21 школа живописи
Поток живописи - характеристики, типы, характеры и примеры рисунков - Для этого обсуждения мы предоставим обзор Живопись который в данном случае включает понимание, характеристики, типы, рисунки и примеры изображений, поэтому для лучшего понимания и понимания см. полный обзор ниже.
Определение живописи
Живопись - это один из примеров чистого искусства, в котором приоритет отдается эстетической ценности, а не потребительной стоимости. В общем, картина - это изображение или выражение художника.
Большинство художников обычно находят удовлетворение от работы, которую они создают. Художники могут свободно выражать себя в живописи, создавая произведение, имеющее высокую эстетическую ценность.
Живопись - это двухмерное чистое искусство, которое переливается на носитель для рисования (холст, бумага и т. Д.) С помощью таких инструментов рисования, как краска, карандаш и т. Д.
Благодаря концепции точек линий, плоскостей, форм, объемов, цветов, текстур и световых эффектов с эстетической привязкой создается картина, которой можно наслаждаться своей красотой.
По сути, живопись выполняет функцию развлечения или развлечения благодаря содержащейся в ней эстетической ценности.
Типы живописных течений
Вот несколько видов: картина поток, следующие:
Неоклассическая школа живописи
Начало французской революции в 1789 году стало концом феодализма во Франции, влияние которого ощущалось и в других частях света.
Эта революция не только изменение политического строя и общественного строя, но также касается жизни искусства. Художники вольны следовать зову своего сердца, где они работают не по заказу, а просто хотят рисовать.
Так начинается история современной живописи в истории, которая характеризуется индивидуализацией и самоизоляцией. Жак Луи Давид был первым художником современной сцены. В 1784 году Давид описал «БОЖЕСТВЕННУЮ Клятву». На этой картине изображен Гораций, отец, стоящий посреди комнаты и приносящий присягу. трое его сыновей собрались слева, а дочери плакали на другом верно.
Эта картина используется не для развлечения, а для просвещения, привлечения внимания общественности к их обязанностям перед государством. J.L. Дэвид - пионер неоклассического течения, где неоклассическая живопись рациональна, объективна, полна дисциплины и порядка и является классической.
Прочтите статьи по теме о материалах: Выставка изобразительного искусства - функции, элементы, типы, назначение и примеры
Характеристики неоклассической живописи
Следующие:
- Живопись связана с академическими интеллектуальными нормами.
- Формы всегда уравновешены и гармоничны.
- Цветовые границы чистые и статичные.
- Лицо спокойное и эффектное.
- Содержит рассказ о дворцовой среде.
- Имеет тенденцию к преувеличению.
Персонаж Неоклассическая школа живописи
Преемник J.L. Давид в неоклассике - это ЖАН АВГУАСТ ДОМИНИК ИНГРЕС (1780-1867)
Романтический Стиль Живописи
Романтическое движение было восстанием против неоклассической школы, которое Жан Жак Руссо пригласил. назад к природе, как человеческое существо, у которого есть не только мысли, но и чувства и эмоции.
Романтические картины, как правило, показывают:
Вещи, связанные с чувствами (категорически противятся в неоклассических школах) Экзотические, тоска по прошлому, используемая для чувств публики, красота и внешность всегда изображен.
Характеристики романтической живописи
Характеристики романтического течения следующие:
- Картины содержат сильные и эмоциональные истории.
- Полный движения и динамичный.
- Цвета контрастные, праздничные.
- Настройки динамической композиции.
- Содержит горечь и трогательные чувства.
- Великолепие превосходит реальность.
Персонажи романтической живописи
Персонажи включают:
- Эжен Делакруа
- Теодор Жерико
- Жан Батист
- Жан Франсуа Милле
Поистине мятежным деятелем, первым поставившим знамя романтизма, был Теодор Жерико (1791-1824) с его работой под названием «РАКИТ МЕНДУСА». Романтизм происходит от французского «роман» (рассказ), поэтому этот жанр всегда описывает рассказ о великом деле или ужасной трагедии.
Стиль Живописи Натурализм
Натурализм, который представляет собой форму живописи (изобразительного искусства), в которой художник пытается изобразить все в соответствии с природой или реальным миром, что означает, что это адаптировано к ловушке наших глаз.
Для того, чтобы созданные картины были очень похожи или в точности на настоящие вещи, компоновка, сравнение, перспектива, текстура, окраска и темный свет выполняются максимально тщательно и точно.
В этом потоке пытаемся отобразить реалистичные объекты с акцентом на естественную обстановку. Это дальнейшее углубление движения реализма в 19 веке как реакция на установление романтизма.
Одним из художников-натуралистов в Америке был Уильям Блисс Бейкер, пейзажи которого считаются лучшими реалистическими картинами этого движения.
Важной частью движения натуралистов является дарвинистский взгляд на жизнь и ущерб, который люди причинили природе.
Рисунок потока Натурализм
Список фигур потока Натурализма, среди прочего, следующий:
- Soeboer Doellah
- Уильям Блисс Бейкер
- Раден Салех
- Хокусай
- Affandi
- Фреска Настенная
- Басуки Абдулла
- Уильям Хогарт
- Франс Хайль
Школа Реализма
Реализмв изобразительном искусстве означает попытку представить предмет в произведении таким, каким он является в повседневной жизни, без добавления определенных украшений или интерпретаций.
Смысл также может относиться к усилиям в искусстве показать правду, даже не скрывая плохих вещей. Обсуждение реализма в искусстве может также относиться к культурному движению, начавшемуся во Франции в середине 19 века.
Однако работы с идеей реализма действительно существовали в 2400 году до нашей эры, они были найдены в городе Лотал, который сейчас больше известен как Индия.
Реализм как культурное движение Реализм стал известен как культурное движение во Франции как реакция на понятие романтизма, которое было установлено в середине 19 века. Это движение обычно тесно связано с социальной борьбой, политической реформой и демократией.
Затем реализм доминировал в мире искусства и литературы во Франции, Англии и Соединенных Штатах между 1840 и 1880 годами. К приверженцам литературного реализма из Франции относятся имена Оноре де Бальзак и Стендаль. В то время как известные художники-реалисты - это Гюстав Курбе и Жан-Франсуа Милле.
Реализм в изобразительном искусстве Художники-реалисты всегда стараются представить повседневную жизнь персонажей, атмосферу, дилеммы и объекты, чтобы достичь цели правдоподобия (очень живой). Художники-реалисты склонны игнорировать театральные драмы, предметы, которые появляются в слишком широком пространстве, и другие классические формы, которые были популярны в то время.
Прочтите статьи по теме о материалах: Изобразительное искусство - определение, функции, типы, примеры и различия
В более широком смысле реализм всегда проявляется всякий раз, когда художник пытается точно наблюдать и имитировать формы в природе. Например, фотохудожник эпохи Возрождения, Джотто можно отнести к категории художника с реалистической работой, потому что его работа лучше имитировала физический внешний вид и объем объектов, чем любая попытка с тех пор. Готическая эпоха.
Честность в отображении каждой детали предметов прослеживается и в работах школы Рембрандта и Барбизона. сосредоточение более пристального внимания на природе, что затем проложило путь для ее развития berkembang импрессионизм.
В Англии Братство прерафаэлитов отвергло идеализм последователей Рафаэля, который позже принес к более интенсивному подходу к реализму, известному как один из художников-реалистов Лучший.
Техника Trompe l'oeil - это художественная техника, которая чрезвычайно демонстрирует усилия художника по представлению концепции реализма.
Персонаж Реализм
Список известных фигур реализма следующий:
- Карл Брюллов
- Форд Мэдокс Браун
- Жан Батист Симеон Шарден
- Камиль Коро
- Гюстав Курбе
- Оноре Домье
- Эдгар Дега
- Томас Икинс
- Николай Ге
- Александр Герымский
- Уильям Харнетт
- Луи Ленен
- Дуард Мане
- Жан-Франсуа Милле
Стиль Живописи Импрессионизм
Импрессионизм - это движениеИзобразительное искусствос XIX века, начиная с Парижа в 1860-х гг.. Название первоначально было процитировано из картины Клода Моне «Впечатление, восход» («впечатления, солейлевант”). Критик Луи Лерой использовал это слово как сатиру в своей статье в Le Charivari.
Основные показатели импрессионизм живопись сила мазков кисти, яркие цвета (даже многие художники-импрессионисты запрещают черный цвет, потому что он не считается частью от света), открытая композиция, акцент на качестве освещения, рисование объектов, которые не слишком выделяются, и ракурсы, которые обычный.
Влияние импрессионизма в изобразительном искусстве проникло также в области музыки и литературы.
Объяснение живописи импрессионизма
Художники-импрессионисты изначально вдохновлялись теориями Эжена Делакруа, который начал чувствовать неудовлетворенность развитием академического искусства в то время, которое было слишком сконцентрировано на художественной школе классическая живопись. Он утверждает, что живопись не всегда создается чрезмерной обработкой линий, которую британцы разработали на протяжении многих лет. С другой стороны, тщательная обработка цветовых полей позволит получить не менее интересную картину.
Однако можно считать, что сам Делакруа не смог избежать влияния академических стандартов живописи, потому что в конце концов его картины все еще концентрируются на идеальных формах.
Затем некоторые художники радикально нарушили академические правила в живописи. Эта картина больше не концентрируется на деталях формы с акцентом на контурах, объемах и линиях. Также оставьте структурное наблюдение за формой объекта.
С другой стороны, атмосфера создается за счет фиксации впечатления (впечатления) света, которое улавливается взглядом с первого взгляда. В результате форма предмета становится более простой, в отличие от натурализма или реализма в живописи.
Изначально в помещении создавались не только натюрморты и портреты, но и пейзажи. Это то, что затем побудило художников-импрессионистов обнаружить, что существует другое впечатление, получаемое, если картина создается на открытой местности путем непосредственного наблюдения за созданным объектом.
Они используют мазки коротких, прерывистых и чистых цветов одновременно (в том смысле, что они не предназначены для смешивания на палитре), чтобы оживить картину. Затем акцент картины смещается на общее впечатление, а не на детали конкретного объекта.
Дальнейшим развитием импрессионизма стало открытие того, что более важным, чем сама техника импрессионизма, была разница во взглядах. Импрессионизм - это на самом деле искусство движения, позы и композиции из игры световых впечатлений, переливаемых яркими и разнообразными красками.
В конце XIX века люди начали верить, что импрессионизм - это ясный и честно по жизни, хотя с художественной точки зрения не правильный подход к созданию произведений.
Прочтите статьи по теме о материалах: «Прикладное искусство» Определение и (История - Функция - Форма - Форма - Пример)
Пик движения импрессионистов во Франции пришелся на то же время, что и в других странах, в том числе в Италии с художником Маккьяйоли и в Соединенных Штатах с художником Уинслоу Гомер.
Импрессионизм стал пионером в развитии других школ современного искусства, таких как постимпрессионизм, фовизм и кубизм.
Характеристики живописи импрессионистов
Следующие:
- Короткие толстые мазки в стиле наброска, чтобы художнику было легче уловить суть объекта, а не детали.
- Цвет получается при минимальном смешивании используемых красок. Ожидается, что сетчатка оптически смешивает цвета.
- Тени создаются путем смешивания дополнительных цветов (черный не используется в качестве тени).
- Краске не дают высохнуть, чтобы ее можно было переписать следующим цветом.
- Исключается обработка свойств прозрачности краски.
- Как можно подробнее изучить природу отражения света от объекта, которое затем будет использовано в картине.
- Работа на свежем воздухе (на пленэре)
На самом деле, эту характеристику почти можно найти в других школах, но только импрессионизм намеренно имеет эту характеристику в целом.
Стиль Живописи Романтизм
Романтизм - это стиль в искусстве, который пытается показать фантастические, иррациональные и красивые вещи.
В этом жанре представлены романтические рассказы об ужасных трагедиях, драматических событиях, которые обычно фигурируют в романтических рассказах.
Изображение объекта меньше реальности, цвета более живые, движение более подвижное, человек более мужественный.
Характеристики романтического течения
Характеристики романтического течения следующие:
- Картины содержат сильные и эмоциональные истории.
- Полный движения и динамичный.
- Цвета контрастные, праздничные.
- Настройки динамической композиции.
- Содержит горечь и трогательные чувства.
- Великолепие превосходит реальность.
Стиль Живописи Экспрессионизм
Экспрессионизм - это школа, которая ставит во главу угла свободное внутреннее проявление. Свободно исследует предметы, возникающие из внутреннего мира, воображения и чувств.
Изображенные объекты включают ужас, насилие, бедность, печаль и другие желания, стоящие за человеческим поведением.
Пионеры экспрессионизма: Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Эрнаст Людвиг, Карл Шмидт, Эмиль Нольде, JJ. Кандинский и Пауль Клее. В Индонезии такими приверженцами являются: Аффанди, Зайни и Попо Искандар.
Школа живописи кубизма
Кубизм это движение в современном искусстве начала 20 века, пионерами которого стали Пикассо и Брак. Основные принципы, общие для кубизма, - это описание формы объектов путем вырезания, искажения, перекрытия, упрощения, прозрачности, деформации, расположения и различных проявлений.
Это движение началось в средствах массовой информации живописи и скульптуры через их подходы к кубизму, формы его работ, использующие геометрические формы (треугольники, прямоугольники, конусы, кубы, круги и т. д.). Художники-кубисты часто используют техники коллажа, такие как наклеивание газетных полос, плакатов и т. д. и т.п.
Кубизм как основоположник неподражаемого стиля возник после того, как Пикассо и Брак исследовали и повлияли на форму. примитивное искусство, такое как либерийские скульптуры, египетские барельефы и племенные маски Африка.
Также чувствуется влияние картин Поля Сезанна, особенно натюрмортов и пейзажей, которые вводят новые геометрические формы, ломая перспективу Возрождения. Он оставляет отпечаток на них обоих, капающий новый поток.
Сам термин «капуста» возник благодаря наблюдениям нескольких критиков. Луи Воксель (французский критик), увидев работу Брака в Салоне Независимости, прокомментировал, что Работа Брака сводит все к маленьким кубикам небольшой).
Гил Блас называет картины Брака причудливыми кубиками (волшебными кубиками). Между тем, Анри Матисс называет это расположением petits cubes (маленькие кубики). Поэтому термин кубизм затем используется для характеристики потока таких работ.
Ранняя разработка
На ранних этапах развития кубизм прошел аналитическую фазу, которая продолжилась в синтетической фазе. В 1908–1909 годах кубизм сразу стал более сложным, а затем более систематическим, начиная с 1910–1912 годов. Эту раннюю фазу часто называют аналитическим кубизмом, потому что объект картины должен быть проанализирован. Все элементы картины необходимо разбить на грани или в виде куба.
Иногда кажется, что объект картины нарисован точно спереди, а другая половина видна сзади или сбоку. Человеческие лица или головы животных обнажены таким образом, что на первый взгляд видно сбоку, а глаза должны быть видны спереди.
На этом этапе аналитического кубизма художники фактически заявили о четвертом измерении в живописи, а именно о пространстве и времени, потому что старые модели перспективы были оставлены.
В то время как в аналитический период и Брак, и Пикассо все еще были скованы ограниченным творчеством, в фазе синтетического кубизма все было по-другому.
Детеныши больше не зацикливаются на трех основных цветах своих мазков. Темы их работ также более разнообразны. Имея смелость оставить свою фирменную точку зрения, мы переходим на новый инновационный уровень.
Прочтите статьи по теме о материалах: "Искусство трафаретной печати (трафаретная печать)" Определение и (Этапы - Как это работает)
Дальнейшее развитие творчества Детенышей происходило с их вниманием к реальности. Вставляя вырезки из слов или предложений из газетной бумаги, затем наклеивая их на холст, чтобы сформировать геометрическую композицию. Подобные эксперименты со вставкой обычно называют техникой коллажа.
Персонаж Школа живописи кубизма
Список художников-кубистов, среди прочего, выглядит следующим образом:
- Поль Сезан
- Пабло Пикассо
- Джордж Брак
- Метцингер
- Альберт Глазез
- Но Мохтар
- Моктар Апин
- Рассвет
- Андре Дерен
Стиль живописи фовизм
Фовизм- жанр живописи, просуществовавший недолго до начала эпохи современного искусства. Название фовизм происходит от сатирического слова «fauve» (дикое животное) Луи Вокселя, когда комментируя выставку Осеннего салона в своей статье для выпуска приложения Gil Blas от 17 октября 1905 года, страница 2.
Популярность этого потока начинается от Гавра, Парижа, до Бордо. Концептуальная зрелость наступила в 1906 году.
Фовизм - это школа, которая ценит выражение в изображении атмосферы. В отличие от произведений импрессионизма, художники-фовисты утверждают, что цветовая гармония не пропала без вести. С действительностью в природе он покажет личное отношение художника к природе. что.
Основная концепция фовизма может быть впервые прослежена в 1888 году из комментариев Поля Гогена Полю Серюзье:
“Как вы видите эти деревья? Они желтые. Итак, вставляем желтый; эту тень, скорее голубую, нарисуйте чистым ультрамарином. Эти красные листья? Положить в киноварь.”
«Как вы интерпретируете эти деревья? Желтый, поэтому добавьте желтый. Тогда тень выглядит немного синей, поэтому добавьте ультрамарин. Красноватые листья? Просто добавьте киноварь ".
Все, что связано с объективным и реалистичным наблюдением, как это происходит в натуралистической живописи, заменяется эмоциональным и образным пониманием. В результате цвет и концепция пространства будут казаться поэтичными.
Очевидно, что используемые цвета больше не соответствуют цветам в поле, а соответствуют личным пожеланиям художника.
Использование линий в фовизме упрощено, чтобы зритель мог заметить наличие четких и сильных линий. В результате форма объекта легко узнаваема, не обращая внимания на многие детали.
Художники-фовисты призывали к восстанию против создания живописи, которому долгое время помогала объективность науки, например что произошло в школе импрессионизма, хотя знания предыдущих художников, против которых они выступали, все еще использовались в качестве основы в покрасить. Это было особенно актуально в первые дни популярности этого жанра в период с 1904 по 1907 год.
Раннее влияние этой школы, возможно, произошло из новаторских работ Поля Сезанна, Гюстава Моро, Поля Гогена и Винсента Ван Гога.
Хотя художник не участвовал в движении фовизма и находился в другой эпохе, чем начало этой школы, но его работы стали ориентиром для молодых художников, которые позже стали Художник-фовист.
Хотя это и было недолгим, поток фовизма стал следующей вехой в концепции современного искусства.
Фовизм Живопись Поток Рисунок
Список художников фовизма, среди прочего:
- Анри Матисс
- Андре Дерен
- Жорж Брак
- Альбер Марке
- Анри Манген
- Чарльз Камуан
- Анри Эвенепол
- Жан Пюи
- Морис де Вламинк
- Рауль Дюфи
- Отон Фриез
- Жорж Руа
Школа живописи дадаизма
Дадаизм родился из-за начала Первой мировой войны. Говорят, что его характер антиискусственный, античувственный и склонен отражать грубость и насилие.
Его работы необычны, например, копирование картины Моналисы и усы, присвоение названия писсуару и выставление его на обозрение. Также используются методы коллажа, такие как дерево и обрезки бывших в употреблении товаров.
Персонаж Школа живописи дадаизма
Персонажи этого жанра: Хуан Гросс, Макс Эрнст, Ганс Арп, Марсель Дюшан и Пикабиа.
Стиль Живописи Футуризм
Футуризм - жанр живописи, зародившийся в 1909 году. Этот поток передает красоту движения и рассматривается как нарушитель потока кубизма, который считается статичным по композиции, линиям и окраске.
Футуризм настолько увлечен движением, что на картинах собак изображают с более чем четырьмя ногами.
Персонаж Стиль Живописи Футуризм
Персонажи этого жанра: Умберто, Боччони, Карло Кара, Северини, Джоккомо Баллада и Руиджи Руссало.
Стиль Живописи Сюрреализм
Первоначально сюрреализм был литературным направлением, которое Аполлинер назвал своей драмой. В 1024 году его использовал Андре Бизтон для обозначения узоров в живописи.
В своем творчестве сюрреалистический стиль пытается освободиться от контроля сознания, хочет свободы. тогда есть тенденция к реалистичности, но все же в странных отношениях.
Персонаж Стиль Живописи Сюрреализм
Пионеры сюрреализма: Жоан Миро, Сальвадор Дали и Андре Массон. В Индонезии его можно назвать: Sudibio; Судьярджо и Аманг Рахман.
Стиль живописи абстракционизм
Абстрактное искусство в живописи - это искусство, которое пытается взять предметы, происходящие из внутреннего мира. Объект может быть фантазией, воображением и, возможно, интуицией художника. Потому что это исходит изнутри. Абстрактное искусство делится на две основные категории, а именно:
а. Абстрактный экспрессионизм
Абстрактная Америка имеет две тенденции, а именно:
- Color Field Painting - это картина, отображающая широкие поля и яркие цвета.
Характер
Пионеры: Марк Ротко, Клайффорд Стлл, Адольф Готлиб, Роберт Монтервелл и Борнет Ньюман.
- Живопись действия, а именно картина, не имеющая отношения к важной форме, - это действие или способ ее рисования. Персонажи: Джексон Полак, Виллем де Конинг и Франс Клинер; Сестра Тваркова.
Во Франции за абстрактным экспрессионизмом следуют: Х. Хартум Джерард Шнайдер, Г. Мэтью и Пьер Сулож. Затем первыми стали называть Technism: Вольс Эчинский и Асгер Йорн.
б. Геометрическая абстракция
Абстрактную геометрию еще называют беспредметным искусством. Первопроходец Кандинский. После этого появились другие геометрические абстракции с другими названиями, в том числе:
- Супрематизм - картина, изображающая абстракцию геометрических форм мумии с персонажем Казимира Малевича.
Конструктивизм, трехмерный художественный стиль, который стремится отображать абстрактные формы с использованием современных материалов, таких как проволока, железо, дерево и пластик.
Характер
Персонажи: Владимир Татлин, Антоник Певнер, Наум Габо и А. Родеенко. Александра Колдера, потому что его скульптура может двигаться, в Америке называют мобилизмом, а скульптура, которая может двигаться, называется кинетической скульптурой. Минимальное искусство также входит в группу конструктивизма. Это искусство родилось из-за высоких промышленных технологий, и его работа имеет тенденцию быть аристократичной.
- Неопластизм (De Stijil) - это стиль абстрактного искусства, отображающий универсальность точных наук. Эта школа пытается вернуть окраску к основным цветам и угловатым формам, ее героями являются Пит Мондарян, Тео Ван Десбург и Барт Ван Лек.
- Оп-арт (оптическое искусство), также известный как сетчатка, представляет собой стиль живописи, изображение которого представляет собой геометрическую композицию с аккуратным повторением, как шахматная доска. Эта работа привлекает внимание яркими красками и, кажется, обманывает глаз иллюзией пространства. Персонажи этого узора: Виктор Васерелли, Бриджит Райли, Яков Гипштейн и Тодасукэ Каваяма.
Живопись, художественно-ремесленное движение Алиран
Движение искусств и ремесел было британским, канадским и американским эстетическим движением, имевшим место в конце 19-го - начале 20-го веков. Вдохновленный произведениями Джона Раскина и романтической идеализацией мастера, гордившегося своим ремеслом, примерно в 1880–1910 годах.
Это движение декоративно-прикладного искусства - это движение за реформы, которое влияет на архитектуру, декоративное искусство, ремесла, а также на дизайн садов «коттеджей» Уильяма Робинсона или Гертруды Джеквл. Некоторые из известных имен - Уильям Моррис, Чарльз Роберт Эшби, Т. Дж. Кобден Сандерсон, Эльберт Хаббард, Уолтер Крейн, Нельсон Доусон, Фиби Анна Тракэр, Герберт Тюдор Бакленд, Чарльз Ренни Макинтош, Кристофер Дрессер, Эдвин Лютьенс, Уильям Де Морган, Эрнест Гимсон, Уильям Летаби, Эдвард Шредер Прайор, Фрэнк Ллойд Райт, Густав Стикли, Грин и Грин, Чарльз Войзи, Кристофер стена.
Движение искусств и ремесел началось как эстетический стиль в 19 веке и как реакция на возрождение исторических стилей викторианской эпохи и машин промышленной революции.
Машины считаются корнем проблемы, некоторые из создателей и сторонников этого движения начали отказываться от использования станки превращаются в изделия кустарного промысла, которые, как правило, концентрируются на производстве промышленных товаров вручную, но с результатами удовлетворительно.
До сих пор, когда движение искусств и ремесел оказало большое влияние на промышленность, оно не было на самом деле ни индустриальным движением, ни антисовременностью.
Некоторые группы в Европе все еще считают, что машины все еще нужны, но они используются только для того, что требует большого производства и того же самого.
В то же время лидеры движения декоративно-прикладного искусства чувствовали, что предметы тоже нужны. Конфликт между качеством производства и дизайном, а также попытки объединить эти два аспекта доминировали в дебатах перед 20-м веком.
Красный дом, Бекслихит, Лондон (1859 г.), написанный Филипом Уэббом для Морриса, является примером ранних работ этого периода. Это попытка выразить фактуру поверхности необычными материалами, такими как камень и плитка, с асимметричными строительными композициями.
В конце 1890-х годов в Америке группа архитекторов, дизайнеров и консультантов из Бостона решила создать новую форму дизайна. сделанные в Англии Виллианом Моррисом в Америку, они приглашают организовать выставку предметов ремесло. Когда мастера, потребители и производители осознали потенциал и красоту этого искусства, в Бостоне начался процесс редизайна.
Первая в Америке выставка искусства и ремесел состоялась 5 апреля 1897 года в Копли-холле, на ней было представлено более 1000 предметов, изготовленных 160 мастерами, половину из которых составляли женщины. Некоторые из сторонников этой выставки - Лэнгфорд Уоррен, основатель гарвардской архитектуры, госпожа Дж. Ричард Моррис Хант. Артур Астор Кэри, Эдвин Мид и Уилл Брэдли, графические дизайнеры.
Влияние движения декоративно-прикладного искусства распространяется по всему миру:
В Европе качество и простота движения декоративно-прикладного искусства и использование материалов вдохновляют дизайнеров. такие как Генри ван де Вельде и другие художественные движения, такие как модерн, голландский Де Стил, Венский сецессион и Баухаус. Это движение можно рассматривать как модернизацию, когда чистая форма и фрагменты исторических ассоциаций снова будут применяться в промышленности.
В Соединенных Штатах движение искусств и ремесел было более очевидным для вкусов буржуазии. Поскольку движение в Европе стремилось воссоздать мир ремесел, разрушенный промышленностью, Америка пытается создать новый ресурс для замены ремесленного производства: например, классную комнату. Средняя. Короче говоря, американское движение искусств и ремесел было противоположностью политического движения.
Школа живописи в стиле модерн
Ар-нуво - это международное движение и стиль дизайна, архитектуры и прикладного искусства, особенно декоративного искусства, кульминация которых пришлась на рубеже 20-го века. Название Art Nouveau происходит от французского, что означает новое искусство, также называемое Jugendstil на немецком языке, что означает «молодежный стиль». Реакция академического искусства 19-го века имеет характеристики органических объектов, особенно цветов и растительных мотивов, впечатляюще красивых, сопровождаемых линейными изгибами.
Сначала ар-нуво и модерн не были названиями стилей, и эти стили были заимствованы от нескольких разных лейблов, которые распространились в разных местах. Эти два имени пришли из галереи Siegfried Bing L'Art Nouveau в Париже и журнала Jugend в Мюнхене.
Вершина модерна ощущалась по всей Европе в течение 15 лет. Герои - Гектор Гимар. Журналы Victor Horta, такие как Jugend, способствовали его распространению в Германии, венские сепаратисты оказали влияние на искусство Австрии и Венгрии.
Модерн также оказал влияние на таких людей, как Густав Климт, Чарльз Ренни Макинтош, Альфонс Муха, Рене. Лалик, Антони Гауди и Луи Комфорт Тиффани, каждый из которых работает по-своему.
Хотя модерн потерял свой престиж с приходом 20-го века и современных стилей, модерн теперь явно рассматривается как связь между неоклассической историей и модернизацией. Кроме того, памятник ар-нуво теперь признан ЮНЕСКО одним из исторических зданий.
Обложка журнала Jugend в Германии в 1896 году, Обложка городских церквей Рена Артура Макмёрдо (1833), Обложка книги Городские церкви Артура Макмундо Рена с его ритмическими растительными узорами часто считают ранним воплощением искусства. модерн. В то же время плоская перспектива и яркие цвета японской резьбы, особенно работы Кацисики Хокусая, создают эффект модерна.
Хотя стиль модерн проявляется в его диффузной локализации, некоторые его характеристики проявляются в его формах. Керманн Обрист (1894) опубликовал описание цикламена в журнале Pan, получившем известность в период распространения модерна.
The Whiplash не только стал более известным, но и термин «хлыстовый» стал приложением к кривым, созданным художниками того времени. Хлыстовые украшения, сформированные из динамичных, ненавязчивых линий и дрейфующих в ритме, можно найти в архитектуре, живописи, скульптуре и других формах дизайна в стиле модерн.
Ар-нуво считается тотальным искусством, что означает, что это стиль, который включает в себя дизайн в больших масштабах, архитектура, дизайн интерьера, декоративное искусство, в том числе ювелирные изделия, мебель, текстиль, столовое серебро и др. Изобразительное искусство.
Развитие стиля модерн ощущалось благодаря Всемирной выставке 1900 года в Париже, которая представляла современный стиль в различных средах. Это тогда более известно как Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna в 1902 г. в Турине, Италия, где дизайнеры выставлялись во всех европейских странах, где модерн практиковался.
Стиль ар-деко в живописи
Ар-деко было популярным международным движением в области художественного дизайна с 1925 по 1939 год, оказавшим влияние на искусство декора. таких как архитектура, дизайн интерьера и промышленность, а также изобразительное искусство, такое как мода, живопись, гравюра и искусство фильм. В то время тема была элегантной, гламурной, функциональной и современной.
Это движение представляет собой смесь нескольких стилей и движений начала 20-го века, в том числе неоклассицизма, конструктивизма, кубизма, модернизма, ар-нуво и футуризма. Его популярность достигла пика в Европе во время «ревущих двадцатых» и продолжалась в Соединенных Штатах до 1930-х годов. Хотя многие дизайнерские движения имеют политические корни и философию, ар-деко носит чисто декоративный характер.
Ар-деко пришел в упадок в конце 30-х - начале 40-х годов и вскоре был забыт публикой. Ар-деко пережил очередной ренессанс популярности графического дизайна в 1980-х годах. Ар-деко повлиял на многие последующие художественные движения, такие как Мемфис и поп-арт.
Влияние дизайна ар-деко выражается в таких формах, как кубизм и декоративный футуризм. Другие популярные темы - трапеция, зигзаг, геометрические и смешанные формы, которые можно увидеть в ранних работах. Пример этого стиля и темы находится в Детройте, Мичиган: Здание Фишера и Здание Хранителя.
Ар-деко носит характер с использованием таких материалов, как алюминий, нержавеющая сталь, лак и дерево. Также видны экзотические материалы, такие как кожа акулы и зебры. Использование смелых линий форм и кривых (в отличие от извилистых форм, характерных для ар-нуво), узоров шевронов и солнечных мотивов - это типы ар-деко.
Особый стиль ар-деко со времен его упадка повлиял на несколько других движений этого вида. Ар-деко повлиял на более поздние стили, такие как Мемфис и поп-арт. Ар-деко также повлиял на постмодернистскую архитектуру и стиль 1970-х годов. Ар-деко, похоже, также повлиял на современное искусство.
Школа живописи Де Стейл
Де Стейл (по стилю; Голландский язык «Стиль», известный как неопластицизм, - это движение 1917 года, период de stijl - это также название журнала, который опубликовано голландским художником, дизайнером, писателем и критиком Тео ван Дусбургом (1883-1931), членами этой группы были Пит Мондриан (1872-1944), Вилмос Хусар (1884-1960) и Барт ван дер Лек (1876-1958), а также архитекторы Геррит Ритвельд (1888-1964), Роберт ван 'т Хофф (1887-1979) и Дж. Уд (1890-1963). неопластицизм - новое пластическое искусство (или Nieuwe Beelding по-голландски).
Название De Stijl происходит от произведения Готфрида Земпера Der Stil in den technischen und tektonischen Künsten. или «Практическая эстетика» (1861–1831 гг.), где круги создают неверное впечатление о материализме и функционализм.
В целом de stijl демонстрирует простоту и абстракцию в архитектуре и живописи, используя только прямые вертикальные и горизонтальные линии и квадратные формы. Кроме того, они ограничиваются основными цветами: красным, синим и желтым, а также черным, белым и серым.
Они избегают симметрии и равновесия с использованием противостояния, элемент движения другое значение de stijl: «столб, косяк или опора», это можно увидеть во многих произведениях, в которых используется древесина.
В трехмерной работе вертикальные и горизонтальные линии располагаются на непересекающихся слоях, оставляя каждый элемент видимым, не мешая другим элементам. Подобные вещи можно найти в Доме Ритвельда Шредера и в Красно-синем кресле.
На движение Де Стейла повлияли кубистские картины, такие как мистицизм и неоплатоническая идея идеальной геометрической формы. Работы Де Стиджа повлияли на Баухаус и международные стили, а также международные архитектурные стили, такие как дизайн одежды и интерьера.
Однако он не следует школам дизайна в целом «изм» (кубизм, футуризм, сюрреализм) и не следует принципам художественных школ, таких как Баухаус.
В музыке Де Стейл оказал влияние на творчество Якоба ван Домселера, близкого друга Мондриана. В период с 1913 по 1916 год он написал «Proeven van Stijlkunst» («Эксперименты в художественном стиле»), вдохновленный живописью Мондриана.
Работы членов De Stijl распространились по всему миру, но выставки De Stijl хорошо организованы. Музеи со многими коллекциями Де Стиджа включают Gemeentemuseum в Гааге, где находятся многие работы Мондриана, и Амстердамский музей Stedelijk, где много работ Ритвельда и Ван Дусбурга.
Центральный музей Утрехта имеет самую большую коллекцию Ритвельда и включает дом Ритвельда Шредера, примыкающий к нему «выставочный дом» Ритвельда и архивы Ритвельда Шредера.
Конструктивизм Школа Живописи
Термин «строительное искусство» был впервые использован Казимиром Малецивом как издевательство над творчеством Александра Родченко в 1917 году. Конструктивизм впервые появился как положительный термин в Реалистическом манифесте Наума Габо в 1920-х годах.
Конструктивизм во время Первой мировой войны вырос во время русского футуризма и особенно из «углового контррельефа» Владимира Татлина, который проводился в 1915 году.
Сам термин был придуман скульпторами Антуаном Певзнером и Наумом Габо, которые разработали эту работу. индустриальный и жесткий, когда абстрактное и геометрическое принадлежит супрематизму Казимира. Малевич.
Педагогическая база для этого нового движения была выпущена Комиссариатом просвещения (НАРКОМПРОС), правительственным министерством образования и культуры. Большевики во главе с Анатолием Васильевичем Луначарским разгромили Петроградскую Академию художеств и Московское училище живописи, ваяния и зодчества в г. 1918 год.
Офис секретариата ИЗО Наркомпрос, открытый во время Гражданской войны в России футуристами, издает журнал Art of The Commune. Центром конструктивизма в Москве является ВХУТЕМАС, школа искусства и дизайна, основанная в 1919 году.
Позже Габо узнал, что преподавание в школе было больше сосредоточено на политических и идеологических вопросах, чем на творчестве. Кроме того, Габо сам разработал радиопередачу в 1920 году (а в 1930 году представил проект Дворцу Советского Союза).
Конструктивизм как теория и практика получил свое название из серии дебатов в ИНХУКе (Институте художественной культуры) в Москве с 1920 по 1922 год. После увольнения своего первого лидера Василия Кандинского из «мистики» первая Группа конструктивистов (Луибов Попова, Александр Веснин, Родченко, Варвара Степанова и теоретик Алексей Ган, Борис Арватов и Осип Брик) пришли к определению конструктивизма как комбинации фактуры: особых материальных свойств объектов и тектоники, а также осознания пространства и места.
Первоначально конструктивисты работали в трех измерениях строительства в качестве первого шага участия в отрасли; На выставке ОБМОХУ (Общества молодых художников) представлена трехмерная композиция Родченко, Степановой, Карла Иогансона и братьев Стенбергов. В будущем это определение было расширено до одномерного дизайна, например, для обложек книг, плакатов с монтажом и методов фактографии, являющихся важными концепциями.
Владимир Татлин (1885-1953) был руководителем Московского отделения ИЗО Наркомпрос (комиссар просветительского отдела изящных искусств). задолго до того, как он задумал свою знаменитую работу «Модель памятника Третьему Интернационалу», которая была завершена в 1920. Как абстрактная альтернатива изобразительным памятникам.
В изобразительном искусстве стиль называется конструктивизмом, когда прикладное искусство (которое получается) из полезной фразы архитектора Салливана «форма следует за функцией») это называется « функционализм ».
«Все вещи в природе имеют форму, то есть форму, внешнее подобие, которые говорят нам, что они собой представляют, что их отличает. от нас самих и друг от друга... Это всепроникающий закон всего органического и неорганического, всего сверхчеловеческого, всего истинного проявления головы, сердца, души, что жизнь узнаваема в ее выражении, эта форма всегда следует функции. Это закон ». (Роуленд 1973: 40).
Конструктивизм основан на идеализме абстрактных, функциональных и полезных ценностей. Ценность юзабилити - самая главная ценность. Конструктивизм предполагает, что искусство должно быть полезным и легко поддающимся социализации широкому сообществу. Что нет разницы в искусстве для высшего класса (буржуазия) и низшего класса (пролетариат).
Пионеры конструктивистского движения, авангардом которого был Татлин, показали практический дизайн для массового производства как средство интеграции искусства с реконструкцией Публичный.
С коммунистическим дизайном одежды, текстиля, мебели, архитектуры и равномерным распределением по всему городу конструктивисты искали творение тотального эстетического замысла, чтобы изменить привычное поведение советского общества или, как они это называют, «организующая пищевая массажистки ".
Constructvist использует художественный взгляд с целью охвата познавательной, материальной деятельности и общих духовных аспектов человечества. Художники стараются создавать произведения, способные увести зрителя от традиций и сделать их активным ценителем своего творчества.
Поэтому конструктивисты создали новый «визуальный словарь», основанный на геометрических формах, который, как они считали, мог говорить с каждым. Они применяют этот «визуальный словарь» в виде картин, мебели, дизайна одежды, архитектуры и так далее.
Конструктивизм - это ответ на изменения в технологиях и образе жизни того времени. Конструктивизм - начало идеалистического движения. Это привело к изменениям в художественном стиле, которые направлены на создание нового послания в искусстве и архитектуре, которое касается социальных и экономических проблем.
Стиль конструктивизма использует множество основных форм, таких как треугольники, прямоугольники, круги и прямоугольники. Часто используемые материалы: дерево, целлулоид, нейлон, оргстекло, картон, олово, проволока.
Некоторые конструктивисты преподавали в школе Баухаус, и методика обучения ВХУТЕМАС была принята и развита там. Габо выпустил версию конструктивизма в Англии в 1930-х и 1940-х годах, которая была принята. архитекторами, дизайнерами и художниками после Второй мировой войны, такими как Виктор Пэсмор и Джон Мак Хейл.
Хоакин Торрес Гарсия и Мануэль Рендон, которые предоставили средства для распространения движения конструктивизма по Европе и Латинской Америке. Конструктивистское движение оказало глубокое влияние на современных латиноамериканских маэстро, таких как: Карлос Мерида, Энрике Табара, Анибал Вилласис, Тео Константе, Освальдо Витери, Луис Молинари, Эстуардо Мальдонадо, Карлос Катасс и Оскар Нимейером.
Деконструктивистская архитектура архитекторов Захи Хадид, Рема Колхаса и других сделала конструктивизм отправной точкой для работы в конце 20-х - начале 21 века.
Заха Хадид в своих зарисовках и рисунках в виде абстрактных треугольников и квадратов дает начало эстетической стороне конструктивизма. Хотя формально почти такой же, социалистический политический оттенок русского конструктивизма подчеркивает деконструктивистскую школу Хадид.
Искусство Живописи Футуризм
Футуризм - это художественное направление, зародившееся в Италии в начале 20 века. Это широко распространенное явление в Италии, в то время движение было также в России, Англии и за ее пределами. Итальянский писатель Филиппо Томмазо Маринетти - его основатель и наиболее влиятельная личность.
Он положил начало этому движению в своем Манифесте футуризма, который был опубликован во французской газете Le Figaro 20 февраля 1909 года. Там Маринетти выразил желание принять что-то новое, особенно политику и традиции.
«Мы не хотим участвовать в нем, в прошлом, - писал он, - мы, молодые и сильные футуристы!» Футурист восхищается скоростью, технологии, молодость и величие, автомобили, самолеты, промышленные города и все, что выше описывает человеческую империю технологий. естественный.
Футурист тренируется во всех областях искусства, таких как живопись, скульптура, керамика, графический дизайн, промышленный дизайн, театр, кино, мода, текстиль, литература, музыка, архитектура и гастрономия.
Сильная воля Маринетти вскоре повлияла на нескольких миланских художников Умберто Боччони, Карло Карра и Луиджи Руссоло, которые хотели передать свои идеи в изобразительном искусстве. (Русолло был композитором, и в своих композициях он ввел идею футуризма_ художник Джакомо Балла и Джино Северини познакомились с маринетти в 1910 году, и они сделали Манифест футуриста. Художники.
Художники-футуристы очень медленно развивали свой стиль. В 1910 и 1911 годах они использовали технику дивизиона, свет и цвет, падающие на одну часть точек и линий художника, созданную Джованну Сегантини и другими.
Позже Северини, живший в Париже, начал перенимать кубизм. Кубизм помог им проанализировать энергию в живописи и выразить динамизм. Принятие кубизма определило стиль футуристической живописи, при этом Боччони и Северини продолжали оттенять цвета и короткие линии разделения.
Но художники-футуристы различались предметом и способом восприятия своего кубизма, такими как Пикассо, Брак и Гри.
В 1912 и 1913 годах Боччони обратился к скульптуре и воплотил ее в своих трехмерных произведениях искусства. В «Уникальных формах непрерывности в космосе» (1913) он понял, что между формой объектов и их окружающей средой является теория. основа «динамизма» / Эта статуя изображает ступенчатую фигуру, сделанную из бронзы и выставленную в галерее Тейт. Галерея.
Он исследовал дальнейшие темы «Синтез динамизма человека» (1912 г.), «Ускоряющие мышцы» (1913 г.) и «Спиральное расширение ускоряющихся мышц» (1913 г.).
Его идеи в области скульптуры были опубликованы в Техническом манифесте футуристической скульптуры. В 1915 году Балла также обратился к искусству. скульптуры путем создания новых реконструкций, в которых используются различные материалы, которые могут двигаться и даже вызывать звук.
Он сказал, что после того, как нарисовал около 20 картинок, он узнал о скорости, он понял, что «самолетов в канкасе нет». могу описать объем, скорость и глубину, я чувствую, что должен создать сложную динамику с помощью железной проволоки, ткани и бумаги ткани.
Антонио Сант'Элия был самым влиятельным архитектором 20 века. Его идеи модернизации нашли отражение в его эскизах к «La Città Nuova» («Новый город») (1912–1914).
Кубофутуризм - это русская школа футуризма, сформированная в 1913 году под влиянием кубизма.
Как и их предшественники, российские футуристы - Велимир Хлебников, Алексей Крученых, Владимир Маяковский, Давид Бурлюк - одержимы динамизмом, скоростью и городским стилем жизни. Они ищут разногласий и пытаются заставить сообщество отказаться от старого искусства.
Это движение стало бесполезным после революции 1917 года. Многие из его членов эмигрировали. Такие художники, как Маякович и Малевич, стали членами Совета и Агитпропа в 1920 году. Хлебников был наказан за свою веру. Музыка футуризма отвергает традиции и вводит экспериментальную музыку композиторов ХХ века.
Франческо Балилла Прателла присоединился к футуристическому движению в 1910 году и написал о Манифесте футуристических музыкантов. куда он приглашает молодых людей, таких как Марринетти, потому что, может быть, только они понимают, чего хотят он доставил. В итальянской музыке преобладает опера. Футуризм - одно из нескольких направлений в музыкальном искусстве ХХ века.
Футуризм повлиял на многие движения 20 века, такие как ар-деко, вортицизм, конструктивизм, сюрреализм и дадаизм. Футуризм закончился в 1944 году со смертью Маринетти как его лидера, затем футуризм был заменен художественными произведениями, изображающими будущее.
Идея футуризма до сих пор остается в западной культуре. Молодость, скорость, мощь и технологии выражены в современном кино и культуре. Как и манга / аниме, некоторые западные фильмы написаны под влиянием слов Маринетти. Футуризм вызвал несколько реакций, таких как киберпанк, появление Интернета.
Школа живописи Баухаус
Это архитектурный стиль (стиль), основанный Вальтером Гропиусом в 1919 году. Пионер международного стиля и представил концепцию «форма следует за функцией», то есть форма здания следует функциям, существующим в здании. Баухаус оказал большое влияние на мировую архитектуру.
История немецкого института Баухауса institusi
Баухаус - это символ развития искусства и архитектуры, рожденный в результате промышленной революции в континентальной Европе в начале 20 века. Баухаус - это школа с идеологией мира между искусством и промышленностью. Рождению Баухауза предшествовало образование Deutscher Werkbund 9 октября 1907 года в Мюнхене, Германия.
Они хотели найти решения для улучшения качества немецкой дизайнерской продукции. Попытки отойти от консервативных идиом дизайна, которые развились в континентальной Европе, в том числе Германия на протяжении веков, поэтому Deutscher Werkbund известен как пионер модернизма в области архитектура. Затем Генри-Рассел Хичкок и Филип Джонсон популяризировали Deutscher Werkbund как международный стиль на выставке современной архитектуры в Музее современного искусства, Нью-Йорк, 1932 год.
Из-за идеологических разногласий в 1914 году Deutscher Werkbund раскололся надвое, став группой Typisierung под руководством Петера. Беренс и Мутезеус и группа художников во главе с Генри ван де Вельде, Хьюго Херингом, Гансом Пельцигом и Бруно ссылка на сайт.
Вальтер Гропиус был частью группы Kunstwollen, которая в конце концов основала Баухаус в немецком городе Вимар в 1919 году.
Рождение Баухауза ознаменовалось двумя вещами. В дополнение к требованиям промышленного мира по вопросам дизайна, которые являются более гибкими и могут производиться серийно, они также приветствуются. революция в дизайне, связанная с появлением тенденции стиля ар-деко в Париже, Франция, и группы De-Stijl в Роттердаме, Нидерланды, в период одно и тоже.
Баухаус ставит во главу угла создание основных принципов современного дизайна, а арт-деко больше ориентируется на результаты его применения. Но у них обоих одна цель - сделать так, чтобы дизайнерские работы принадлежали всем людям.
Изначально Баухаус сосредоточился на декоративно-прикладном искусстве, поэтому учителя Баухауза преобладают художники и мастера, особенно современные художники, чем архитекторы, хотя основателями были молодые архитекторы ветеран.
В число деятелей искусства в Баухаусе входят Пауль Клее, Оскар Шлеммер, Василий Кандинский, Эль Лисицкий, Лазло Мохоли-Нагли, Маркс, Файннингер, Мюнче Шлеммер и Йоханнес Иттен. Они известны как мастера формы и в основном из России.
Картины Баухауза в основном представлены в форме кубизма и экспрессионизма, что является влиянием современных русских художников в стиле конструктивизма. Быстрое развитие промышленности и возрастающая потребность в бытовой технике - наряду с переходом от аграрного общества к индустриальному обществу в результате промышленная революция - дизайн таких товаров, как мебель и другая бытовая техника, в которых в основном преобладают металл, кожа и стекло, начал привлекать внимание в Индонезии. Баухаус.
Экспериментальные формы для промышленных продуктов были введены молодым лидером Баухауза Йозефом Альбертом (1888-1976). Что касается мебельной продукции, наиболее известными и производимыми до сих пор являются работы дизайнера Марселя Брюэра, в том числе стул Wassily и стул B32. Искусство Баухауса и по сей день остается литературой дизайнеров как в области мебели, так и в области живописи, дизайна и моды.
В число деятелей искусства в Баухаусе входят Пауль Клее, Оскар Шлеммер, Василий Кандинский, Эль Лисицкий, Лазло Мохоли-Нагли, Маркс, Файннингер, Мюнче Шлеммер и Йоханнес Иттен. Они известны как Мастера Формы.
Картины Баухауза в основном представлены в форме кубизма и экспрессионизма, что является влиянием современных русских художников в стиле конструктивизма. Быстрое развитие промышленности и возрастающая потребность в бытовой технике - наряду с переходом от аграрного общества к индустриальному обществу в результате промышленная революция - дизайн таких товаров, как мебель и другая бытовая техника, в которых в основном преобладают металл, кожа и стекло, начал привлекать внимание в Индонезии. Баухаус.
Баухаус - это символ развития искусства и архитектуры, который родился в результате промышленной революции в континентальной Европе в начале 20 века. Bauhaus Art and Architecture - школа с идеологией мира между искусством и промышленностью.
Рождению Баухауза предшествовало создание Deutscher Werkbund 9 октября 1907 года в Мюнхене, Германия, которое было инициировано двумя (двумя) архитекторами, Теодором Фишером и Германом Мутезеусом. Deutscher Werkbund - это название дискуссионной группы, состоящей из молодых художников, молодых архитекторов, молодых писателей, молодых мастеров и индустрия, которая на момент своего зарождения, эта группа состояла из 12 художников и 12 владельцев индустрии и считалась группой среднего класса того времени. что.
Они хотели найти решения для улучшения качества немецкой дизайнерской продукции. Кроме того, это обсуждение также приводит к попытке оторваться от консервативных идиом дизайна, разработанных в Индонезии. материковой Европы, включая Германию на протяжении веков, поэтому Deutscher Werkbund известен как пионер модернизма в области архитектура.
Затем Генри-Рассел Хичкок и Филип Джонсон популяризировали Deutscher Werkbund как международный стиль на выставке современной архитектуры в Музее современного искусства, Нью-Йорк, 1932 год.
Баухаус - результат слияния 2 (двух) художественных школ; Kunstgewerbeschule (Школа искусств и ремесел Великого Герцога Саксонии) и Hochschule fuer Bildendekunst (Академия изящных искусств Великого Герцога Саксонии).
Система образования Баухаус изначально напоминала систему буддийских храмов Шаолинь с ее центральной темой в области дизайна. Студенты получили дизайнерское образование с практическими методами работы, перемежающимися с ритуальными дыхательными упражнениями, физическими упражнениями, медитацией и практикой. вегетарианство и использовать практические мастерские и столовые как центры социального взаимодействия между жителями Баухауза, особенно между мастерами и ученик.
Эта система была представлена Иоганнесом Иттеном, современным художником, который начал работать преподавателем в Баухаусе в 1920 году и обучал новых студентов на вводных лекциях.
Иттен ранее изучал мистицизм в древнеперсидской восточной философии. Этот мистический метод обучения просуществовал до тех пор, пока Иттен не покинул Баухаус в 1923 году.
Рождение Баухауза ознаменовалось двумя вещами. В дополнение к требованиям промышленного мира по вопросам дизайна, которые являются более гибкими и могут производиться серийно, они также приветствуются. революция в дизайне, связанная с появлением тенденции стиля ар-деко в Париже, Франция, и группы De-Stijl в Роттердаме, Нидерланды, в период одно и тоже.
Баухаус ставит во главу угла создание основных принципов современного дизайна, а арт-деко больше ориентируется на результаты его применения. Но у них обоих одна цель - сделать так, чтобы дизайнерские работы принадлежали всем людям.
Не ограничиваясь аристократами. Так что в его развитии трудно отделить влияние Баухауза на дизайн ар-деко, особенно в области живописи, дизайна мебели, текстильного дизайна и моды.
В начале основания Баухауза в городе Вимар области архитектуры не уделялось особого внимания. Архитекторы, задействованные в «храме дизайна» Баухауса, говорят об архитектуре только в масштабе проектных ветвей в форме проектирования строительных материалов. После того, как Баухаус переехал из города Вимар в город Дессау в 1926 году, новое направление архитектуры привлекло особое внимание.
Это можно увидеть в новом кампусе Баухауса в Дессау, который был спроектирован Вальтером Гропиусом с учетом внешнего вида здания. кубоид с плоской крышей, а-симметричным и без орнамента, который фактически стал трендом в Германии в то время что. Компоненты здания состоят из сборного бетона, железобетона, стекла и металла в виде серийного производства.
Новое здание Баухауза состоит из студии, художественной мастерской, театра, аудитории, спортзала, лекционной комнаты и столовой, а также кабинета практикующего архитектора Вальтера Гропиуса. В 1927 году, через год после переезда в Дессау, было создано новое архитектурное отделение.
Когда руководство Баухаусом перешло от Вальтера Гропиуса к Ханнесу Мейеру, опытному швейцарскому архитектору, в 1928 году программа архитектурного образования стала более целенаправленной. по проблеме города, а именно исходя из существующей социальной реальности, где есть спрос на жилье для заводчан за счет роста промышленность.
Так что появляется архитектура в виде простых построек, дешевых и разборных, в том числе и мебели.
По сути, архитектура Баухауса характеризуется значительным планом с действиями и функциями между пространствами. взаимосвязанные конструкции, большинство из которых являются заводскими зданиями, свободны от правил архитектурного стиля и орнамент.
Кроме того, это еще и многоэтажное здание с открытыми лестницами или лифтами и стеклянными стенами. В области архитектуры влияние Баухауза ощущается и сегодня, потому что Баухаусу удалось освободить архитектура старой традиции принимает форму исторического греческого романа и проложила путь архитектурному развитию. современный.
Хотя после этого он получил резкую критику развития современной архитектуры с течением The International Style. Однако Баухаус стал родоначальником новой идеологии в области дизайна, хотя срок его жизни не так велик.
Поток поп-арта
Термин «поп-арт» впервые появился в трудах британского критика Лоуренса Аллоуэя в конце 20-го века. 1950-е годы, которые иллюстрируют то, что он считал современными случайными изменениями в предмете и технике. Изобразительное искусство.
Не содержит редкого содержания, такого как мифы или легенды, которые традиционно были предметом изобразительного искусства, в Поп-арт Вдохновением является западная культура для рекламы продуктов.
Популярный в Великобритании в середине 1950-х и в Америке в начале 1960-х, Поп-арт сосредоточьтесь на объектах, которые часто встречаются каждый день, созданными с использованием коммерческого искусства. Между тем, многие художники также адаптируют популярную культуру, например, из художественных фильмов, комиксов, рекламы и т. Д.
Плакаты Милтона Глейзера
Популярные культуры 1960-х годов, такие как музыка, искусство, дизайн и литература, стали более доступными и отражали повседневную жизнь. Сознательно и четко поп-арт развивался как реакция на абстрактное искусство. На изображении ниже представлен плакат Милтона Глейзера, который подчеркивает стиль силуэта Марселя Дюшана в сочетании с круговой каллиграфией. В печати более 6 миллионов экземпляров.
Энди Уорхол не первый художник, который адаптировал рекламу в искусство, до сих пор он признан практикующим. поп-арт Лучший. Своими работами «200 банок для супа Кэмпбелла» (1962) и «Диптих Мэрилин Монро» (1962) Уорхол попытался вывести механическое воспроизведение из статуса изобразительного искусства.
Энди Уорхол - «Диптих Мэрилин Монро» (1962)
Поп-арт разработан на основе сообщества и для сообщества, хотя это могут делать только определенные люди. Популярность поп-арт затем исчез в конце 60-х после появления экспрессионистского абстрактного искусства, но сейчас поп-арт снова стал пользоваться спросом, и популярность двух художественных стилей сейчас очень велика.
Это обсуждение о Поток живописи - характеристики, типы, характеры и примеры рисунков Я надеюсь, что этот обзор может добавить понимание и знания всем вам, большое спасибо за посещение. 🙂 🙂 🙂