21の絵画学校
絵画の流れ–特徴、種類、文字、および図面の例 –このディスカッションでは、 絵画芸術 この場合、理解、特性、タイプ、図、および画像の例が含まれているため、よりよく理解して理解するには、以下の完全なレビューを参照してください。
絵画の定義
絵画は、使用価値よりも美的価値を優先する純粋な芸術の一例です。 一般的に、絵画は画家の絵または表現です。
ほとんどの画家は通常、自分たちが制作した作品に自分自身の満足を見いだします。 アーティストは自由に絵画で表現できるため、美的価値の高い作品が生み出されます。
絵画は、絵の具や鉛筆などの絵画ツールを使用して、絵画媒体（帆布、紙など）に注がれる2次元の純粋な芸術です。
線の点、平面、形、ボリューム、色、質感、照明効果を美的基準でコンセプトに、その美しさを楽しむことができる絵画を作成します。
基本的に、絵画はそれに含まれる美的価値を通して娯楽または娯楽の機能を持っています。
ペイントフローの種類
いくつかのタイプがあります： 塗装の流れ、 以下の通り：
ネオクラシック絵画学校
1789年のフランス革命の勃発は、フランスにおける封建制の終点であり、その影響は世界の他の地域でも感じられました。
この革命は、政治秩序と社会秩序の変化であるだけでなく、芸術の生活にも関係しています。 アーティストは、注文のためではなく、単に絵を描きたいという心の呼びかけに自由に従うことができます。
このようにして、個性化と自己隔離を特徴とする歴史における現代絵画の歴史が始まります。 ジャックルイダビッドは、現代のシーンで最初の画家でした。 1784年、デビッドは「ホラティウス兄弟の誓い」について説明しました。 この絵は、部屋の真ん中に立って誓いを立てている父親、ホラティウスを描いています。 彼の3人の息子は左側に集まり、娘たちはもう1人に泣きました。 正しい。
この絵は楽しむために使用されるのではなく、国家に対する彼らの責任について一般の人々の意識を教育し、浸透させるために使用されます。 J.L. デビッドは新古典主義の流れの先駆者であり、新古典主義の絵画は合理的で客観的であり、規律と秩序に満ちており、古典的です。
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新古典主義絵画の特徴
以下の通り：
- 絵画は学術的な知的規範に縛られています。
- フォームは常にバランスが取れており、調和しています。
- 色の境界はきれいで静的です。
- 顔は落ち着いていて印象的です。
- 宮殿環境の物語が含まれています。
- 誇張される傾向があります。
キャラクター ネオクラシック絵画学校
J.L.の後継者 ネオクラシックのデビッドは、JEAN AUGUAST DOMINIQUE INGRES（1780-1867）です。
ロマンチックな絵画スタイル
ロマン派運動は、ジャン・ジャック・ルソーが招待した新古典派に対する反逆でした。 自然に立ち返り、思考だけでなく感情も持つ人間として 感情。
ロマンチックな絵画は示す傾向があります：
自分の気持ちを扱うもの（新古典派の学校では強く反対）エキゾチック、 過去への憧れ観客の気持ちに使われる美しさと美貌はいつも 描かれています。
ロマンチックな絵画の特徴
ロマンティックフローの特徴は次のとおりです。
- 絵画には、力強く感情的な物語が含まれています。
- 動きとダイナミックに満ちています。
- 色は対照的でお祭りです。
- 動的な構図設定。
- 苦味と感動が含まれています。
- 素晴らしさは現実を超えています。
ロマンチックな絵画のキャラクター
文字は次のとおりです。
- ウジェーヌ・ドラクロワ
- セオドア・ジェリコー
- ジャンバプティスト
- ジャンフランソワミレー
本当に反抗的で、ロマン主義の旗を最初に植えた人物は、「RAKIT MENDUSA」と題された彼の作品で、テオドール・ジェリコー（1791-1824）でした。 ロマン主義はフランスの「ローマ」（物語）から来ているので、このジャンルは常に偉大な行為や恐ろしい悲劇についての物語を説明しています。
自然主義の絵画スタイル
自然主義は、芸術家が自然や現実の世界に合わせてすべてを表現しようとする絵画（美術）の一種であり、私たちの目を引くことに適応していることを意味します。
実物と非常によく似た、または正確に描かれる絵画のために、配置、比較、遠近法、質感、色付け、暗闇の光が可能な限り注意深く正確に行われます。
このフローでは、自然な設定に重点を置いてリアルなオブジェクトを表示しようとしています。 これは、ロマン主義の確立への反応として、19世紀のリアリズム運動のさらなる深化です。
アメリカの自然主義の芸術家の一人はウィリアムブリスベイカーでした。彼の風景画はこの運動の最高の写実主義の絵画と見なされています。
自然主義運動の重要な部分は、ダーウィニズムの生命観と人間が自然にもたらした損害です。
ストリームフィギュア 自然主義
とりわけ、自然主義の流れの図のリストは、次のとおりです。
- Soeboer Doellah
- ウィリアムブリスベイカー
- ラデンサレー
- 北斎
- アファンディ
- フレスコ壁画
- バスキ・アブドゥラ
- ウィリアムホガース
- フランの雹
写実主義絵画学校
リアリズム美術とは、特定の装飾や解釈を加えることなく、日常生活に現れるように主題を作品に提示する努力を意味します。
その意味は、悪いことを隠さなくても、真実を示すための芸術における努力を指すこともあります。 芸術における写実主義の議論は、19世紀半ばにフランスで始まった文化運動にも言及することができます。
しかし、現実主義のアイデアを使った作品は、実際には紀元前2400年に存在し、現在はインドとしてよく知られているロータル市で発見されました。
文化運動としてのリアリズム19世紀半ばに確立されたロマン主義の概念への反応として、リアリズムはフランスの文化運動として有名になりました。 この運動は通常、社会的闘争、政治改革、民主主義と密接に関連しています。
その後、1840年から1880年にかけて、写実主義がフランス、イギリス、アメリカの芸術と文学の世界を支配しました。 フランスの写実主義の支持者には、オノレ・ド・バルザックとスタンダールの名前が含まれます。 有名な写実主義の芸術家はギュスターヴクールベとジャンフランソワミレーですが。
美術におけるリアリズムリアリストアーティストは、真実らしさ（非常に生きている）の目標を達成するために、常にキャラクター、雰囲気、ジレンマ、オブジェクトの日常生活を提示しようとします。 写実主義の芸術家は、演劇、広すぎる空間に現れる主題、および当時人気があった他の古典的な形式を無視する傾向があります。
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広い意味では、芸術家が自然界の形を正確に観察して模倣しようとするときはいつでも、リアリズムが常に発生します。 たとえば、ルネッサンス時代の写真画家であるジョットは、現実主義的な作品を持つアーティストとして分類できます。 彼の作品は、それ以来、どのような試みよりも、オブジェクトの物理的な外観とボリュームをよりよく模倣しています。 ゴシック時代。
レンブラントバルビゾンスクールの作品からも、オブジェの細部まで正直に展示することができます。 自然をより綿密に観察することで、自然の発展への道が開かれました。 印象派。
イギリスでは、ラファエル前派の同胞団は、後にもたらされたラファエルの信者の理想主義を拒否しました 写実主義の芸術家の一人として知られている、写実主義へのより激しいアプローチへ ベスト。
トロンプ・ルイユ技法は、リアリズムの概念を提示するための芸術家の努力を非常に示す芸術技法です。
キャラクター リアリズム
よく知られているリアリズムの数字のリストは次のとおりです。
- カール・ブリューロフ
- フォードマドックスブラウン
- ジャン・バプティスト・シメオン・シャルダン
- カミーユコロー
- ギュスターヴ・クールベ
- オノレ・ドーミエ
- エドガー・ドガ
- トマス・エイキンズ
- ニコライ・ゲー
- アレクサンデルギエリムスキー
- ウィリアム・ハーネット
- ルイ・ル・ナン
- ドゥアールマネ
- ジャン＝フランソワミレー
印象派の絵画スタイル
印象派は運動ですアート1860年代のパリから始まる19世紀から. この名前は、もともとクロード・モネの絵画「印象、日の出」（」から引用されました。印象、 ソレイユレバント”). 批評家のルイ・ルロワは、ル・シャリヴァリの彼の記事でこの言葉を風刺として使用しました。
主な特徴 印象派の絵画 ブラシストロークの強さ、明るい色（黒を禁止している多くの印象派の画家でさえ、その一部とは見なされていないため） 光から）、オープンな構図、照明の質の重視、あまり目立たない被写体のペイント、目立たない角度 普通。
視覚芸術における印象派の影響は、音楽や文学の分野にも浸透しました。
印象派絵画の説明
印象派の芸術家は当初、感じ始めたウジェーヌ・ドラクロワの理論に触発されました 当時のアカデミックアートの発展に対する不満は、美術学校に集中しすぎていました。 古典的な絵画。 彼は、絵画は、英国が長年にわたって開発したように、線の過度の処理によって常に形成されるとは限らないと主張している。 一方、カラーフィールドを注意深く処理すると、それほど面白くない絵が作成されます。
しかし、ドラクロワ自身は、結局のところ彼の絵画は依然として理想的な形に集中しているため、アカデミーの絵画基準の影響から逃れることができなかったと見なすことができます。
その後、一部の画家は絵画の学問的規則に根本的に違反しました。 この絵は、輪郭、ボリューム、線に重点を置いて、形状の詳細に焦点を当てていません。 また、オブジェクトの形状の構造観察を残します。
一方、雰囲気は、一目で捉えた光の印象（印象）を捉えることで得られます。 その結果、自然主義や写実主義の絵画とは異なり、オブジェクトの形状が単純になります。
当初、静物画や肖像画は屋内だけでなく、風景も作られていました。 これが印象派の芸術家に、作成されたオブジェクトを直接観察することによって絵画がオープンエリアで作成された場合に得られる異なる印象があることを発見するように促したものです。
それらは、絵画に生命を与えるために、短い、壊れた、そして純粋な色のストロークを同時に使用します（パレット上で混合することを意図していないという意味で）。 絵画の強調は、特定のオブジェクトの詳細ではなく、全体的な印象に移ります。
印象派のさらなる発展は、印象派の技法自体よりも重要なのは視点の違いであるという発見でした。 印象派は、実際には、明るく多様な色で注がれる軽い印象の演劇からの動き、ポーズ、および構成の芸術です。
19世紀の終わりに、人々は印象派が明確であり、 芸術的に作品を作るための正しいアプローチではありませんが、人生に正直です。
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フランスの印象派の芸術運動のピークは、イタリアの画家マッキアイオーリや米国の画家ウィンスローホーマーなど、他の国々とほぼ同時に発生しました。
印象派は、ポスト印象派、フォーヴィスム、キュービズムなどの他の現代美術学校の発展のパイオニアになりました。
印象派絵画の特徴
以下の通り：
- スケッチのようなスタイルの短くて太いブラシストローク。画家が細部ではなく被写体の本質を捉えやすくします。
- 色は、使用する塗料顔料の混合を最小限に抑えて得られます。 色は網膜によって光学的に混合されることが期待されます。
- 影は補色を混ぜ合わせて作成されます（黒は影として使用されません）。
- 塗料を乾燥させて次の色で上書きすることはできません。
- 塗料の透明性の処理は回避されます。
- 物体からの光の反射の性質を可能な限り詳細に調査し、絵画に適用します。
- 屋外での作業（戸外制作）
実際、この特徴は他の学校にもほとんど見られますが、意図的に全体としてこの特徴を持っているのは印象派だけです。
ロマン主義の絵画スタイル
ロマン主義は、幻想的で、不合理で、美しいものを見せようとする芸術のスタイルです。
このジャンルは、ひどい悲劇についてのロマンチックな物語、通常ロマンスの物語で取り上げられる劇的な出来事を描いています。
オブジェクトの描写は現実よりも少なく、色はより活気があり、動きはより機敏で、男性はより男らしいです。
ロマンチックな流れの特徴
ロマンティックフローの特徴は次のとおりです。
- 絵画には、力強く感情的な物語が含まれています。
- 動きとダイナミックに満ちています。
- 色は対照的でお祭りです。
- 動的な構図設定。
- 苦味と感動が含まれています。
- 素晴らしさは現実を超えています。
表現主義の絵画スタイル
表現主義は、自由な内なる溢れを優先する学校です。 内なる世界、想像力、感情から生じるオブジェクトを自由に探索できます。
描かれているオブジェクトには、ホラー、暴力、貧困、悲しみ、および人間の行動の背後にあるその他の欲求が含まれます。
表現主義の先駆者：ヴィンセント・ヴァン・ゴッホ、ポール・ガウギウイン、アーナスト・ルートヴィヒ、カール・シュミット、エミール・ノルデ、JJ。 カンディンスキーとパウルクレー。 インドネシアでは、これらの支持者は、アファンディ、ザイニ、ポポイスカンダルです。
キュビスム絵画学校
キュービズム ピカソとブラックによって開拓された20世紀初頭の現代美術運動です。 キュービズムに共通する基本原則は、カット、歪み、オーバーラップ、単純化、透明性、変形、配置、およびさまざまな外観によってオブジェクトの形状を記述することです。
この動きは、幾何学的な形（三角形、三角形、 正方形、円錐、立方体、円など）キュビズムの芸術家は、新聞、ポスターの写真、 等
非模倣的なスタイルの創始者としてのキュービズムは、ピカソとブラックが形を探求し、影響を与えた後に現れました リベリアの彫刻、エジプトのレリーフ、部族のマスクなどの原始芸術 アフリカ。
ポール・セザンヌの絵画、特に静物や風景の影響もあり、ルネサンスの視点を壊すことで新しい幾何学的形状を導入しています。 それは新しい流れを滴らせているそれらの両方に刻印します。
「キャベツ」という用語自体は、いくつかの批評家の観察のおかげで生まれました。 サロン・デ・インディペンデントでブラックの作品を見た後のルイ・ヴォクセル（フランスの評論家）は、次のようにコメントしています。 ブラックの仕事はすべてを小さな立方体に縮小する 小さい）。
ジル・ブラスは、ブラックの絵画を奇妙な立方体（魔法の立方体）と呼んでいます。 一方、アンリ・マティスはそれをプチキューブ（小さなキューブ）の配置と呼びました。 したがって、キュービズムという用語は、そのような作品の流れを特徴づけるために使用されます。
初期の開発
開発の初期段階で、キュービズムは分析段階を経て、それは合成段階で続けられました。 1908年から1909年にかけて、キュービズムはすぐにパターンがより複雑になり、1910年から1912年にかけてより体系的になりました。 この初期段階は、絵画の対象を分析する必要があるため、分析的キュビスムと呼ばれることがよくあります。 絵画のすべての要素は、ファセットまたは立方体の形に分解する必要があります。
絵の対象が正面から正確に描かれているように見え、残りの半分が背面または側面から見られている場合があります。 人間の顔や動物の頭は、一見、正面から見るべき目で横から見たように露出しています。
分析的キュビスムのこの段階では、古い視点のパターンが放棄されたため、アーティストは実際に絵画の4次元、つまり空間と時間を表明しました。
分析期間中、ブラックとピカソの両方はまだ限られた創造性に縛られていましたが、総合的キュビスムの段階では異なっていました。
カブは、ストロークの3つの主要な色に固執しなくなりました。 彼らの作品のテーマもより多様です。 次の革新的なレベルに移動するために彼のトレードマークの視点を離れる勇気を持って。
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カブスの作品のさらなる発展は、現実に注意を向けることでした。 紙コレ新聞から取った単語や文章の切り抜きを挿入し、それらをキャンバスに貼り付けて幾何学的な構図を形成します。 このような貼り付け実験は、一般的にコラージュ技法と呼ばれます。
キャラクター キュビスム絵画学校
とりわけ、キュビズムの画家のリストは次のとおりです。
- ポール・セザンヌ
- パブロ・ピカソ
- ジョルジュ・ブラック
- メッツィンガー
- アルバートグラゼス
- しかし、Mochtar
- モクターアピン
- 夜明け
- アンドレ・ドラン
絵画のフォーヴィスム様式
フォーヴィスム現代美術の時代が始まる前はかなり短命だった絵画のジャンルです。 フォーヴィスムという名前は、ルイ・ヴォークセルが風刺した「フォーヴィスム」（野生動物）に由来しています。 ジルブラスサプリメントの1905年10月17日号の彼の記事でサロンドートンヌ展についてコメントし、 ページ2。
この流れの人気は、パリのルアーブルからボルドーまで始まります。 概念的な成熟は1906年に達した。
フォーヴィスムは、描かれている雰囲気を捉える表現を大切にする学校です。 印象派の作品とは異なり、フォーヴィスムの画家は色の調和は漂流していないと主張しています 自然の現実とともに、それはアーティストの自然との個人的な関係を示します それ。
フォーヴィスムの基本的な概念は、ポール・ゴーギャンのポール・セリュジエへのコメントから、1888年に初めて追跡することができます。
“これらの木はどのように見えますか？ 彼らは黄色です。 だから、黄色に入れてください。 この影は、かなり青いので、純粋な群青でペイントします。 これらの赤い葉？ 朱色を入れる.”
「それらの木をどのように解釈しますか？ 黄色なので、黄色を追加します。 すると影が少し青く見えるので、群青を追加します。 赤みがかった葉？ 朱色を加えるだけです。」
自然主義の絵画で起こるように、客観的で現実的な観察に関連するすべては、感情的で想像力豊かな理解に置き換えられます。 その結果、空間の色とコンセプトは詩的な感じになります。
使用されている色は明らかにフィールドの色に調整されていませんが、画家の個人的な希望に従ってください。
フォーヴィスムでの線の使用は単純化されているため、絵画の鑑賞者は明確で強い線の存在を検出できます。 その結果、オブジェクトの形状は、多くの詳細を考慮する必要なしに簡単に認識できます。
フォーヴィスムの画家たちは、次のような科学の客観性によって長い間助けられてきた絵画の確立に対する反逆を呼びかけました。 彼らが反対していた前の画家の知識がまだ基礎として使用されていたにもかかわらず、印象派の学校で何が起こったのか ペイント。 これは、1904年から1907年の期間にこのジャンルが人気を博した初期の頃に特に当てはまりました。
この学校の初期の影響は、ポールセザンヌ、ギュスターヴモロー、ポールゴーギャン、フィンセントファンゴッホの先駆的な作品から来た可能性があります。
画家はフォーヴィスム運動に関与せず、とは異なる時代でしたが この学校の始まりですが、彼の作品は後になる若い画家のための参照になりました フォーヴィスムの画家。
短命でしたが、フォーヴィスムの流れは現代美術の概念における次のマイルストーンになりました。
フォーヴィスム絵画フロー図
とりわけ、フォーヴィスムの画家のリストは次のとおりです。
- アンリ・マティス
- アンドレ・ドラン
- ジョルジュ・ブラック
- アルベールマルケ
- アンリ・マンガン
- シャルル・カモイン
- アンリ・イヴェネポール
- ジャン・ピュイ
- モーリス・ド・ヴラミンク
- ラウル・デュフィ
- オトン・フリエス
- ジョルジュ・ルーア
ダダイスム絵画学校
ダダイスムは第一次世界大戦の勃発のために生まれました。 彼の性格は反芸術、反感情であり、無礼と暴力を反映する傾向があると言われています。
モナリザの絵をコピーして口ひげを生やしたり、小便器にタイトルを付けて展示したりするなど、彼の作品は奇妙です。 木材や中古品のスクラップなどのコラージュ手法も使用されます。
キャラクター ダダイスム絵画学校
このジャンルのキャラクター：フアン・グロス、マックス・エルンスト、ハンス・アルプ、マルセル・デュシャン、ピカビア。
未来派の絵画スタイル
未来派は1909年に生まれた風俗画です。 この流れは動きの美しさを伝え、構成、線、色彩が静的であると考えられているキュービズムの流れのブレーカーと見なされています。
未来派は動きに専念しているので、絵画では犬は4本以上の足で描かれています。
キャラクター 未来派の絵画スタイル
このジャンルのキャラクター：ウンベルト、ボッチョーニ、カルロカッラ、セヴェリーニ、ジョッコモバラード、ルイジルサロ。
シュルレアリスム絵画スタイル
シュルレアリスムはもともと、アポリネールが彼のドラマと呼ぶために見つけた文学の動きでした。 1024年に、AndreBiztonが絵画のパターンを参照するために使用しました。
彼の創造性において、シュールレアリストのスタイルは意識の制御から自分自身を解放しようとし、自由を望んでいます そうすると、現実的であるが、それでも奇妙な関係にある傾向があります。
キャラクター シュルレアリスム絵画スタイル
シュルレアリスムの先駆者：ジョアンミロ、サルバドールダリ、アンドレマッソン。 インドネシアでは、次のように呼ぶことができます。 SudiardjoとAmangRahman。
抽象絵画のスタイル
絵画における抽象芸術とは、内なる世界からやってくる物をとろうとする芸術です。 オブジェクトは、ファンタジー、想像力、そしておそらくアーティストの直感である可能性があります。 それは内側から来るからです。 抽象芸術は、2つの主要なカテゴリに分けられます。
a。 抽象表現主義
アブストラクトアメリカには2つの傾向があります。
- カラーフィールドペインティングは、広いフィールドと明るい色を表示する絵画です。
キャラクター
パイオニア：マーク・ロスコ、クリフォード・ストール、アドルフ・ゴットリーブ、ロバート・モンターウェル、ボーネット・ニューマン。
- アクションペインティング、つまり重要な形に関係のない絵画は、それを描くアクションまたは方法です。 登場人物は、ジャクソン・ポラック、ウィレム・デ・コーニング、フランズ・クライナーです。 トワルコフの妹。
フランスでは、抽象表現主義の後に：Hが続きます。 ハルツームジェラルドシュナイダー、G。 マシューとピエール・スロゲス。 その後、Technismという名前を開拓しました：WolsAechinskyとAsgerYorn。
b。 幾何学的抽象
抽象幾何学は、非客観的芸術とも呼ばれます。 カンディンスキーによって開拓されました。 その後、他の幾何学的な要約が次のような異なる名前で登場しました。
- カジミール・マレーヴィチのキャラクターでミイラの幾何学的形態の抽象化を描いた絵画であるシュプレマティスム。
構成主義、ワイヤー、鉄、木、プラスチックなどの現代的な素材を使用して抽象的な形を表示しようとする3次元のアートスタイル。
キャラクター
キャラクター：ウラジーミル・タトリン、アントニック・ペブナー、ナウム・ガボ、A。 ロデヘンコ。 アレクサンダー・カルダーは、彼の彫刻が動くことができるので、アメリカではモビリズムと呼ばれています。動くことができる彫刻は、キネティック・スカルプチャーと呼ばれています。 ミニマルアートも構成主義グループに含まれています。 この芸術は高度な産業技術の状況のために生まれました、そして彼の仕事は貴族的である傾向があります。
- 正確な科学の普遍性を示す抽象芸術スタイルである新造形主義（デ・ステイル）。 この学校は、色を基本的な色と角のある形に戻そうとしています。そのキャラクターは、ピエトモンダリアン、テオヴァンデースブルク、バートヴァンレックです。
- 網膜アートとしても知られるオプアート（オプティカルアート）は、チェス盤のように、きちんと繰り返される幾何学的な配置で描かれた絵画スタイルです。 鮮やかな色彩で注目を集め、空間の錯覚で目を欺く作品のようです。 このパターンのキャラクター：Victor Vaserelly、Bridget Riley、Yacov Gipstein、TodasukeKawayama。
絵画工芸運動アリラン
アーツアンドクラフツ運動は、19世紀後半から20世紀初頭にかけて行われたイギリス、カナダ、アメリカの美的運動でした。 ジョン・ラスキンの著作と、1880年から1910年頃に彼らの工芸品に誇りを持った職人のロマンチックな理想化に触発されました。
このアーツアンドクラフツ運動は、建築、装飾芸術、工芸品、そしてウィリアムロビンソンまたはガートルードジェクヴルによる「コテージ」ガーデンデザインに影響を与える改革運動です。 有名な名前のいくつかは、ウィリアムモリス、チャールズロバートアシュビー、Tです。 J。 コブデン・サンダーソン、エルバート・ハバード、ウォルター・クレイン、ネルソン・ドーソン、フィービー・アンナ・トラクワイア、ハーバート・チューダー・バックランド、チャールズ・レニー・マッキントッシュ、クリストファー・ドレッサー、エドウィン Lutyens、William De Morgan、Ernest Gimson、William Lethaby、Edward Schroeder Prior、Frank Lloyd Wright、Gustav Stickley、Greene＆Greene、Charles Voysey、Christopher 壁。
アーツアンドクラフツ運動は、19世紀の美的スタイルとして、そしてビクトリア朝時代からの歴史的なスタイルの復活と産業革命の機械への反応として始まりました。
機械が問題の根源であると考えられており、この運動の創始者と支持者の一部は使用から変化し始めました 機械は手工芸品になり、手作業で工業製品に集中する傾向がありますが、結果は 満足です。
これまで、アーツアンドクラフツ運動が産業に大きな影響を与えたとき、それは実際には産業運動ではなく、反近代的でもありませんでした。
ヨーロッパの一部のグループは、まだ機械が必要であると信じていますが、多くの生産と同じことを必要とする何かをするためにのみ使用されていました。
同時に、工芸運動の指導者たちは、物も必要だと感じました。 20世紀に先駆けて、生産品質とデザインの対立、およびその2つを組み合わせようとする試みが議論の中心となりました。
フィリップ・ウェッブがモリスのためにロンドンのベクスリーヒースにあるレッドハウス（1859年）は、この時期の初期の作品の例です。 これは、石やタイルなどの珍しい素材を使って、非対称の建物構成で表面のテクスチャを表現する試みです。
1890年代後半、ボストンの建築家、デザイナー、アドバイザーのグループが、新しい形のデザインを生み出すことを決定しました。 ウィリアン・モリスがイギリスでアメリカに作った彼らは、オブジェクトの展示会を企画するよう招待します クラフト。 職人、消費者、生産者がこの芸術の可能性と美しさに気づいたとき、ボストンでの再設計プロセスが始まりました。
アメリカで最初の美術工芸展が1897年4月5日にコプリーホールで開催され、160人の職人によって作られた1000以上のオブジェが展示され、その半分は女性でした。 この展示会の支持者の中には、ハーバードアーキテクチャの創設者であるラングフォードウォーレン夫人がいます。 リチャードモリスハント。 グラフィックデザイナーのArthurAstor Carey、Edwin Mead、WillBradley。
アーツアンドクラフツ運動の影響は世界中に広がっています。
ヨーロッパでは、アーツアンドクラフツ運動の質とシンプルさ、そしてその素材の使用がデザイナーを刺激します アンリ・ヴァン・デ・ベルデや、アールヌーボー、オランダのデ・ステイル、ウィーン分離派などの他の芸術運動、 バウハウス。 この運動は近代化と考えることができ、純粋な形と歴史的関連の断片が再び産業に適用されます。
米国では、アーツアンドクラフツ運動はブルジョアジーの好みにより明白でした。 ヨーロッパの運動が産業によって粉砕された工芸の世界を再現しようとしたとき、 アメリカは、教室のように、工芸品の生産に代わる新しいリソースを確立しようとしています 中。 要するに、アメリカのアーツアンドクラフツ運動は政治運動の反対でした。
アールヌーボー絵画学校
アールヌーボーは、デザイン、建築、応用美術、特に装飾芸術の国際的な運動とスタイルであり、20世紀の変わり目に最高潮に達しました。 アールヌーボーという名前はフランス語に由来します。これは新しい芸術を意味し、ドイツ語で「若者のスタイル」を意味するJugendstilとも呼ばれます。 19世紀のアカデミックアートの反応は、有機的なオブジェクト、特に花や植物のモチーフの特徴を持ち、直線的な曲線を伴って印象的に美しいです。
当初、アールヌーボーとユーゲントシュティールはスタイル名ではなく、これらのスタイルはいくつかの場所に広がるいくつかの異なるラベルから採用されました。 2つの名前は、パリのSiegfried Bing L'ArtNouveauギャラリーとミュンヘンのJugendMagazineに由来しています。
アールヌーボーの頂点は、15年間ヨーロッパ中で感じられました。 登場人物はエクトール・ギマールです。 ユゲントなどのヴィクトールオルタマガジンはドイツでそれを広めるのを助けました、ウィーン分離派はオーストリアとハンガリーの芸術に影響を与えました。
アールヌーボーは、グスタフクリムト、チャールズレニーマッキントッシュ、アルフォンスミュシャ、ルネなどの個人にも影響を与えました ラリック、アントニガウディ、ルイスコンフォートティファニー。それぞれ異なる働き方をしています。
アールヌーボーは20世紀の到来と現代のスタイルでその名声を失いましたが、アールヌーボーは現在、新古典主義の歴史と近代化の間のリンクとして明確に見られています。 さらに、アールヌーボー様式の記念碑は現在、ユネスコによって歴史的建造物の1つとして認識されています。
1896年にドイツで発行されたJugend誌の表紙、Arthur Mackmurdo（1833）によるWren's City Churchsの表紙、本の表紙 アーサー・マックムンドのレンズ・シティ・チャーチは、リズミカルな植物のパターンで、芸術の初期の実現と見なされることがよくあります。 ヌーボー。 同時に、日本の彫刻、特に葛飾北斎の彫刻のフラットな遠近法と強い色は、アールヌーボーに影響を与えます。
アールヌーボーはその拡散した局在化で明白になる傾向がありますが、その特徴のいくつかはその形で示されています。 Kermann Obrist（1894）が出版したPan誌によるシクラメンの説明は、アールヌーボーの普及中に有名になりました。
むち打ち症がより有名になっただけでなく、「むち打ち症」という用語は、当時の芸術家によって作成された曲線への適用となりました。 ダイナミックで目立たないラインから形成され、リズムが漂うむち打ち症の装飾は、建築、絵画、彫刻、その他のアールヌーボーデザインの至る所に見られます。
アールヌーボーはトータルアートと見なされており、大規模なデザインを含むスタイルであり、 建築、インテリアデザイン、装飾芸術（ジュエリー、家具、テキスタイル、銀製品など） 視覚芸術。
アールヌーボーの発展は、1900年にパリで開催された万国博覧会がさまざまな媒体でモダンなスタイルを表現したことで感じられました。 これは、Esposizione Internazionale d'Arte DecorativaModernaとしてよく知られています。 1902年、イタリアのトリノで、アールヌーボーが開催されたヨーロッパのすべての国でデザイナーが展示しました。 練習した。
アールデコ様式の絵画
アールデコは1925年から1939年にかけて人気のあった国際的なアートデザイン運動であり、装飾芸術に影響を与えました。 建築、インテリアデザイン、産業などのほか、ファッション、絵画、版画、アートなどの視覚芸術 映画。 当時のテーマは、エレガントで華やかで機能的でモダンでした。
この運動は、新古典主義、建設主義、キュービズム、モダニズム、アールヌーボー、未来派など、20世紀初頭のいくつかのスタイルと運動の混合物です。 その人気は狂騒の20年代にヨーロッパでピークに達し、1930年代まで米国で強く続いた。 多くのデザイン運動には政治的なルーツと哲学がありますが、アールデコは純粋に装飾的なものです。
アールデコは30代後半から40代前半に衰退し、すぐに一般の人々に忘れられました。 アールデコは1980年代にグラフィックデザインの人気で別のルネッサンスを経験しました。 アールデコは、メンフィスやポップアートなどのその後の多くの芸術運動に影響を与えました。
アールデコデザインの影響は、キュービズムや装飾未来派などの形で表現されています。 他の人気のあるテーマは、初期の作品で見ることができる台形、ジグザグ、幾何学的、および混合形状です。 このスタイルとテーマの例は、ミシガン州デトロイトのフィッシャービルとガーディアンビルにあります。
アールデコは、アルミ、ステンレス、ニス、木などの素材を使用した特徴があります。 サメやシマウマの皮などのエキゾチックな素材も見られます。 アールヌーボーの特徴である曲がりくねった形とは異なり、大胆な形や曲線の線、シェブロンパターン、太陽のようなモチーフの使用は、アールデコのタイプです。
アールデコの特別なスタイルは、その衰退以来、その種の他のいくつかの運動に影響を与えました。 アールデコは、メンフィスやポップアートなどの後のスタイルに影響を与えました。 アールデコは、1970年代にポストモダン建築とスタイルにも影響を与えました。 アールデコも現代美術に影響を与えたようです。
デステイル絵画学校
デ・ステイル（スタイルの後; 新造形主義として知られる「TheStyle」のオランダ語は1917年の運動であり、デ・ステイルの時代はそのジャーナルの名前でもあります。 オランダの画家、デザイナー、作家、評論家のテオ・ファン・ドゥースブルグ（1883-1931）によって出版されたこのグループのメンバーは、ピエト・モンドリアン（1872-1944）でした。 VilmosHuszàr（1884-1960）、Bart van der Leck（1876-1958）、建築家のGerrit Rietveld（1888-1964）、Robert van't Hoff（1887-1979）、J.J.P。 ウード (1890-1963). 新造形主義–新しい造形芸術（またはオランダ語でNieuwe Beelding）。
デ・ステイルという名前は、ゴットフリート・センパーのデン・テクニッシェンとテクトニッシェン・クンステンのデア・スティルに由来しています。 oder Practical Aesthetics（1861-3）、円は唯物論の間違った印象を与え、 機能主義。
一般的に、デ・ステイルは、直線の垂直線と水平線、および正方形の形状のみを使用して、建築と絵画のシンプルさと抽象化を示しています。 さらに、基本色である赤、青、黄色、および黒、白、灰色に限定されます。
彼らは反対の使用と対称性とバランスを避けます、動きの要素は デ・ステイルの別の意味：「投稿、わき柱、またはサポート」、これはを使用する多くの作品で見ることができます 木材。
3次元の作業では、垂直線と水平線が交差しないレイヤーに配置され、他の要素を邪魔することなく各要素を表示したままにします。 このようなものは、リートフェルトシュレーダー邸と赤と青の椅子にあります。
デ・ステイルの動きは、神秘主義や理想的な幾何学的形態の新プラトン主義のアイデアなどのキュビズムの絵画の影響を受けました。 デ・ステイルの作品は、バウハウスや国際的なスタイル、そして衣類やインテリアデザインなどの国際的な建築スタイルに影響を与えました。
しかし、それは一般的な「主義」（キュービズム、未来派、シュルレアリスム）のデザイン学校に従わず、バウハウスのような美術学校の原則にも従いません。
音楽では、デ・ステイルはモンドリアンの親友であるヤコブ・ファン・ドムセリアーの作品に影響を与えました。 1913年から1916年の間に、彼はモンドリアンの絵画に触発されたProeven van Stijlkunst（芸術的なスタイルの実験）を作曲しました。
デ・ステイルのメンバーの作品は世界中に広がっていますが、デ・ステイルの展示会はよく組織されています。 デステイルのコレクションの多くがある美術館には、モンドリアンの作品の多くが展示されているハーグのGemeentemuseum）や、リートフェルトとヴァンドゥースブルクの作品が多数展示されているアムステルダム市立美術館があります。
ユトレヒト中央美術館には、リートフェルト最大のコレクションがあり、リートフェルトシュレーダー邸、リートフェルトに隣接する「ショーハウス」、リートフェルトシュレーダーアーカイブがあります。
構成主義絵画学校
建設芸術という用語は、実際には、1917年にアレクサンドルロチェンコの作品を説明するための嘲笑としてカジミールマレシフによって最初に使用されました。 構成主義は、1920年代にナウムガボのリアリスト宣言で肯定的な用語として最初に登場しました。
第一次世界大戦中の構成主義は、ロシア未来派の間、特に1915年に開催されたウラジーミルタトリンの「コーナーカウンターレリーフ」から成長しました。
この用語自体は、作品を開発した彫刻家アントワーヌペブスナーとナウムガボによって造られました 抽象的で幾何学的なものがカジミールのシュプレマティスムに属する場合、産業的で堅固 マレーヴィチ。
この新しい運動の教育基盤は、政府の教育文化省である啓蒙委員会（NARKOMPROS）によって発行されました。 アナトリー・ヴァシリエヴィッチ・ルナチャルスキー率いるボルシェビキは、ペトログラード美術アカデミーとモスクワ絵画・彫刻・建築学校を破りました。 1918年。
ロシア内戦中に未来派によって開設されたIZOナルコンプロス（啓蒙主義美術局長）事務局は、ジャーナルArt of theCommuneを発行しています。 モスクワでの構成主義の焦点は、1919年に設立された芸術とデザインの学校であるVKhUTEMASです。
ガボは後に、学校での教育は芸術を作ることよりも政治的およびイデオロギー的な問題に焦点を合わせていることを理解しました。 さらに、ガボ自身が1920年に無線送信を設計しました（そして1930年にソビエト宮殿のコンテストに設計を提出しました）。
理論と実践としての構成主義は、1920年から1922年にかけてモスクワのINKhUK（芸術文化研究所）で行われた一連の議論からその用語が派生しています。 最初のリーダーであるワシリー・カンディンスキーを「神秘主義」から解任した後、構成主義者の最初のグループ（ルイボフ・ポポワ、アレクサンドル・ベスニン、ロチェンコ、バーバラ・ステパーノヴァ、理論家アレクセイ・ガン、 BorisArvatovとOsipBrik）は、請求書の組み合わせとしての構成主義の定義に到達しました。つまり、オブジェクトとテクトニクスの特定の材料特性、および空間と場所の意識です。
当初、構成主義者は、業界への参加の最初のステップとして、建設の3つの側面で働いていました。 OBMOKhU（Society of Young Artists）展では、ロチェンコ、ステパノヴァ、カールイオガンソン、ステンバーグ兄弟による3次元の作品が展示されています。 将来的には、本の表紙、モンタージュ付きのポスター、ファクトグラフィー技術などの重要な概念である一次元デザインに定義が拡大されました。
ウラジーミル・タトリン（1885-1953）は、IZOナルコムプロス（啓蒙主義美術局長）のモスクワ支部長でした。 彼が完成した彼の有名な作品「第三インターナショナル記念塔のモデル」の計画を立てるずっと前に 1920. 比喩的なモニュメントの抽象的な代替手段として。
視覚芸術では、このスタイルは、応用芸術（得られる）のときに「構成主義」と呼ばれます 建築家サリバンの有用なフレーズから、「形態は機能に従う」）それは「」と呼ばれます 機能主義」。
「自然界のすべてのものは形を持っています。つまり、形、外見はそれらが何であるかを教えてくれ、それらを区別します。 私たち自身からそしてお互いから…それは有機的および無機的なすべてのもの、超人的なすべてのもの、すべての真実の普及した法則です 頭、心、魂の現れ、人生はその表現で認識可能であり、その形はこれまでに続く 関数。 これが法律です。」 （ローランド1973：40）。
構成主義は、抽象的、機能的、そして有用な価値観の理想主義に基づいています。 使いやすさの値が最も支配的な値です。 構成主義は、芸術が有用であり、より広いコミュニティに社会化するのが簡単でなければならないことを前提としています。 上流階級（ブルジョアジー）と下層階級（プロレタリアート）の芸術に違いがないこと。
タトリンが先駆者であった構成主義運動の先駆的な芸術家たちは、 アートと復興を統合する手段としての大量生産のための実用的なデザイン 公衆。
衣料品、テキスタイル、家具、建築の共産主義のデザインで、都市全体に均等に分散されている構成主義者は、創造物を探しています ソビエト社会の習慣を変えるための、または彼らがそれを「組織化するピシェ」と呼ぶように、完全な美的デザインの マッシー」。
コンストラクトビストは、人類の認知的、物質的活動、および全体的な精神的側面を網羅することを目的として、芸術的な見方をしています。 アーティストは、視聴者を伝統から引き離し、作品の積極的な愛好家にすることができる作品を作成しようとします。
したがって、構成主義者は、幾何学的形状に基づいて新しい「視覚辞書」を作成しました。これは、誰にでも話すことができると信じていました。 彼らはこの「視覚辞書」を絵画、家具、ファッションデザイン、建築などの形で適用します。
構成主義は、当時のテクノロジーやライフスタイルの変化への対応です。 構成主義は理想主義運動の始まりです。 これは、社会的および経済的問題に言及する芸術と建築の新しいメッセージを作成することを目的とした芸術スタイルの変化につながりました。
構成主義スタイルは、三角形、長方形、円、長方形など、多くの基本的な形状を使用します。 よく使われる素材は、木材、セルロイド、ナイロン、プレキシガラス、ボール紙、スズ、ワイヤーです。
バウハウス学校で教えた構成主義者の何人かは、VKhUTEMAS教授法が採用され、そこで開発されました。 ガボは1930年代と1940年代にイギリスで構成主義のバージョンを発行し、それが採用されました 建築家、デザイナー、第二次世界大戦後のヴィクター・パスモアやジョン・マックなどの芸術家による ヘイル。
構成主義運動をヨーロッパとラテンアメリカに広める手段を提供したホアキン・トレス・ガルシアとマニュエル・レンドン。 構成主義運動は、カルロスメリダ、カルロスメリダなどの現代ラテンアメリカの巨匠に大きな影響を与えました。 エンリケ・タバラ、アニバル・ビジャシス、テオ・コンスタンテ、オズワルド・ヴィテリ、ルイス・モリナーリ、エスチュアルド・マルドナド、カルロス・カタッセ、オスカー ニーマイヤー。
建築家ザハハディッド、レムコールハースなどによる脱構築主義建築は、20世紀後半から21世紀初頭にかけて構成主義を仕事の出発点にしました。
Zaha Hadidは、抽象的な三角形や正方形の形をしたスケッチやドローイングで、構成主義の美的側面を生み出しています。 正式にはほとんど同じですが、ロシア構成主義の社会主義的政治的含意は、ハディッドの脱構築主義学校を強調しています。
未来派の絵画アート
未来派は、20世紀初頭にイタリアで始まった芸術運動です。 これはイタリアで広く見られる現象であり、当時はロシアやイギリスなどでも動きがありました。 イタリアの作家フィリッポ・トンマソ・マリネッティは、その創設者であり、最も影響力のある人物です。
彼は1909年2月20日にフランスの新聞ルフィガロに掲載された未来派宣言で運動を開始しました。 そこでマリネッティは、何か新しいもの、特に政治と伝統を受け入れたいという願望を表明しました。
「私たちは過去の一部を望んでいません」と彼は書いています、「私たちは若くて強い未来主義者です！」 未来派は賞賛し、スピード、 テクノロジー、若さ、そして偉大さ、車、飛行機、工業都市、そして上記のテクノロジーの人間帝国を説明するすべてのもの ナチュラル。
未来派は、絵画、彫刻、陶芸、グラフィックデザイン、工業デザイン、劇場、映画、ファッション、テキスタイル、文学、音楽、建築、美食など、あらゆる芸術媒体を訓練しています。
マリネッティの力はすぐに、視覚芸術で彼らのアイデアを伝えたいと思っていた、ミラノの画家ウンベルト・ボッチョーニ、カルロ・カッラ、ルイージ・ルッソロに影響を与えました。 （rusolloは作曲家であり、彼の作曲家で未来派のアイデアを紹介しました_画家Giacomo バラとジーノセヴェリーニは1910年にマリネッティと出会い、未来派のマニフェストを作成しました 画家。
未来派の画家は、特定のスタイルの開発に非常に時間がかかりました。 1910年と1911年に、彼らはジョヴァンニ・セガンティーニらによって作成された、芸術家の点と線の一部に当たる光と色の分割主義の技法を使用しました。
その後、パリに住んでいたセヴェリーニはキュービズムを採用し始めました。 キュービズムは、彼らが絵画のエネルギーを分析し、ダイナミズムを表現するのに役立ちました。 キュビスムの採用は未来の絵画のスタイルを決定し、ボッチョーニとセヴェリーニは色と分裂の短い線を覆い続けました。
しかし、未来派の画家は、ピカソ、ブラック、グリスなど、主題とキュービズムを採用する方法が異なっていました。
1912年と1913年に、ボッチョーニは彫刻に目を向け、それを彼の立体的な芸術作品に翻訳しました。 空間における連続性のユニークな形（1913）で、彼はオブジェクトの形とその環境の間で実現しました。これは理論です。 「ダイナミズム」の根幹/この像は、ブロンズを使用して作られた、テートに展示されたステッピングフィギュアを描いています。 ギャラリー。
彼は、人間のダイナミズムの統合（1912）、スピード違反の筋肉（1913）、スピード違反の筋肉のスパイラル拡張（1913）のさらなるテーマを探求しました。
彼の彫刻のアイデアは、未来派彫刻の技術マニフェストに掲載されました。1915年、バラも芸術に転向しました。 さまざまな素材を使用した新しい再構成を作成することで彫刻を作成します。 音。
彼は、約20枚の絵を描いた後、速度について学び、「カンカの飛行機はそうではない」ことを理解したと述べました。 ボリューム、スピード、深さを表現できるので、鉄線、布、紙で複雑なダイナミクスを作成する必要があると感じています 組織。
アントニオサンテリアは、20世紀で最も影響力のある建築家でした。 彼の近代化のアイデアは、「LaCittàNuova」（「The New City」）（1912-1914）のスケッチで表現されました。
Cubo-Futurismは、キュービズムの影響を受け、1913年に開発されたロシアの未来派の学校です。
前任者と同様に、ロシアの未来派–ヴェリミール・クレブニコフ、アレクセイ・クルチョニク、ウラジーミル・マヤコフスキー、ダヴィド・ブルリューク–は、ダイナミズム、スピード、都会のライフスタイルに夢中になっています。 彼らは論争を求め、社会に古い芸術を残させようとします。
この運動は1917年の革命後に無駄になりました。 そのメンバーの多くは移住しました。 マヤコビッチやマレーヴィチなどの芸術家は、1920年にソビエトとアギトプロップのメンバーになりました。 フレブニコフは彼らの信念のために罰せられました。 未来主義の音楽は伝統を拒絶し、20世紀の作曲家によって導入された実験音楽を紹介します。
Francesco Balilla Pratellaは、1910年に未来派運動に参加し、未来派ミュージシャンの宣言について書いています。 彼はマリネッティのような若者を招待します 彼は配達した。 イタリア音楽はオペラが支配的です。 未来派は、音楽の芸術における20世紀のいくつかの運動の1つです。
未来派は、アールデコ、ヴォーティシズム、構成主義、シュルレアリスム、ダダなど、20世紀の多くの運動に影響を与えました。 未来派は1944年にマリネッティをリーダーとして亡くなり、その後、未来を描いたフィクション作品に引き継がれました。
未来派の考えはまだ西洋文化に残っています。 若さ、スピード、パワー、テクノロジーは、現代の映画と文化で表現されています。 マンガ/アニメのように、いくつかの西洋映画はマリネッティの言葉に影響されています。 未来派は、サイバーパンク、インターネットの出現など、いくつかの反応を生み出しました。
バウハウス絵画学校
これは、1919年にヴァルターグロピウスによって設立された建築様式（スタイル）です。 インターナショナル・スタイルのパイオニアであり、「形態は機能に従う」という概念を導入しました。つまり、建物の形態は建物に存在する機能に従います。 バウハウスは世界の建築に大きな影響を与えました。
ドイツのバウハウス機関の歴史
バウハウスは、20世紀初頭のヨーロッパ本土の産業革命の結果として生まれた芸術と建築の発展の象徴です。 バウハウスは芸術と産業の間の平和のイデオロギーを持つ学校です。 バウハウスの誕生に先立って、1907年10月9日にドイツのミュンヘンでドイツ工作連盟が結成されました。
彼らは、ドイツのデザイン製品の品質を向上させるための解決策を見つけたいと考えていました。 ヨーロッパ本土で開発された保守的なデザインイディオムから脱却するための取り組み ドイツは何世紀にもわたって、ドイツ工作連盟はモダニズムのパイオニアとして知られています。 建築。 その後、ヘンリーラッセルヒッチコックとフィリップジョンソンは、1932年にニューヨーク近代美術館で開催された近代建築展で、ドイツ工作連盟をインターナショナルスタイルとして普及させました。
イデオロギーの違いにより、1914年にドイツ工作連盟は2つに分裂し、ピーターが率いるTypisierungグループになりました。 アンリ・ヴァン・デ・ベルデ、フーゴー・ヘーリング、ハンス・ペルツィヒ、ブルーノが率いるベーレンスとムテセウス、そしてクンストゥーレングループ リンク。
ヴァルター・グロピウスは、1919年にドイツの都市ウィーマールにバウハウスを設立したKunstwollenグループの一員でした。
バウハウスの誕生は2つの特徴がありました。 より柔軟で大量生産が可能な設計問題に対する産業界の要求に加えて、それらも奨励されています フランスのパリでアールデコスタイルのトレンドが出現し、オランダのロッテルダムでデステイルグループが誕生したことによるデザイン革命 同じ。
バウハウスはモダンデザインの基本原則の作成を優先し、アールデコはその適用の結果に重点を置いています。 しかし、どちらも同じ目標を持っています。つまり、デザイン作品をすべての人のものにすることです。
当初、バウハウスは芸術品や工芸品に重点を置いていたため、バウハウスの教師は 創設者は若い建築家でしたが、芸術家や職人、特に建築家よりも現代の画家によって支配されていました ベテラン。
バウハウスの芸術家には、パウルクレー、オスカーシュレンマー、ワシリーカンディンスキー、エルリシツキー、ラズロモホリナジリー、マークス、ファイニンガー、ムンチェシュレンマー、ヨハネスイッテンが含まれます。 彼らはフォームのマスターとして知られており、ほとんどがロシア出身です。
バウハウスの絵画は主に、構成主義様式の現代ロシアの画家の影響であるキュービズムと表現主義の形をしています。 産業の急速な発展と家電製品の必要性の高まり-農耕社会から産業社会への変化に伴い、 産業革命-主に金属、皮革、ガラスが主流である家具やその他の家電製品のデザインがインドネシアで注目を集め始めています バウハウス。
工業製品の実験形式は、バウハウスの若いリーダーであるヨーゼフアルバート（1888-1976）によって紹介されました。 家具製品の場合、現在でも最も有名で生産されているのは、ワシリーチェアやB32チェアなどのデザイナーMarcelBruerの作品です。 バウハウスアートは、家具、絵画、ファッションデザイン、ファッションの両方の分野で、今日でもデザイナーの文学です。
バウハウスの芸術家には、パウルクレー、オスカーシュレンマー、ワシリーカンディンスキー、エルリシツキー、ラズロモホリナジリー、マークス、ファイニンガー、ムンチェシュレンマー、ヨハネスイッテンが含まれます。 彼らはフォームのマスターとして知られています。
バウハウスの絵画は主に、構成主義様式の現代ロシアの画家の影響であるキュービズムと表現主義の形をしています。 産業の急速な発展と家電製品の必要性の高まり-農耕社会から産業社会への変化に伴い、 産業革命-主に金属、皮革、ガラスが主流である家具やその他の家電製品のデザインがインドネシアで注目を集め始めています バウハウス。
バウハウスは、20世紀初頭のヨーロッパ本土の産業革命の結果として生まれた芸術と建築の発展の象徴です。 バウハウスアートアンドアーキテクチャーは、芸術と産業の間の平和のイデオロギーを備えた学校です。
バウハウスの誕生に先立って、1907年10月9日にドイツのミュンヘンでドイツ工作連盟が結成されました。これは2人の建築家、テオドールフィッシャーとヘルマンムテセウスによって開始されました。 ドイツ工作連盟は、若い芸術家、若い建築家、若い作家、若い職人、そして 当初、このグループは12人のアーティストと12人の業界所有者で構成され、当時の中流階級のグループと見なされていました。 それ。
彼らは、ドイツのデザイン製品の品質を向上させるための解決策を見つけたいと考えていました。 さらに、この議論は、インドネシアで発展した保守的なデザインイディオムから脱却する試みにもつながります。 何世紀にもわたってドイツを含むヨーロッパ本土であるため、ドイツ工作連盟は、 建築。
その後、ヘンリーラッセルヒッチコックとフィリップジョンソンは、1932年にニューヨーク近代美術館で開催された近代建築展で、ドイツ工作連盟をインターナショナルスタイルとして普及させました。
バウハウスは、2つの美術学校が合併した結果です。 Kunstgewerbeschule（Grand-Ducal Saxon School of Arts and Crafts）およびHochschule fuer Bildendekunst（Grand-Ducal Saxon Academy of Fine Arts）。
バウハウスの教育システムは当初、デザインの分野を中心テーマとして、少林寺の仏教寺院に見られるシステムに似ていました。 学生たちは、儀式的な呼吸法、身体運動、瞑想、そして練習が散りばめられた実践的な作業方法でデザイン教育を受けました。 菜食主義とバウハウスの住民の間、特にマスターとの間の社会的相互作用の中心として実践的なワークショップと食堂を利用する 学生。
このシステムは、1920年にバウハウスに教師として加わり、入門講義で新入生を育てた現代画家のヨハネス・イッテンによって導入されました。
イッテンは以前、古代ペルシャの東洋哲学で神秘主義を研究していました。 この神秘的な教育方法は、イッテンが1923年にバウハウスを辞めるまで続きました。
バウハウスの誕生は2つの特徴がありました。 より柔軟で大量生産が可能な設計問題に対する産業界の要求に加えて、それらも奨励されています フランスのパリでアールデコスタイルのトレンドが出現し、オランダのロッテルダムでデステイルグループが誕生したことによるデザイン革命 同じ。
バウハウスはモダンデザインの基本原則の作成を優先し、アールデコはその適用の結果に重点を置いています。 しかし、どちらも同じ目標を持っています。つまり、デザイン作品をすべての人のものにすることです。
貴族に限らない。 そのため、その開発において、特に絵画、家具デザイン、テキスタイルデザイン、ファッションの分野で、アールデコデザインに対するバウハウスの影響を分離することは困難です。
ウィーマー市にバウハウスが設立された当初、建築の分野は特別な注目を集めていませんでした。 「デザインの寺院」バウハウスに関わる建築家は、建築材料のデザインという形で、デザインブランチの規模で建築についてのみ話します。 1926年にバウハウスがウィーマール市からデッサウ市に移転した後、建築の分野は特別な注目を集めました。
これは、デッサウの新しいバウハウスキャンパスで見ることができます。このキャンパスは、建物の外観とともにヴァルターグロピウスによって設計されました。 陸屋根と非対称で装飾のない立方体の形で、当時ドイツで実際に流行し始めました それ。 建築コンポーネントは、プレハブコンクリート、鉄筋コンクリート、ガラス、および大量生産の形の金属で構成されています。
新しいバウハウスの建物は、スタジオスペース、アートワークショップ、劇場、講堂、体育館、講師室、食堂、そしてヴァルターグロピウスの建築家事務所で構成されています。 デッサウに引っ越してから1年後の1927年に、新しい建築部門が設立されました。
バウハウスのリーダーシップがヴァルターグロピウスから経験豊富なスイスの建築家であるハンネスマイヤーに移ったとき、1928年に建築教育プログラムはより焦点を当てられました 都市の問題、すなわち成長のために工場労働者のための住宅の需要がある既存の社会的現実に基づいて 業界。
登場する建築はシンプルな建物で、安価で、家具も含めて解体できるようになっています。
基本的に、バウハウスの建築は、空間間の活動と機能を備えた重要な計画によって特徴付けられます 相互に関連する構造（ほとんどが工場の建物）は、建築様式の規則から解放され、 装飾。
また、階段やエレベーター、ガラスの壁が露出した高層ビルでもあります。 建築の分野では、バウハウスが解放に成功したため、バウハウスの影響は今日でも感じられます 古い伝統の建築は歴史的なギリシャのロマンスの形をとり、建築開発への道を開いた モダン。
その後、それは流れを伴う近代建築の発展について鋭い批判を受けました-インターナショナルスタイル。 しかし、バウハウスは、その寿命はそれほど長くはありませんが、デザインの分野で新しいイデオロギーの創始者になりました。
ポップアート絵画の流れ
ポップアートという用語は、ブリティッシュ・クリティックのローレンス・アロウェイの著作から最初に登場しました。 彼が主題と技術の現代的な態度の変化として見たものを説明する1950年代 アート。
伝統的に美術の主題であった神話や伝説などの珍しいコンテンツは含まれていません。 ポップアート インスピレーションは、製品広告の西洋文化です。
1950年代半ばにイギリスで、1960年代初頭にアメリカで人気がありました。 ポップアート 商業芸術の採用によって作成された日常的によく見られるオブジェクトに焦点を当てます。 一方、多くのアーティストは、長編映画、漫画、広告などの大衆文化にも適応しています。
ミルトン・グレイザーのポスター
音楽、芸術、デザイン、文学などの1960年代の大衆文化は、より身近になり、日常生活を反映するようになりました。 意図的かつ明確に、ポップアートは抽象芸術に対する反応として発展しました。 下の画像は、Milton Glaserによるポスターで、MarcelDuchampのシルエットスタイルと円形の書道を組み合わせたものです。 印刷物では600万部以上。
アンディ・ウォーホルは、広告をアートに適応させた最初のアーティストではありません。これまで、彼は開業医として認められています。 ポップアート ベスト。 ウォーホルは、作品「キャンベルのスープ缶200本」（1962年）と「マリリンモンローディプティク」（1962年）で、機械的複製を美術の地位から引き上げようとしました。
アンディ・ウォーホル–「マリリンモンローディプティク」（1962年）
ポップアート コミュニティに基づいて、コミュニティのために設計されていますが、特定の人だけが作成できます。 人気 ポップアート その後、表現主義の抽象芸術の出現後、60年代後半に衰退しましたが、現在は ポップアート 再び需要が出始めており、2つのアートストリームの人気は非常に高くなっています。
それはについての議論です 絵画の流れ–特徴、種類、文字、および図面の例 このレビューが皆さんに洞察と知識を追加することを願っています。訪問していただきありがとうございます。 🙂 🙂 🙂