 1909. Ta tok prenaša lepoto gibanja in je viden kot lomilnik toka kubizma, ki velja za statično sestavo, črto in barvo.
Futurizem je tako posvečen gibanju, da so na slikah psi upodobljeni z več kot štirimi nogami.
Značaj Slog slikanja futurizma
Liki te zvrsti: Umberto, Boccioni, Carlo Cara, Severini, Gioccomo Ballad in Ruigi Russalo.
Slikarski slog nadrealizma
Nadrealizem je bil prvotno gibanje v literaturi, ki ga je Apollinaire poimenoval kot svojo dramo. Leta 1024 ga je Andre Bizton uporabljal za sklicevanje na vzorce v slikarstvu.
V svoji ustvarjalnosti se nadrealistični slog poskuša osvoboditi nadzora zavesti, hoče svobodo potem obstaja težnja k realnosti, a še vedno v nenavadnih odnosih.
Značaj Slikarski slog nadrealizma
Pionirji nadrealizma: Joan Miro, Salvador Dali in Andre Masson. V Indoneziji mu lahko rečemo: Sudibio; Sudiardjo in Amang Rahman.
Abstrakcionizem slikarski slog
Abstraktna umetnost v slikarstvu je umetnost, ki poskuša vzeti predmete, ki prihajajo iz notranjega sveta. Predmet je lahko domišljija, domišljija in morda intuicija umetnika. Ker prihaja od znotraj. Abstraktna umetnost je razdeljena na dve glavni kategoriji, in sicer:
a. Abstraktni ekspresionizem
Povzetek Amerika ima dve težnji, in sicer:
- Color Field Painting, ki je slika, ki prikazuje široka polja in svetle barve.
Znak
Pionirji: Mark Rothko, Clyfford Stll, Adolf Gotlieb, Robert Montherwell in Bornet Newman.
- Akcijsko slikarstvo, in sicer slikanje, ki se ne ukvarja s pomembno obliko, je dejanje ali način slikanja. Liki so: Jackson Polack, Willem de Koning in Frans Kliner; Twarkova sestra.
V Franciji abstraktnemu ekspresionizmu sledijo: H. Hartum Gerard Schneider, G. Mathiew in Pierre Souloges. Nato je prvi uvedel ime Technism: Wols Aechinsky in Asger Yorn.
b. Geometrijski izvleček
Abstraktno geometrijo imenujejo tudi neobjektivna umetnost. Pionir Kandinsky. Po tem so se pojavili drugi geometrijski abstrakti z različnimi imeni, med drugim:
- Suprematizem, slika, ki prikazuje abstrakcijo geometrijskih oblik mumije z likom Kasimirja Maleviča.
Konstruktivizem, tridimenzionalni umetniški slog, ki skuša prikazati abstraktne oblike z uporabo sodobnih materialov, kot so žica, železo, les in plastika.
Znak
Liki: Vladimir Tatlin, Antonic Pevner, Naum Gabo in A. Rodehenko. Alexander Calder, ker se njegova skulptura premika, se v Ameriki imenuje mobilizem, skulptura, ki se lahko premika, pa Kinetična skulptura. Minimalna umetnost je vključena tudi v skupino konstruktivizem. Ta umetnost se je rodila zaradi visokih industrijskih tehnologij in njegovo delo je ponavadi izredno.
- Neo Plasticism (De Stijil) je abstraktni umetniški slog, ki prikazuje univerzalnost natančnih znanosti. Ta šola barvi skuša vrniti osnovno barvo in kotno obliko, njeni liki pa so Piet Mondarian, Theo Van Daesburg in Bart Van Leck.
- Op Art (Optična umetnost), znan tudi kot Retinal Art, je slikarski slog, katerega upodobitev je geometrijska postavitev z ličnimi ponovitvami, kot je šahovnica. To delo pritegne pozornost zaradi svojih briljantnih barv in zdi se, da vara oko z iluzijo prostora. Liki tega sloga: Victor Vaserelly, Bridget Riley, Yacov Gipstein in Todasuke Kawayama.
Gibanje slikarske umetnosti in obrti Aliran
Gibanje za umetnost in obrt je bilo britansko, kanadsko in ameriško estetsko gibanje, ki se je odvijalo konec 19. do začetka 20. stoletja. Navdihnjen s pisanji Johna Ruskina in romantično idealizacijo obrtnika, ki se je ponašal s svojo obrtjo, približno leta 1880 in 1910.
To gibanje za umetnost in obrt je reformno gibanje, ki vpliva na arhitekturo, dekorativno umetnost, obrt in tudi na oblikovanje vrtov "koč" avtorja William Robinson ali Gertrude Jekvll. Nekatera znana imena so William Morris, Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Elbert Hubbard, Walter Crane, Nelson Dawson, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, William De Morgan, Ernest Gimson, William Lethaby, Edward Schroeder Prior, Frank Lloyd Wright, Gustav Stickley, Greene & Greene, Charles Voysey, Christopher zid.
Gibanje za umetnost in obrt se je začelo kot estetski slog v 19. stoletju in kot reakcija na oživitev zgodovinskih slogov iz viktorijanske dobe in strojev industrijske revolucije.
Stroji se štejejo za koren problema, nekateri začetniki in zagovorniki tega gibanja so se začeli spreminjati iz uporabe stroji postanejo obrti, ki so običajno osredotočeni na industrijske izdelke ročno, vendar z rezultati zadovoljivo.
Do zdaj, ko je gibanje za umetnost in obrt postalo velik vpliv na industrijo, pravzaprav ni bilo andi-industrijsko gibanje niti protisodobno.
Nekatere evropske skupine še vedno verjamejo, da so stroji še vedno potrebni, vendar so včasih delali le nekaj, kar zahteva veliko proizvodnje in enako.
Hkrati so voditelji gibanja za umetnost in obrt menili, da so potrebni tudi predmeti. Spor med kakovostjo proizvodnje in oblikovanjem ter poskusi kombiniranja obeh je prevladoval v razpravi pred 20. stoletjem.
Red House, Bexleyheath, London (1859), Philip Webb za Morris, je primer zgodnjega dela v tem obdobju. To je poskus izraziti površinske teksture z nenavadnimi materiali, kot so kamen in ploščice, z asimetričnimi gradbenimi kompozicijami.
Konec devetdesetih let v Ameriki se je skupina arhitektov, oblikovalcev in svetovalcev v Bostonu odločila za novo obliko oblikovanja. izdelal v Angliji Willian Morris v Ameriko, vabijo k organizaciji razstave predmetov obrt. Ko so obrtniki, potrošniki in proizvajalci spoznali potencial in lepoto te umetnosti, se je v Bostonu začel postopek prenove.
Prva ameriška umetniška in obrtna razstava je bila 5. aprila 1897 v Copley Hallu, na njej je bilo več kot 1000 predmetov, ki jih je izdelalo 160 obrtnikov, od tega polovica žensk. Nekateri zagovorniki te razstave so Langford Warren, ustanovitelj harvardske arhitekture, ga. Richard Morris Hunt. Arthur Astor Carey, Edwin Mead in Will Bradley, grafični oblikovalci.
Vpliv gibanja za umetnost in obrt se širi po vsem svetu:
V Evropi kakovost in enostavnost gibanja Arts and Crafts ter uporaba materialov navdihuje oblikovalce kot so Henry van de Velde in druga umetniška gibanja, kot so Art Nouveau, Dutch De Stijl, Dunajska secesija in Bauhaus. To gibanje si lahko predstavljamo kot modernizacijo, kjer se bodo čista oblika in drobci zgodovinskih združenj spet uporabljali v industriji.
V Združenih državah Amerike je bilo gibanje za umetnost in obrt bolj očitno za okuse meščanstva. Ko si je gibanje v Evropi prizadevalo poustvariti obrtni svet, ki ga je uničila industrija, Amerika poskuša vzpostaviti nov vir, ki bi nadomestil obrtno proizvodnjo: na primer učilnica srednje. Skratka, ameriško gibanje za umetnost in obrt je bilo nasprotje političnemu gibanju.
Secesijska slikarska šola
Art Nouveau je mednarodno gibanje in slog oblikovanja, arhitekture in uporabne umetnosti, zlasti dekorativne umetnosti, ki je dosegel vrhunec na prelomu 20. stoletja. Ime Art Nouveau prihaja iz francoščine, kar pomeni novo umetnost, imenovano tudi Jugendstil v nemščini zaradi "mladinskega sloga". Reakcija akademske umetnosti 19. stoletja ima značilnosti organskih predmetov, zlasti cvetja in rastlinskih motivov, neverjetno lepa, skupaj z linearnimi krivuljami.
Sprva Art Nouveau in Jugendstil nista bila slogovna imena in ti slogi so bili prevzeti iz več različnih oznak, ki so se širile na več mestih. Imena sta prišli iz galerije Siegfried Bing L'Art Nouveau v Parizu in revije Jugend v Münchnu.
Vrhunec secesije je bilo v Evropi čutiti 15 let. Liki so Hector Guimard. Revije Victor Horta, kot je Jugend, so jo pomagale širiti v Nemčiji, dunajski secesionisti so vplivali na umetnost v Avstriji in na Madžarskem.
Art nouveau je vplival tudi na posameznike, kot so Gustav Klimt, Charles Rennie Mackintosh, Alfons Mucha, René Lalique, Antoni Gaudí in Louis Comfort Tiffany, ki imajo drugačen način dela.
Čeprav je Art Nouveau s prihodom 20. stoletja in modernih stilov izgubil svoj ugled, se na secesijo danes jasno gleda kot na povezavo med neoklasično zgodovino in modernizacijo. Poleg tega je secesijski spomenik po Unescu zdaj znan kot ena od zgodovinskih stavb.
Sprednja naslovnica revije Jugend v Nemčiji leta 1896, naslovnica cerkva Wren's City Cerkve Arthurja Mackmurda (1833), naslovnica knjige Mestne cerkve Wren's City Arthurja Mackmunda s svojimi ritmičnimi rastlinskimi vzorci pogosto veljajo za zgodnje spoznavanje umetnosti. nouveau. Hkrati ploska perspektiva in močne barve japonskih rezbarij, zlasti tistih Katsishike Hokusai, dajejo učinek secesiji.
Čeprav se secesija kaže v svoji razpršeni lokalizaciji, so nekatere njene značilnosti prikazane v njenih oblikah. Kermann Obrist (1894) je objavil opis ciklame revije Pan, ki je zaslovel med širjenjem secesije.
Ne samo, da je The Whiplash postal bolj znan, ampak je izraz "whiplash" postal aplikacija za krivulje, ki so jih ustvarili takratni umetniki. Okraske z bičem, oblikovane iz dinamičnih, nevsiljivih črt in visečih v ritmu, najdemo v celotni arhitekturi, slikarstvu, kiparstvu in drugih oblikah secesijskega oblikovanja.
Art Nouveau velja za popolno umetnost, kar pomeni, da gre za slog, ki vključuje oblikovanje v velikem obsegu, arhitektura, notranje oblikovanje, dekorativne umetnosti, vključno z nakitom, pohištvom, tekstilom, srebrnino in nekaterimi vizualna umetnost.
Razvoj secesije je bil čutiti zaradi razstave Universelle leta 1900 v Parizu, ki je v različnih medijih predstavljala sodobni slog. Ta je nato bolj znan kot Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna v Ljubljani 1902 v Torinu v Italiji, kjer so oblikovalci razstavljali v vseh evropskih državah, kjer je secesija vadili.
Art Deco slog slikanja
Art Deco je bilo priljubljeno mednarodno gibanje za umetniško oblikovanje med letoma 1925 in 1939, ki je vplivalo na umetnost dekoracije kot so arhitektura, notranje oblikovanje in industrija, pa tudi vizualne umetnosti, kot so moda, slikarstvo, grafika in umetnost film. Takrat je bila tema elegantna, glamurozna, funkcionalna in moderna.
To gibanje je mešanica več stilov in gibanj z začetka 20. stoletja, vključno z neoklasiko, konstruktivizmom, kubizmom, modernizmom, secesijo in futurizmom. Njegova priljubljenost je v Evropi dosegla vrhunec v The Rumečih dvajsetih letih in se močno nadaljevala v ZDA do tridesetih let 20. stoletja. Čeprav imajo številna oblikovalska gibanja politične korenine in filozofijo, je art deco zgolj dekorativni.
Art Deco je propadel v poznih 30-ih in zgodnjih 40-ih in je bil kmalu pozabljen v javnosti. Art Deco je doživel še en preporod s priljubljenostjo grafičnega oblikovanja v osemdesetih letih. Art Deco je vplival na številna naslednja umetniška gibanja, kot sta Memphis in Pop art.
Vpliv oblikovanja Art Deco se izraža v oblikah, kot sta kubizem in dekorativni futurizem. Druge priljubljene teme so trapezoid, cik-cak, geometrijske in mešane oblike, kar je mogoče videti v zgodnjih delih. Primer tega sloga in teme je v Detroitu v Michiganu: stavba Fisher in stavba Guardian.
Art deco ima značaj z uporabo materialov, kot so aluminij, nerjaveče jeklo, lak in les. Vidni so tudi eksotični materiali, kot sta koža morskega psa in zebre. Uporaba drznih linij oblik in krivulj (za razliko od vijugastih oblik, ki so značilne za secesijo), vzorci Chevron in motivi, podobni soncu, so vrste art deco.
Poseben slog art deco je vplival na več drugih tovrstnih gibanj od njegovega upada. Art Deco je vplival na poznejše sloge, kot sta Memphis in Pop Art. Art Deco je v sedemdesetih letih vplival tudi na postmoderno arhitekturo in slog. Zdi se, da je Art Deco vplival tudi na sodobno umetnost.
Slikarska šola De Stijl
De Stijl (po slogu; Nizozemski jezik "The Style", znan kot neoplastičnost, je gibanje leta 1917, obdobje de stijl je tudi ime revije, ki izdal nizozemski slikar, oblikovalec, pisatelj in kritik Theo van Doesburg (1883-1931), člani te skupine so bili Piet Mondrian (1872-1944), Vilmos Huszàr (1884-1960), Bart van der Leck (1876-1958) in arhitekti Gerrit Rietveld (1888-1964), Robert van 't Hoff (1887-1979) in J.J.P. Oud (1890-1963). neoplastika - nova umetnost plastike (ali Nieuwe Beelding v nizozemščini).
Ime De Stijl prihaja iz Der Stil in den technischen und tektonischen Künsten Gottfrieda Semperja oder Praktična estetika (1861-3), kjer krogi dajejo napačen vtis materializma in funkcionalizem.
Na splošno de stijl prikazuje preprostost in abstraktnost v arhitekturi in slikarstvu, pri čemer uporablja le ravne navpične in vodoravne črte in kvadratne oblike. Poleg tega se omejijo na osnovne barve, rdečo, modro in rumeno ter črno, belo in sivo.
Izogibajo se simetriji in ravnotežju z uporabo opozicije, element gibanja je še en pomen de stijl: »objava, podstavek ali podpora«, je to razvidno iz številnih del, ki uporabljajo les.
Pri tridimenzionalnem delu sta navpični in vodoravni črti nameščeni na nesekajočih se plasteh, tako da je vsak element viden, ne da bi motil ostale elemente. Takšne stvari najdemo v hiši Rietveld Schröder in na rdečem in modrem stolu.
Na gibanje De Stijla so vplivale kubistične slike, kot so mistika in novoplatonska ideja idealne geometrijske oblike. Delo Stijla je vplivalo na Bauhaus in mednarodne sloge ter mednarodne arhitekturne sloge, kot sta oblačila in notranja oprema.
Vendar ne sledi oblikovalskim šolam na splošno "izmu" (kubizem, futurizem, nadrealizem), niti načelom umetniških šol, kot je Bauhaus.
V glasbi je De Stijl vplival na delo Jakoba van Domselaerja, Mondrianovega tesnega prijatelja. Med leti 1913-1916 je sestavil Proeven van Stijlkunst (Poskusi v umetniškem slogu), ki ga je navdihnila Mondrianova slika.
Delo članov Stijla se je razširilo po vsem svetu, vendar so razstave De Stijla dobro organizirane. Muzeji z mnogimi De Stijlovimi zbirkami vključujejo Gemeentemuseum v Haagu, kjer je veliko Mondrianovih del, in Amsterdamski muzej Stedelijk, kjer je veliko del Rietvelda in Van Doesburga.
Muzej Centraal v Utrechtu ima največjo zbirko Rietvelda in vključuje hišo Rietveld Schröder, sosednjo Rietveldovo razstavno hišo in arhiv Rietveld Schröder.
Šola za konstruktivizem v slikarstvu
Izraz gradbena umetnost je Kazimir Malecivh dejansko prvič uporabil kot posmeh za opis dela Aleksandra Rodčenka leta 1917. Konstruktivizem se je prvič pojavil kot pozitiven izraz v Realističnem manifestu Nauma Gaba v dvajsetih letih 20. stoletja.
Konstruktivizem med prvo svetovno vojno je zrasel v času ruskega futurizma, zlasti iz "olajšave vogalnega pulta" Vladimirja Tatlina, ki je bila leta 1915.
Sam izraz sta skovala kiparja Antoine Pevsner in Naum Gabo, ki sta razvila delo industrijski in tog, ko abstraktno in geometrijsko pripadata Kazimirjevemu suprematistu malevich.
Učno podlago za to novo gibanje je izdal The Commissariat of Enlightenment (NARKOMPROS), vladno ministrstvo za izobraževanje in kulturo. Boljševiki pod vodstvom Anatolija Vasiljeviča Lunačarskega so leta 2015 premagali Petrogradsko akademijo likovnih umetnosti in Moskovsko šolo za slikarstvo, kiparstvo in arhitekturo leto 1918.
Pisarna sekretariata IZO Narkompros (pooblaščenka Oddelka za razsvetljensko umetnost), ki so jo med rusko državljansko vojno odprli futuristi, izdaja revijo Art of The Commune Konstruktivizem v Moskvi se osredotoča na šolo za umetnost in oblikovanje VKHUTEMAS, ustanovljeno leta 1919.
Gabo je pozneje razumel, da je poučevanje v šoli bolj kot umetnost ustvarjalo politična in ideološka vprašanja. Poleg tega je Gabo leta 1920 zasnoval radijski prenos (in projekt leta 1930 predložil natečaju Palače Sovjetske zveze).
Konstruktivizem kot teorija in praksa izhaja iz serije razprav na INKhUK (Inštitut za umetniško kulturo) v Moskvi med 1920 in 1922. Po tem, ko je prvega vodjo Wassilyja Kandinskega odstavil "mistike", je prva skupina konstruktivistov (Luibov Popova, Alexander Vesnin, Rodchenko, Varvara Stepanova in teoretik Alexei Gan, Boris Arvatov in Osip Brik) sta prišla do opredelitve konstruktivizma kot kombinacije računa: posebne materialne lastnosti predmetov in tektonike ter zavest prostora in prostora.
Sprva so konstruktivisti delali v treh dimenzijah gradbeništva kot prvi korak sodelovanja v industriji; Razstava OBMOKhU (Društvo mladih umetnikov) prikazuje tridimenzionalno kompozicijo Rodčenka, Stepanove, Karla Iogansona in bratov Stenberg. V prihodnosti je bila definicija razširjena na enodimenzionalno zasnovo, na primer za naslovnice knjig, plakate z montažnimi in faktografskimi tehnikami, ki so pomembni koncepti.
Vladimir Tatlin (1885-1953) je bil vodja moskovske podružnice IZO Narkompros (komisar za razsvetljenski oddelek za likovno umetnost) dolgo preden je postavil načrte za svoje slavno delo Model spomenika Tretji internacionali, ki je bilo dokončano leta 2007 1920. Kot abstraktna alternativa figurativnim spomenikom.
V vizualnih umetnostih se ta slog imenuje "konstruktivizem", kadar uporabljena umetnost (ki je pridobljena) iz uporabne fraze arhitekta Sullivana, "oblika sledi funkciji") se imenuje " funkcionalizem '.
»Vse stvari v naravi imajo obliko, torej obliko, zunanji videz, ki nam pove, kaj so, kar jih razlikuje od nas samih in drug od drugega... To je prevladujoč zakon vseh organskih in anorganskih, vsega nadčloveškega, vsega resničnega manifestacije glave, srca, duše, da je življenje prepoznavno v svojem izrazu, da ta oblika vedno sledi funkcije. To je zakon. " (Rowland 1973: 40).
Konstruktivizem stoji na idealizmu abstraktnih, funkcionalnih in uporabnih vrednot. Vrednost uporabnosti je najbolj prevladujoča vrednost. Konstruktivizem predpostavlja, da mora biti umetnost koristna in enostavna za druženje s širšo skupnostjo. Da ni razlike v umetnosti za višji sloj (meščanstvo) in nižji sloj (proletarijat).
Pokazali so pionirski umetniki konstruktivističnega gibanja, katerega vodja je bil Tatlin praktična zasnova za množično proizvodnjo kot sredstvo za povezovanje umetnosti z rekonstrukcijo Javno.
S komunističnimi modeli oblačil, tekstila, pohištva, arhitekture in enakomerno razporejenimi po mestu, so konstruktivisti iskali kreacijo popolne estetske zasnove, ki bi spremenila običajno vedenje sovjetske družbe ali kot ji pravijo "organiziranje pyscheja" maše ".
Konstruktvist zavzema umetniški pogled, da bi zajel kognitivne, materialne in splošne duhovne vidike človeštva. Umetniki poskušajo ustvariti dela, ki lahko gledalca odstranijo iz tradicije in postanejo aktivni poznavalec dela.
Konstruktivisti so zato ustvarili nov "vizualni slovar", ki temelji na geometrijskih oblikah, za katere so verjeli, da lahko govorijo z vsemi. Ta "vizualni slovar" uporabljajo v obliki slik, pohištva, modnega oblikovanja, arhitekture itd.
Konstruktivizem je odgovor na takratne spremembe v tehnologiji in življenjskem slogu. Konstruktivizem je začetek idealističnega gibanja. To je privedlo do sprememb v umetniškem slogu, katerih namen je ustvariti novo sporočilo v umetnosti in arhitekturi, ki se nanaša na družbene in ekonomske probleme.
Slog konstruktivizma uporablja veliko osnovnih oblik, kot so trikotniki, pravokotniki, krogi in pravokotniki. Pogosto uporabljeni materiali so les, celuloid, najlon, pleksi steklo, karton, kositer, žica.
Nekateri konstruktivisti so poučevali v šoli Bauhaus in tam je bila sprejeta in razvita metoda poučevanja VKHUTEMAS. Gabo je izdal različico konstruktivizma v Angliji v tridesetih in štiridesetih letih 20. stoletja, ki je bila sprejeta arhitekti, oblikovalci in umetniki po drugi svetovni vojni, kot sta Victor Pasmore in John Mc Hale.
Joaquin Torres Garcia in Manuel Rendón, ki sta zagotovila sredstva za širjenje gibanja konstruktivizma po Evropi in Latinski Ameriki. Konstruktivistično gibanje je močno vplivalo na sodobne latinskoameriške maestre, kot so: Carlos Merida, Enrique Tábara, Anibal Villacís, Theo Constanté, Oswaldo Viteri, Luis Molinari, Estuardo Maldonado, Carlos Catasse in Oscar Niemeyer.
Dekonstruktivistična arhitektura arhitektov Zahe Hadid, Rema Koolhaasa in drugih je v poznih dvajsetih in zgodnjem 21. stoletju postavila konstruktivizem izhodišče za delo.
Zaha Hadid s svojimi skicami in risbami v obliki abstraktnih trikotnikov in kvadratov ustvarja estetsko plat konstruktivizma. Čeprav je formalno skoraj enaka, socialistična politična konotacija ruskega konstruktivizma poudarja Hadidovo dekonstruktivistično šolo.
Futuristična slikarska umetnost
Futurizem je umetniško gibanje, ki je nastalo v Italiji v začetku 20. stoletja. V Italiji je zelo razširjen pojav, takrat je bilo gibanje tudi v Rusiji, Angliji in širše. Italijanski pisatelj Filippo Tommaso Marinetti je njen ustanovitelj in najvplivnejša oseba.
Gibanje je sprožil v svojem futurističnem manifestu, ki je bil objavljen v francoskem časopisu Le Figaro 20. februarja 1909. tam je Marinetti izrazil željo, da bi sprejel nekaj novega, zlasti politike in tradicije.
"Nočemo tega del, preteklosti," je zapisal, "mi mladi in močni futuristi!" Futurist občuduje, hitrost, tehnologija, mladost in veličina, avtomobili, letala, industrijska mesta in vse, kar zgoraj opisuje človeški imperij tehnologije naravno.
Futurist trenira v vseh umetniških medijih, kot so slikarstvo, kiparstvo, keramika, grafično oblikovanje, industrijsko oblikovanje, gledališče, film, moda, tekstil, literatura, glasba, arhitektura in gastronomija.
Marinettijeva močna volja je kmalu vplivala na več milanskih slikarjev Umberta Boccionija, Carla Carrà in Luigija Russola - ki so želeli svoje ideje prenesti v vizualne umetnosti. (Rusollo je bil skladatelj in je idejo futurizma predstavil v svojih skladbah_ slikar Giacomo Balla in Gino Severini sta marinettija spoznala leta 1910 in naredila Manifest futurista Slikarji.
Futuristični slikarji so zelo počasi razvijali svoje posebne sloge. V letih 1910 in 1911 so uporabljali tehniko divizionizma, svetlobe in barv, ki padajo na en del umetnikovih pik in črt, ki so jih ustvarili Giovannu Segantini in drugi.
Kasneje je Severini, ki je živela v Parizu, začela sprejemati kubizem. Kubizem jim je pomagal analizirati energijo v slikarstvu in izraziti dinamičnost. Sprejetje kubizma je odločilo za slog futurističnega slikarstva, pri čemer sta Boccioni in Severini še naprej senčila barve in kratke črte divizionizma.
Toda futuristični slikarji so se razlikovali glede teme in načina sprejemanja svojega kubizma, kot so Picasso, Braque in Gris.
V letih 1912 in 1913 se je Boccioni obrnil na kiparstvo in ga prevedel v svoja tridimenzionalna umetniška dela. V Edinstvenih oblikah kontinuitete v vesolju (1913) je spoznal med obliko predmetov in njihovim okoljem, kar je teorija osnova "dinamičnosti" / Ta kip prikazuje stopničasto figuro, narejeno iz brona in razstavljeno v Tate Galerija.
Raziskal je nadaljnje teme Sinteza človeške dinamike (1912), Hitrost mišic (1913) in Spiralna ekspanzija hitrosti mišic (1913).
Njegove ideje v kiparstvu so bile objavljene v Tehničnem manifestu futurističnega kiparstva, leta 1915 pa se je Balla usmeril tudi k umetnosti skulpture z ustvarjanjem novih rekonstrukcij, ki uporabljajo različne materiale, ki se lahko premikajo in celo povzročajo zvok.
Povedal je, da je po risanju približno 20 slik spoznal hitrost in razumel, da "letala v kancah ne" lahko opišem prostornino, hitrost in globino, menim, da moram z železno žico, krpo in papirjem ustvariti zapleteno dinamiko tkiva.
Antonio Sant'Elia je bil najvplivnejši arhitekt 20. stoletja. Njegove ideje o modernizaciji so bile izražene v njegovih skicah za "La Città Nuova" ("Novo mesto") (1912-1914).
Cubo-futurizem je ruska šola futurizma, na katero je vplival kubizem in se je razvil leta 1913.
Tako kot njihovi predhodniki so tudi ruski futuristi - Velimir Hlebnikov, Aleksey Kruchenykh, Vladimir Mayakovsky, David Burlyuk - obsedeni z dinamiko, hitrostjo in urbanim načinom življenja. Iščejo polemike in poskušajo skupnost pustiti stare umetnosti za seboj.
To gibanje je postalo jalovo po revoluciji leta 1917. Mnogi njeni člani so se izselili. Umetnika, kot sta Majakovič in Malevič, sta leta 1920 postala člana Sovjetske zveze in Agitpropa. Khlebnikov je bil kaznovan zaradi njihovega prepričanja. Futuristična glasba zavrača tradicijo in predstavlja eksperimentalno glasbo, ki so jo uvedli skladatelji 20. stoletja.
Francesco Balilla Pratella se je leta 1910 pridružil futurističnemu gibanju in pisal o Manifestu futurističnih glasbenikov kamor povabi mlade kot marrinetti, ker morda le oni razumejo, kaj hočejo je dostavil. V italijanski glasbi prevladuje opera. Futurizem je eno izmed številnih gibanj v glasbeni umetnosti v 20. stoletju.
Futurizem je vplival na številna gibanja v 20. stoletju, kot so Art Deco, Vortizem, Konstruktivizem, Nadrealizem in Dada. Futurizem se je končal leta 1944 s smrtjo Marinettija kot njegovega vodje, nato pa so futurizem prevzela fikcijska dela, ki prikazujejo prihodnost.
Ideja futurizma še vedno ostaja v zahodni kulturi. Mladost, hitrost, moč in tehnologija se izražajo v sodobnem filmu in kulturi. Tako kot manga / anime tudi na nekatere zahodne filme vplivajo Marinettijeve besede. Futurizem je povzročil več reakcij, kot je cyberpunk, pojav interneta.
Šola slikanja Bauhaus
Gre za arhitekturni slog (slog), ki ga je leta 1919 ustanovil Walter Gropius. Pionir mednarodnega sloga in predstavil koncept »oblika sledi funkciji«, torej oblika stavbe sledi funkcijam, ki obstajajo v stavbi. Bauhaus je imel velik vpliv na svetovno arhitekturo.
Zgodovina nemške institucije Bauhaus institusi
Bauhaus je ikona razvoja umetnosti in arhitekture, ki se je rodila kot rezultat industrijske revolucije v celinski Evropi v začetku 20. stoletja. Bauhaus je šola z ideologijo miru med umetnostjo in industrijo. Rojstvo Bauhausa je bilo pred ustanovitvijo Deutscher Werkbunda 9. oktobra 1907 v Münchnu v Nemčiji.
Želeli so najti rešitve za izboljšanje kakovosti nemških oblikovalskih izdelkov. Prizadevanja za odcep od konzervativnih idiomov oblikovanja, ki so se razvili v celinski Evropi, vključno z Nemčija že stoletja, zato je Deutscher Werkbund znan kot pionir modernizma na področju arhitektura. Henry-Russel Hitchcock in Philip Johnson sta nato popularizirala Deutscher Werkbund kot mednarodni slog na razstavi Moderna arhitektura v Muzeju moderne umetnosti v New Yorku, 1932.
Zaradi ideoloških razlik se je Deutscher Werkbund leta 1914 razdelil na dva dela in postal skupina Typisierung pod vodstvom Petra Behrens in Mutheseus ter skupina Kunstwollen pod vodstvom Henryja van de Veldeja, Huga Haeringa, Hansa Poelziga in Bruna povezava.
Walter Gropius je bil del skupine Kunstwollen, ki je leta 1919 ustanovila Bauhaus v nemškem mestu Wiemar.
Rojstvo Bauhausa je zaznamovalo dvoje. Poleg zahtev industrijskega sveta glede vprašanj oblikovanja, ki so bolj prilagodljiva in jih je mogoče množično proizvajati, jih tudi spodbujajo revolucija oblikovanja od pojava trenda Art-Deco Style v Parizu v Franciji in skupine De-Stijl v Rotterdamu na Nizozemskem v obdobju enako.
Bauhaus se bolj ukvarja z ustvarjanjem osnovnih načel sodobnega oblikovanja, Art-Deco pa bolj z rezultati svoje uporabe. Toda oba imata isti cilj, in sicer naj oblikovalska dela pripadajo vsem ljudem.
Ob ustanovitvi se je Bauhaus osredotočil na umetnost in obrt, zato so se učitelji v Bauhausu prevladujejo umetniki in obrtniki, zlasti sodobni slikarji kot arhitekti, čeprav so bili ustanovitelji mladi arhitekti veteran.
Med umetniki v Bauhausu so Paul Klee, Oskar Schlemmer, Wassily Kandinsky, El Lissitzky, Lazlo Moholy-Nagly, Marcks, Feinninger, Munche Schlemmer in Johannes Itten. Znani so kot mojster oblike in so večinoma iz Rusije.
Bauhausove slike so večinoma v obliki kubizma in ekspresionizma, kar je vpliv sodobnih ruskih slikarjev v stilu konstruktivizma. Hiter razvoj industrije in naraščajoča potreba po gospodinjskih aparatih, skupaj s spremembo iz agrarne družbe v industrijsko družbo, ki je posledica industrijska revolucija - oblikovanje izdelkov, kot so pohištvo in drugi gospodinjski aparati, v katerih večinoma prevladujejo kovina, usnje in steklo, je v Indoneziji začelo dobivati pozornost Bauhaus.
Eksperimentalne oblike za industrijske izdelke je uvedel mladi vodja Bauhausa Josef Albert (1888-1976). Pri pohištvenih izdelkih so najbolj ugledna in še danes nastajajo dela oblikovalca Marcela Bruerja, vključno s stoli Wassily in B32. Umetnost Bauhaus ostaja literatura oblikovalcev tako na področju pohištva, slikarstva, modnega oblikovanja kot mode vse do danes.
Med umetniki v Bauhausu so Paul Klee, Oskar Schlemmer, Wassily Kandinsky, El Lissitzky, Lazlo Moholy-Nagly, Marcks, Feinninger, Munche Schlemmer in Johannes Itten. Znani so kot mojstri oblike.
Bauhausove slike so večinoma v obliki kubizma in ekspresionizma, kar je vpliv sodobnih ruskih slikarjev v stilu konstruktivizma. Hiter razvoj industrije in naraščajoča potreba po gospodinjskih aparatih, skupaj s spremembo iz agrarne družbe v industrijsko družbo, ki je posledica industrijska revolucija - oblikovanje izdelkov, kot so pohištvo in drugi gospodinjski aparati, v katerih večinoma prevladujejo kovina, usnje in steklo, je v Indoneziji začelo dobivati pozornost Bauhaus.
Bauhaus je ikona razvoja umetnosti in arhitekture, ki se je rodila kot rezultat industrijske revolucije v celinski Evropi v začetku 20. stoletja. Umetnost in arhitektura Bauhaus je šola z ideologijo miru med umetnostjo in industrijo.
Rojstvo Bauhausa je bilo pred ustanovitvijo Deutscher Werkbunda 9. oktobra 1907 v Münchnu v Nemčiji, ki sta ga sprožila 2 (dva) arhitekta, Theodor Fischer in Hermann Mutheseus. Deutscher Werkbund je ime diskusijske skupine, ki jo sestavljajo mladi umetniki, mladi arhitekti, mladi pisatelji, mladi obrtniki in industriji, ki je bila na začetku ta skupina sestavljena iz 12 umetnikov in 12 lastnikov industrije in je veljala za skupino srednjega razreda tistega časa. to.
Želeli so najti rešitve za izboljšanje kakovosti nemških oblikovalskih izdelkov. Poleg tega ta razprava vodi tudi do poskusa odcepitve od konzervativnih oblikovalskih idiomov, ki so se razvili v Indoneziji celinsko Evropo, vključno z Nemčijo že stoletja, zato je Deutscher Werkbund znan kot pionir modernizma na področju arhitektura.
Henry-Russel Hitchcock in Philip Johnson sta nato popularizirala Deutscher Werkbund kot mednarodni slog na razstavi Moderna arhitektura v Muzeju moderne umetnosti v New Yorku, 1932.
Bauhaus je rezultat združitve 2 (dveh) umetniških šol; Kunstgewerbeschule (Visoka vojvodska saška šola za umetnost in obrt) in Hochschule fuer Bildendekunst (velika vojvodska saška akademija za likovno umetnost).
Izobraževalni sistem Bauhaus je bil sprva podoben sistemu iz budističnih templjev Shaolin z osrednjo temo na področju oblikovanja. Študentje so se oblikovalsko izobraževali s praktičnimi metodami dela, ki so se izmenjevale z ritualnimi dihalnimi vajami, fizičnimi vajami, meditacijo in vadbo vegetarijanstvo in uporabljajo praktične delavnice in menze kot središča socialne interakcije med prebivalci Bauhausa, zlasti med mojstri in študent.
Ta sistem je uvedel Johannes Itten, sodobni slikar, ki se je leta 1920 pridružil kot učitelj v Bauhausu in na uvodnih predavanjih gojil nove učence.
Itten je prej preučeval mistiko v starodavni perzijski vzhodni filozofiji. Ta mistična metoda izobraževanja je trajala, dokler Itten leta 1923 ni zapustil Bauhausa.
Rojstvo Bauhausa je zaznamovalo dvoje. Poleg zahtev industrijskega sveta glede vprašanj oblikovanja, ki so bolj prilagodljiva in jih je mogoče množično proizvajati, jih tudi spodbujajo revolucija oblikovanja od pojava trenda Art-Deco Style v Parizu v Franciji in skupine De-Stijl v Rotterdamu na Nizozemskem v obdobju enako.
Bauhaus se bolj ukvarja z ustvarjanjem osnovnih načel sodobnega oblikovanja, Art-Deco pa bolj z rezultati svoje uporabe. Toda oba imata isti cilj, in sicer naj oblikovalska dela pripadajo vsem ljudem.
Ni omejeno na aristokrate. Tako je pri njegovem razvoju težko ločiti vpliv Bauhausa na oblikovanje Art-Deco, zlasti na področju slikarstva, oblikovanja pohištva, oblikovanja tekstila in mode.
Na začetku ustanovitve Bauhausa v mestu Wiemar arhitekturno področje ni dobivalo posebne pozornosti. Arhitekti, ki sodelujejo v "templju oblikovanja" Bauhaus, o arhitekturi govorijo le v obsegu oblikovalskih vej v obliki oblikovanja gradbenih materialov. Po preselitvi Bauhausa iz mesta Wiemar v mesto Dessau leta 1926 je bilo arhitekturnemu področju namenjeno posebno pozornost.
To lahko vidimo v novem kampusu Bauhaus v Dessauu, ki ga je z videzom stavbe zasnoval Walter Gropius v obliki kocke z ravno streho in a-simetrično ter brez okrasja, kar je v tistem času dejansko začelo postajati trend v Nemčiji to. Gradbeni elementi so sestavljeni iz montažnega betona, armiranega betona, stekla in kovine v obliki množične proizvodnje.
Nova stavba Bauhausa je sestavljena iz studia, umetniške delavnice, gledališča, avditorija, telovadnice, predavalnice in menze, pa tudi pisarne arhitekta Walterja Gropiusa. Leta 1927 je bil ustanovljen nov oddelek za arhitekturo, eno leto po selitvi v Dessau.
Ko se je vodstvo Bauhausa iz Walterja Gropiusa preusmerilo v Hannesa Meyerja - prekaljenega švicarskega arhitekta - je bil leta 1928 program arhitekturnega izobraževanja bolj osredotočen o problemu mesta, ki temelji na obstoječi družbeni resničnosti, kjer je zaradi rasti povpraševanje po stanovanjih za tovarniške delavce industriji.
Tako da je prikazana arhitektura v obliki preprostih zgradb, poceni in jo je mogoče razstaviti, vključno s pohištvom.
V bistvu je za arhitekturo Bauhaus značilen pomemben načrt z dejavnostmi in funkcijami med prostori medsebojno povezane strukture - med katerimi so večinoma tovarniške stavbe - so osvobojene pravil arhitekturnega sloga in okrasje.
Poleg tega je tudi stolpnica, ki razkriva stopnice ali dvigala in steklene stene. Na področju arhitekture vpliv Bauhausa čutimo še danes, ker je Bauhausu uspelo osvoboditi arhitektura stare tradicije ima obliko zgodovinske grško-romantike in je utrla pot arhitekturnemu razvoju moderno.
Čeprav je bila po tem deležna ostrih kritik razvoja moderne arhitekture s tokom The International Style. Vendar je Bauhaus postal začetnik nove ideologije na področju oblikovanja, čeprav njegovo življenje ni tako dolgo.
Tok pop art slikarstva
Izraz pop art se je prvič pojavil v delih britanskega kritika Lawrencea Allowaya ob koncu leta 1950, kar ponazarja, kaj je videl kot sodobne pomembne spremembe v temi in tehniki umetnost.
Ne vsebuje redkih vsebin, kot so miti ali legende, ki so bile tradicionalno predmet likovne umetnosti, v Ljubljani POP umetnost navdih je zahodna kultura za oglaševanje izdelkov.
Priljubljeno v Angliji sredi petdesetih in v Ameriki v začetku šestdesetih let, POP umetnost osredotočite se na predmete, ki jih pogosto najdemo vsak dan, ustvarjene s sprejetjem komercialne umetnosti. Medtem umetniki prilagajajo tudi veliko popularne kulture, na primer iz celovečernih filmov, stripov, oglasov itd.
Plakati Miltona Glaserja
Priljubljene kulture v šestdesetih letih, kot so glasba, umetnost, oblikovanje in literatura, so postale bolj dostopne in odražale vsakdanje življenje. Namerno in jasno se je pop art razvil kot reakcija na abstraktno umetnost. Spodnja slika je plakat Miltona Glaserja, ki poudarja silhuetni slog Marcela Duchampa v kombinaciji s krožno kaligrafijo. V tisku več kot 6 milijonov izvodov.
Andy Warhol ni prvi umetnik, ki je oglaševanje prilagodil umetnosti, do zdaj je priznan kot praktik POP umetnost najboljše. Warhol je s svojimi deli "200 Campbellovih jušnih konzerv" (1962) in "Marylin Monroe Diptih" (1962) poskušal mehansko reprodukcijo dvigniti iz statusa likovne umetnosti.
Andy Warhol - "Marylin Monroe Diptih" (1962)
POP umetnost zasnovan na podlagi skupnosti in za skupnost, čeprav jo lahko izdelajo le določeni ljudje. Priljubljenost POP umetnost nato zbledela v poznih 60. letih po pojavu ekspresionistične abstraktne umetnosti, zdaj pa POP umetnost je spet začel povpraševati in priljubljenost obeh umetniških tokov je zdaj zelo velika.
O tem je razprava Tok slikanja - značilnosti, vrste, znaki in primeri risb Upam, da lahko ta pregled vsem vam doda vpogled in znanje, najlepša hvala za obisk. 🙂 🙂 🙂