音楽、タイプ、要素、機能、歴史の定義

June 28, 2021
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1.アートの定義

2.音楽の定義

3.音楽の定義

4.音楽の歴史

5.舞台芸術音楽

5.1.舞台芸術音楽文化

5.2.ミュージカルアートパフォーマンスフォームBentuk

5.3.ミュージカルアーツパフォーマンスの準備

6.音楽芸術教育

7.音楽の種類

8.ミュージックアート機能

9.ミュージカルアートの要素

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アートの定義

「アート」という言葉は、理解のレベルは異なりますが、誰もが必ず知っている言葉です。アートという言葉は、「高い魂/魂の誠実さ」を意味する「サニ」という言葉から来ていると言われています。英語で「ART」（人工）という用語は、活動の商品/または作品を意味します。アートのコンセプトは、文化の発展とダイナミックなコミュニティライフに沿って発展し続けています。

アートの意味についてのいくつかの意見：

インドネシア百科事典：
アートとは、形が低いために人々が見たり聞いたりすることを好む物体や物の創造です。
アリストテレス：
アートとは、特定のアイデアによって決定された目標を達成するための努力に関連して何かを作る能力です。
キ・ハジャル・デワンタラ：
芸術は美しい、彼によれば芸術は彼の感情を引き起こし生きるすべての人間の行動であり、他の人間の感情の魂を動かすことができるように美しいです、
AkhdiatK。ミハルジャ：
アートは作品に現実を反映する人間の活動であり、その形式と内容のおかげで、受け手の精神的な領域で特定の経験を呼び起こす力があります。
エリック・ケーラー：
アートは、「大きな世界」を反映した「小さな世界」全体についてのシンボルやほのめかしでその現実を探求し、創造する人間の活動です。

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音楽の定義

音楽は芸術的表現の媒体であり、音楽は支援コミュニティの文化を反映しています。音楽には、公式と非公式の両方の文化的文化のプロセスの一部である価値観と規範が含まれています。音楽自体は、構造的な観点と文化のタイプの両方の観点から、独特の形をしています。同様に、マレー文化の音楽に何が起こったのか。

Big Indonesian Dictionary（1990：602）では、音楽とは、表現された音や声、組み合わせ、時間的関係を調整して作曲（音）を生成する科学または芸術です。リズム、歌、ハーモニー（特に音を出すことができるもの）を含むように配置されたバランスと統一性、音色または音を持っています。それ）。

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そのため、音楽の芸術は、音の形で定期的に発行される感情や思考の表現の火花です。音（声）は音楽の最も基本的な要素であると言えます。良い音楽の音は、リズム、メロディー、ハーモニーの3つの要素の相互作用の結果です。リズムとは、時間、長さ、短さ、テンポの音の配置であり、これにより、各曲に独自の特徴が与えられます。いくつかのピッチとリズムの組み合わせは、特定のメロディーを生み出します。さらに、リズムとメロディーの良い組み合わせが調和のとれた音を生み出します。

音楽は最も古い人間の芸術の1つです。マレー文明の歴史を含め、音楽なしでは人類文明の歴史は過ぎ去っていないとさえ言えます。マレー社会では、この音楽芸術は声楽、楽器、そしてその両方の組み合わせに分けられます。複合音楽では、楽器の音は声楽やダンスの音の伴奏として機能します。マレーのコミュニティで開発された楽器には、カナン、テタワク、ノバット、トランペット、レンカラ、コンパン、ガンバス、マルワス、ドラム、タンバリン、菊、フィドル、ドラム、ゴング、フルート、ハープ、バイオリン、アコーディオン。上記の楽器は、他の楽器とは異なる独自のリズムやメロディーを生み出します。

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音楽の定義

音楽という言葉は、ギリシャの神の1人の名前から取られたギリシャのmousikosから来ています。ムシコスは美の神として象徴され、芸術と科学の分野をマスターしています。

音楽の芸術を理解することは、音楽をその製作者の表現を表現する手段として使用する芸術の一分野です。音楽は、次のように配置された音を使用する芸術ですがリズム、歌、ハーモニーが含まれています。リズムを生み出す。

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音楽の歴史

音楽は人間が最初に登場した時から存在していました。特に文化の分野で多くの新しい発見があったため、音楽芸術の発展は非常に急速です。これにより、音楽芸術の発展をより簡単に知ることができるように、音楽芸術の歴史をいくつかの時代に分割する必要があります。音楽芸術の歴史は6つの時代に分けることができます。それらは先史時代、中世、バロックとロココの時代、古典の時代、ロマンチックな時代、そして現代です。

先史音楽
音楽は、約18万年から10万年前のホモサピエンスの存在以来知られています。音楽の芸術を最初に認識したのは誰なのか誰も知りません。最古の楽器はフルートで、中空の骨でできています。通常、クマの大腿骨から来ます。フルートは4万年前に作られたと考えられています。古代の楽器のコレクションは、主に紀元前7000年から6600年まで中国で見られます。紀元前1400年のフルリ人の歌を含む碑文は、録音された最も古い記譜法です。
中世音楽
中世（476-1572 AD）では、音楽の芸術は主にキリスト教の宗教活動の利益のために使用されていました。しかし、あらゆる分野でさまざまな新しい発見があった後、音楽の機能は宗教活動だけでなく発展してきました。ルネッサンス（1500年から1600年）の間に、ロマンスとヒロイズムの音楽がやって来ました。この時代、教会の音楽は衰退していました。ピアノやオルガンの楽器もこの時代に発見されました。この時期に住んでいた作曲家は、レオニン、ペロティヌス、ギヨーム・ド・マショーでした。
バロックとロココ時代の音楽
バロックとロココ（1600年から1750年）では、装飾（音楽の装飾）の使用がますます怒りました。ただし、バロック音楽ではその使用は自発的に行われ、ロココ音楽ではその使用は記録および規制されます。当時の有名なミュージカルアートの人物はヨハン・セバスチャン・バッハでした。彼は教会の説教のための珊瑚音楽の作曲家であり、器楽の作曲家です。残念ながら、彼の人生の終わりに、セバスチャン・バックは盲目で、ライプツィヒで亡くなりました。
古典派音楽
バロックとロココの時代が終わった後、古典派（1750-1820）が出現しました。この時代には、強弱法の使用が柔らかくなり、アセレランド（速い）とリタルテアンド（柔らかい）でテンポが変化し、装飾品の使用が制限されていました。古典時代の有名な作曲家は、ヨハン・クリスチャン・バッハ、ジョセフ・ハイドン、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーベンでした。
ロマン派時代の音楽
ロマン派時代（1810〜 1900年）の音楽は主観的な感情に非常に関心がありました。音楽は感情を表現するために使われるようになりました。したがって、強弱とテンポの使用がますます使用されています。オペラとバレエはこの時代に栄えました。この時代の有名な作曲家は、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーベンとフランツ・シューベルトでした。ロマンチックな時代の終わりに、オーケストラは非常に劇的に発展し、都市文化になりました。また、オペレッタ、コメディ音楽、その他のさまざまな形式のミュージカルシアターなど、新しいミュージカルシアターの種類も増えています。
現代音楽
20世紀には、ラジオの発明が音楽を聴くための新しい方法になりました。現代の音楽は、リズム、スタイル、サウンドに重点を置いています。しかし、この時代の音楽は法規制の存在を認識していません。音楽を編集するためのボイスレコーダーとツールの発明は、クラシック音楽に新しいジャンルをもたらしました。このように、人々は音楽を通して彼らの表現をより自由に表現することができます。

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舞台芸術音楽

音楽の芸術を演奏することは、音楽における表現の物理的な表現です。通常、すべてのミュージカルアートパフォーマンスは、構造化された計画的な方法で準備されます。ただし、ショーが始まるたびに、計画は変わる可能性があります。ショーは即興でできるからです。ミュージシャンは、ショーをユニークで面白いものにするために、時々即興を追加します。

舞台芸術音楽文化

多くの文化には、インド古典音楽や西洋音楽芸術の伝統など、パフォーマンスとソロの両方に強い伝統が含まれています。バリのような他の文化では、グループパフォーマンスの強い伝統があります。パフォーマンスは、個人的な楽しみのために即興劇を使用するソロパフォーマーから非常に多岐にわたります現代クラシック音楽、宗教儀式、音楽祭、または競技会のように計画および編成された音楽。

ミュージカルアートパフォーマンスフォームBentuk

音楽の芸術を実行することはそれを提示するいくつかの形式または方法があります。ミュージシャンによるプレゼンテーションもあり、数人のミュージシャン、多くの人が参加するオーケストラ、電気音楽によるプレゼンテーションもあります。すべてのミュージカルアートパフォーマンスは非常に正式に行われます。聴衆は落ち着いていて騒がしくないことが期待されます。ただし、電気音楽のプレゼンテーションの多くは非公式に行われます。聴衆が自由に叫んだり、踊ったり、一緒に歌ったりできる公共の場でのコンサートのように。

ミュージカルアーツパフォーマンスの準備

ミュージカルアートのパフォーマンス、特に多くの人に見られるパフォーマンスは、適切かつ完璧に実行する必要があります。ミュージカルアートパフォーマンスを準備するためのいくつかの組織化された一連の活動があります。考慮しなければならないことは、技術的なスキル、聴衆と（口頭または音楽で）コミュニケーションする能力、演奏するときの振る舞い方、演奏するときの緊張を克服することなどです。もちろん、これには勤勉な練習が必要です。

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音楽芸術教育

音楽教育は、生徒が表現し、感謝し、創造的になり、調和を形成し、美しさを生み出す機会を提供することを目的としています。したがって、彼らは日常生活の問題を解決するのを助けるために使用できる知識、スキル、および行動を身につけることができます。音楽芸術教育も彼の個性を伸ばすことができます。

音楽芸術教育と寛容
音楽教育は、個々の参加者の多様性を促進し、それに対応できることが期待されています教育、各地域の文化的多様性、そして流れに対応するための国民文化グローバリゼーション。教育者はフォークソングの演奏でグループを形成することができるので、それは学生が彼らの仲間の学生の間で相互作用し、コミュニケーションし、そして寛容を育むのを助けるでしょう。この戦略は、多様性に対する学生の関心だけでなく、経験と認識を提供することができます文化、そして最終的に仲間の学生や民族グループの民族性に対する偏見を減らすでしょうその他。そのため、偏見を減らすことで、オープンな態度と協力の確立、そして前向きな文化的風土を育むことができます。
創造性を育む音楽芸術教育
音楽芸術教育は、学生が創造的になるように刺激することができます。それは、さまざまな楽器やボーカルサウンドを所有することでクリエイティブになるという点でクリエイティブです。このような活動は、音楽の分野で創造性を形成するだけでなく、将来の生活に非常に役立つ創造的な考え方を育むことができます。

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音楽の種類

これが音楽の主なジャンル/ジャンルのリストです。各ジャンルはさらにいくつかのサブジャンルに分けられます。このような音楽の分類は、主観的なものである場合もありますが、ワールドミュージックの専門家によって研究および決定された科学の1つです。

ここ数十年で、音楽の世界は多くの発展を遂げています。発生し発展する音楽には非常に多くのジャンルがあります。たとえば、トリップホップ音楽は、電子ビートとポップミュージックを組み合わせたもので、軽くて聴き心地が良いものです。このタイプの音楽を運ぶミュージシャンの例は、フルフル、スニーカーピンプス、ラムです。リンキンパークが運ぶヒップホップ、ロックもあります。現在入っているダンスロックやネオウェーブロックは言うまでもありません。フランツフェルディナンド、ブロックパーティ、ザキラーズ、ザブレイブリーなど、多くの新しい音楽グループがこのタイプの音楽で飛んでいます。

今でもロック、ジャズ、ブルースのリズムで地域の歌を運ぶ音楽グループがたくさんあります。インドネシアにこの新しいジャンルをもたらした音楽グループはかなりたくさんあります。そのうちの1つは、ロックミュージックでジャワの歌を運ぶファンクデジャワです。

以下を含むさまざまな種類の音楽があります。

クラッシック
このタイプの音楽は、人の声のトーンを増やさずに楽器のみを使用します。通常、この音楽は非常に柔らかく、リスナーの魂に触れることができます
フォークミュージック/伝統音楽
この音楽は、時間の経過とともに発展することのない伝統的な音楽です。この音楽を演奏する際、ミュージシャンは、祖先がこの音楽を作成してから存在していた基準、たとえば、ジェンディング、アンクルン、ジェドールなどに従わなければならないためです。
宗教音楽
このタイプの音楽は宗教音楽の一種であり、作成者への賛美の詩が含まれている、または関係を説明しています人間と神と人間と人間との間で、社会開発のための優れた教育が含まれています誰か。

この音楽では、次のようないくつかのジャンルの音楽にさらに分けることができます。

ガンバス
ガンバスは、中東発祥のマンドリンなどの弦楽器です。少なくともハープには3本の弦から最大12本の弦が取り付けられています。ガンバスは太鼓を伴って演奏されます。主な楽器をガンバスの形で使用するオーケストラは、ガンバスオーケストラまたは単にガンバスと呼ばれます。 TVRIとRRIでは、ガンバスオーケストラがかつて砂漠のリズムプログラムをもたらしました。ガンバスオーケストラは、社交ダンスのためにすべて男性によって行われるザピンダンスを伴います。この歌は中東のリズムで歌われています。歌詞のテーマは宗教的ですが。楽器は、バイオリン、ドラム、タブラ、フルートで構成されています。現在、ガンバスオーケストラはベタウィの人々に属しており、割礼や結婚披露宴に広く招待されています。歌の歌詞はアラビア語で、内容は祈りや祝福です。ガンバスオーケストラのパイオニアは、アラブ・インドネシア人のSyech Albarであり、彼の父親はAhmad Albarであり、メダン市の有名なEl-SurayyaガンバスオーケストラはAhmadBaqiが率いていました。
カイダー
カシダ（カスィーダ、カスィーダ; アラビア語：「قصيدة」、ペルシア語：またはامه発音：chakameh）は、アラビア語の叙事詩の歌の形式です。歌手はイスラム教徒のための賞賛（宗教的なダワーと風刺）を含む歌詞を歌います。カスィーダはイスラム教を呼吸するサウンドアートであり、曲にはイスラム教のダワーの多くの要素とイスラム教の教えによる良いアドバイスが含まれています。通常、歌はタンバリンを伴う中東のリズムにほとんど似た楽しいリズムで歌われます。タンバリンは一種の伝統的な楽器です。木でできていて、真ん中に穴が開いた円の形をしていて、穴を開けた場所に、きれいにした動物の皮を貼り付けます羽。

当初、タンバリンは、アッラーのswtとその使徒、サラワット、アラビア語の詩などへの賛美の形で宗教的な歌を歌う楽器として機能していました。それがタンバリンと呼ばれる理由です。これは、私たちの主よ（神への祈りと賛美）を意味するラバナという言葉から来ています。
現代のカスィーダの歌の歌詞もアラビア語以外のインドネシア語で作られています。現代のカスィーダグループは、女性合唱団の支援を受けているスターシンガーを連れてきます。演奏される楽器はタンバリンとマンドリンで、バイオリン、エレキギター、キーボード、フルートなどの現代楽器が伴われます。現代のカシダの先駆者は、スマラン出身のすべて女性のナシダリアグループです。トップソングはナシダリアのピース。 1970年代に、Bimbo、Koes Plus、およびAKAはモダンなkasidahアルバムをリリースしました。
ナシード
ナシードは、サウンドアートの分野におけるイスラム美術の1つです。通常、それはイスラムのスタイルを持ち、アドバイスの言葉、預言者の話、アッラーを賛美するなどを含む歌です。通常、ナシードはドラムの伴奏だけでアカペラを歌います。この方法は、多くのイスラム学者が打楽器以外の楽器の使用を禁止したために生まれました。
ブルース
ブルースは、主にアフリカ系アメリカ人のコミュニティ内で作成された音楽形式と音楽のジャンルの両方に付けられた名前です。霊歌、労働歌、フィールドホラー、悲鳴、そして単純なリズミカルな物語からの19世紀後半の米国南部バラード。ユビキタスブルース…ジャズ、R＆B、ロックンロールの形で、特定のコード進行が特徴で、ブルースバーの12のコード進行がノートで最も一般的です。青、歌われたり演奏されたりする表現目的のために、スケールのピッチに対して徐々に平らになるか曲がる（マイナー3からビッグ3）ことに注意してください大きい。

ブルースのジャンルはブルースの形式に基づいていますが、特定の歌詞、ベースライン、楽器などの他の特徴があります。ブルースは、20世紀のさまざまな時期に多かれ少なかれ人気があったカントリーブルースからアーバンブルースまで、いくつかのサブジャンルに分けることができます。最もよく知られているのは、デルタ、ピエモンテ、シカゴブルースのスタイルです。第二次世界大戦は、アコースティックブルースからエレクトリックブルースへの移行と、ブルース音楽のより多くの聴衆への漸進的な開放を示しました。 1960年代と1970年代に、ブルースロック革命と呼ばれるハイブリッドが形成されました。

「ブルース」という用語は、憂鬱と悲しみを意味する「ブルースデビル」を指します。この意味でのこの用語の最初の使用は、ジョージコルマンの一幕物ブルーデビル（1798）に見られます。アフリカ系アメリカ人の音楽でのこのフレーズの使用は古いかもしれませんが、ハートワンドの「ダラスブルース」が最初の著作権で保護されたブルース作曲になった1912年以来証明されています。歌詞のフレーズは、落ち込んだ気分を表すためによく使用されます。

ブルース音楽は、米国の元アフリカ人奴隷のコミュニティから生まれた精神的な音楽と賞賛から離れています。青いメモの使用とコールアンドレスポンスパターンの適用（2つの文が2人の人によって順番に話され/歌われ、その文がどちらも音楽の最初の文に対する「答え」と見なすことができ、ブルースの曲の歌詞はアフリカでの起源の証拠です。西。今日の時代には、多くのブルース愛好家が生まれました。彼らはアルバムを聴き、書き、演奏し、そして作っています。ブルース音楽は、ラグタイムのジャンルに見られるように、新しいアメリカと西洋のポピュラー音楽に大きな影響を与えました。ジャズ、「ブルースロック」、「エレクトリックブルース」、ブルーグラス、リズムアンドブルース、ロックンロール、ヒップホップ、カントリー、「レゲエ」、ロックミュージック従来型。
ジャズ
ジャズと言われる音楽は、音楽が柔らかいが、時には非常に良いメロディーのバリエーションで踏み鳴らされるので、通常中産階級に好まれます。
国
このタイプは、古い音楽を含むアメリカから来ています。
岩
このタイプの音楽は、音楽のリズムが反響し、大きく、速く、若者のアドレナリンに一致しているため、心の若い若者に非常に好まれています。
ダンドゥット音楽
このタイプの音楽は、この音楽の起源が国内生産であるため、インドネシアの人々の耳に非常によく知られています。この音楽は下層階級だけでなく、この音楽を本当に好きな多くの上流階級にも非常に好まれています。通常、友人や救いなどのコミュニティでのイベントを記念するように見えます。
Koploan Music
このタイプの音楽は、ロック音楽とのコラボレーションによるダンドゥット音楽の開発であり、この音楽をコミュニティに登場する新しいスタイルの音楽にします。
keroncong
ケロンチョンはインドネシア音楽の一種で、ファドとして知られるポルトガル音楽の一種と歴史的なつながりがあります。インドネシアのケロンチョンの歴史は、ポルトガルの勢力が群島で弱まり始めた16世紀の終わりにまでさかのぼることができます。ケロンチョンは、インド本土（ゴア）、トゥグ（スンダ-ポルトガルのパドラオが設立された場所）、マルクのポルトガル人奴隷と将校が演奏した音楽に端を発しています。この初期の形式の音楽はモレスコと呼ばれ、弦楽器が伴われます。記念碑に由来するケロンチョン音楽は、ケロンチョントゥグと呼ばれています。その開発では、フルートやいくつかのガムランコンポーネントの使用など、群島の多くの伝統的な要素が導入されました。

19世紀頃、この混合形式の音楽は、マレー半島を含め、群島の多くの場所ですでに人気がありました[1]。この黄金時代は1960年代頃まで続き、その後、音楽の波の流入により衰退しました。ポピュラー（1950年から発展したロックミュージック、1961年からビートルズ音楽などの全盛期今）。それにもかかわらず、ケロンチョン音楽は今でもインドネシアとマレーシアのさまざまなレベルの社会で演奏され、楽しんでいます。

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ミュージックアート機能

自己表現の手段としての音楽
音楽アーティストは音楽を通して自分の気持ちを表現したり表現したりするのが簡単になるので、音楽は自己表現の手段として使用できます。
娯楽手段としての音楽
音楽は演奏されると非常に面白いので、音楽は娯楽の手段にもなり得ます。
式典の手段としての音楽
インドネシアの音楽は、結婚、出生、死などの特定の儀式や、宗教や州の儀式と常に密接に関連しています。
ダンスの手段としての音楽
音楽は、ダンスに関連する場合は常に適しているため、ダンスの芸術の伴奏としても機能します。両者は似たようなパターンとリズムを持っていることで互いに関係しています一方、音楽のリズムのないダンスは、歌手にとって空っぽ（空っぽ）で難しいと感じます踊り子。
教育手段としての音楽
音楽は教育媒体としても使用でき、音楽は学校での学習過程で使用されます。音楽は、闘争の歌を通して生徒たちに故郷への愛情を生み出すために使用されます。

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ミュージカルアートの要素

メロディー
メロディーは、音楽の分野における高低および短音のレベルです。メロディーでは、音楽はピークに移動してから前の状態に戻るように見える音符のように聞こえます。
リズム
リズム（リズム）は一連の規則的な動きであり、音楽の基本的な要素です。このリズムは音のグループから形成され、さまざまな時間に短時間沈黙します。そして、リズミカルなパターンを形成し、バーの各スイングでパルスに従って移動します（Jamalus、 1998:7).
調和
ハーモニーは、音楽作品の美しさについて話し合う音楽科学の一分野です（Banoe、2003：180）。ハーモニーは、継続的に発生する音符や和音を含む部分でもあります。
動的
ダイナミックは、音楽を再生する方法の大音量と小音量のレベルです。音楽が単調またはフラットに聞こえないように、大音量と小音量が必要です。
音階
スケールは、はしごのように配置された一連の音符です。この音階は、全音階と五音階の2つに分けられます。全音階は、あらかじめ決められた音程に基づいた7つの音符で構成される音階です。ペンタトニックスケールの概念は、5つのメインノートのみで構成されるスケールです。