伝統と現代の劇場
伝統と現代の劇場–定義、特徴、種類、要素、違いと例 –このディスカッションでは、 伝統と現代の劇場 この場合、理解、特性、要素、タイプ、違い、および例が含まれているため、よりよく理解して理解するには、以下のレビュー全体を参照してください。
インドネシアでは、演劇は大勢の観客の前で人々のグループによって提示される文化の一形態です。 広い意味で解釈すると、演劇は人間の生活のドラマまたは物語であり、舞台で上演されます。 書かれた台本に基づいて多くの人々の娯楽となることを目的とし、歌、踊り、 等
劇場のタイプ自体は2つの部分に分けることができ、両方が互いに結びつき、影響を及ぼします。 どちらのタイプの劇場も、伝統的な劇場と非伝統的な劇場「現代劇場」として知られています。
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伝統演劇の定義
伝統演劇、別名「地域演劇」とは、参加者が地元から物語を語る演劇の一種です。 神話や伝説など、環境に住むすべてのコミュニティによって長い間根付いており、自分たちのものとして感じられてきた物語から供給されています そのエリア。
伝統的な劇場では、すべてが習慣の条件に合わせて調整され、コミュニティの社会的条件や各地域の地理的構造に従って処理されます。 伝統的な劇場は地域特有の特徴を持っており、その環境の文化を反映しています。
伝統演劇の特徴
各地域の伝統的な劇場には独自の独自性があります。 ただし、一般的に、従来の劇場には同じ特性があります（移行劇場を除く）。
スクリプトなし
伝統的な劇場は通常、スクリプトを使用しません。 加害者には、物語の概要だけが与えられました（Wos）。 彼らは他の俳優の会話に続いて自発的に話します。 したがって、加害者は即興で演奏する必要があります。 できない場合は、ショーが途切れます。
準備が簡単に
一般的に、伝統的な劇場には正式な計画や詳細なスケジュールはありません。 準備、練習、準備は簡単な方法で行われます。 たとえば、準備は台本を使わずに行われ、俳優には物語の概要だけが与えられます。 監督は正式な研修計画を立てておらず、リハーサルは公演時にのみ行われた。 実施時には、設備の準備は簡単でした。 装飾、メイク、ファッション、照明、音楽のアレンジもシンプルです。
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単調な物語
伝統的な演劇の物語は通常単調であり、人間の生活の多様性ほど多様ではなく、多様でもありません。 通常、物語は、おとぎ話、佐賀、または地元の英雄的な物語（叙事詩）などの地元の民間伝承から取られています。 これは、物語がより多様である現代演劇とは異なります。 現代演劇は、宗教、経済、社会、文化など、人間の生活のあらゆる側面について語っています。
社会と団結する
伝統的な劇場は柔軟性があり、ショーはどこでも開催できます。伝統的な劇場は特別な場所を必要としません。 実際、それはコミュニティに統合することができます。 これは、伝統的な劇場が複雑な設備を必要としないためです。
伝統的な劇場タイプ
以下は、いくつかのタイプの伝統的な劇場で構成されています。
フォークシアター
フォークシアターの性質は伝統的なものと同じです。つまり、即興で、シンプルで、自発的で、人々の生活と統合されています。 例としては、リアウと西カリマンタンのマキョンとメンドゥ、西スマトラのランダイとバカバ、ケトプラク、スランドゥル、中部ジャワのジェンブルンなどがあります。
クラシック劇場
この劇場の性質は十分に確立されています。つまり、物語、俳優はすべて順調です。 訓練された、適切なパフォーマンスの構築であり、もはや人々の生活と統合されていません （聴衆）。 王国の中心からこのタイプの劇場が誕生しました。 このタイプの劇場には、確執的な性質が見られます。 例：ワヤンクリット、ワヤンオラン、ワヤンゴレック。 物語は静的ですが、劇を生き生きとさせるパペッティアや演劇俳優の創造性のおかげで魅力があります。
トランジションシアター
トランジショナルシアターは伝統的な劇場から生まれた劇場ですが、その表現スタイルは西洋の劇場の影響を受けています。 イスタンブールコメディ、ダルダネラ演劇、スリムラットなどの劇場の種類。たとえば、物語のパターンはルドルックやケトプラクと同じですが、物語の種類は現代の世界から取られています。 音楽、装飾、その他の小道具は西洋の技法を使用しています。
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伝統演劇の例
以下は、伝統的な劇場のいくつかの例で構成されています。
傀儡
ワヤンは紀元前1500年の先史時代から知られています。 インドネシアの人々は、彫像や像の形で現れるヒャンまたはダヒャンと呼ばれる先祖の霊の崇拝の形でアニミズムを受け入れます。 ワヤンは、主にジャワ島とバリ島で発展する伝統的なインドネシアの芸術です。
人形劇は、2003年11月7日にユネスコによって、物語の物語と美しく非常に価値のある遺産の分野における驚くべき文化的作品として認められました。 G.A.J. Hazeuは、ジャワ語のワヤンは「影」を意味すると述べました。
マキョン
マキョンはマレー人コミュニティの伝統的な演劇芸術であり、今でも人気があり、国際的なフォーラムでダンスドラマとして上演されることがよくあります。 マキョンは、ヒンドゥー仏教のタイ文化とヒンドゥージャワ文化の影響を受けています。
マキョンという名前は、米の女神デウィ・スリの別名であるマック・ヒャンに由来しています。 マキョンはリアウのビンタン島を起源とする伝統的な劇場です。 マキョンは19世紀頃から1930年代にかけて宮廷芸術に端を発しました。 マキョンは日中または夜に行われます。 公演時間は±3時間です。
ドラマゴング
ドラマゴングは、で作成された比較的若いバリの舞台芸術形式です ジャランは、現代のドラマ（非伝統的なバリ）の要素と伝統的な芸術の要素を組み合わせています バリ。 多くの点で、ドラマゴングは現代（西洋）の劇場と伝統的な（バリの）劇場の要素の混合物です。
古典的または伝統的なバリ芸術の支配と影響力は依然として非常に強いため、最初はドラマゴングは「古典劇」と呼ばれていました。 演劇では、プレイヤーのあらゆる動きと劇的な雰囲気の変化がガムランゴング（ゴングケビヤル）を伴うため、この芸術にドラマゴングという名前が付けられています。 ドラマゴングは、1966年頃にアビアンベース（ギャニャール）の村のアナクアグンゲデラカパヤドニャによって作成されました。
ドラマゴングは1967年頃にバリで発展し始め、そのピークは1970年でした。 しかし、1980年代半ば以降、この芸術の人気は低下し始めており、現在でも約6作品のドラマゴングが活動しています。
ランダイ
ランダイは、ミナンカバウの人々、西スマトラの典型的な芸術（劇場）であり、複数の人々（グループまたはチーム）が演じています。 ランダイは、直径5〜8メートルの大きな円の中に立っているので、「輪を作って楽しんでいる」と解釈できます。 ランダイの物語は、シンドゥア・マト、マリン・デマン、アングン・ナン・トンガ、その他の民話など、常にミナンカバウの民間伝承を特徴としています。
ランダイは、海から出てきた鹿を捕まえることができたときに、パリアンガンのパダンパンジャンの人々によって最初に演奏されたと言われています。 ランダイアートは、インドネシア、さらには世界のいくつかの場所で上演されています。 英語版のランダイでさえ、米国ハワイ大学の学生グループによって上演されています。
ミナンカバウの習慣の倫理的価値と美学に富むランダイアートは、ドラマ（劇場）、音楽、ダンス、プンチャックシラットなどのいくつかの種類の芸術の組み合わせの結果です。
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ママンダ
ママンダは、南カリマンタンを起源とする伝統的な劇場またはパフォーマンスアートです。 他の舞台芸術と比較して、ママンダはパフォーマーと観客の間に存在する関係の点でレノンに似ています。 この相互作用により、聴衆は、雰囲気をより活気づけることができるとされる面白いコメントを伝えることに積極的になります。
ママンダの起源は、1897年にマラッカからアブドエルモエロエクの側近によってもたらされたバダムルクの芸術です。 以前は南カリマンタンではコメディインドラバンサワンと呼ばれていました。 バンジャールの地元の芸術とコメディインドラバンサワンの交差点は、バアブドエルモエロエクまたはよりよく知られているバダムルクと呼ばれる新しい芸術形態を生み出しました。
Longser
Longserは、西ジャワのスンダ社会における伝統的な劇場の一形態です。 Longserは、頭字語のmelong（称賛をもって見る）とsaredet（moved）に由来します。これは、longserのショーを見た人は誰でも、彼の心が動かされることを意味します。 ダンスに重点を置いているLongserは、ogelまたはdogerと呼ばれます。 ロンガーが生まれて発展する前は、レンジャーと呼ばれる伝統的な劇場形式がありました。
この芸術に使用される服はシンプルですが、色の点で印象的です、特にRonggengが着ている服。 通常、ロンゲンはケバヤとバティックのサイドクロスを着用します。 一方、男性の場合は、ソントグパンツとヘッドバンドが付いたキャンプレットシャツを着ています。
ケトプラク
ケトプラクは、特にジョグジャカルタと中部ジャワ地域で最も人気のある民俗劇場です。 •「kethoprak」という言葉は、ツールの名前、つまりTiprakに由来します。 ティプラクという言葉はプラクから来ています。 ティプラクの音はプラク、プラク、プラクだからです。
ジャワ語では、次のレベルの言語が使用されます。–通常のジャワ語（毎日）–クロモジャワ語（上級者向け）–ジャワ語 Kromo inggil（つまり最高レベル）言語レベルの使用だけでなく、繊細さにも関係するケトプラクでの言語の使用 言語。 そのため、いわゆるケトプラク言語が登場しました。これは、微妙で具体的な言語を備えたジャワ語です。
Ludruk
Ludrukは、よく知られている東ジャワの芸術の1つです。つまり、一般的にすべてのプレーヤーが男性である舞台芸術です。 Ludrukは、芸術グループが展示する伝統的なドラマで、 人々の日常（ウォン・シリックの物語）、ジョークがちりばめられ、ガムランを伴う闘争の物語など 音楽。
ludrukでの対話/独白は、典型的なスラバヤの言語を使用して、面白く、聴衆を笑わせます。 ジョンバン、マラン、マドゥラ、マディウンなど、アクセントの異なる他の地域からのゲスト出演者がいることもありますが 違います。 ludrukで使用されているわかりやすい言葉は、彼を非知識人（ペディカブ、パトロール、公共交通機関の運転手など）に簡単に夢中にさせます。
レノン
「レノン」は、ベタウィの人々、ジャカルタの伝統的な演劇パフォーマンスアートです。 レノンは、リエンオンという中国の商人の名前に由来しています。 古代（植民地時代）には、レノンは通常、侵略者の専制政治に対する彼らの反対に対する感謝の形としてコミュニティによって演じられました。 最初、この芸術は村から村へと歌うことによって行われました。
ショーはステージなしで野外で開催されます。 ショーの最中、俳優や女優の一人が自発的に寄付を求めながら観客を一周しました。レノンには、レノンデーンとレノンプレマンの2種類があります。 これらの2種類のレノンは、使用される言語によっても区別されます。 lenong denesは一般的に洗練された言語（高マレー語）を使用しますが、lenongpremanは日常会話を使用します。
Ubrug
パンデグランの「Ubrug」は、ファンにますます忘れられている伝統的な民芸品として知られています。 「ubrug」という用語は、1つの場所で混同されることを意味するスンダ語の「sagebrugan」に由来します。 •ubrugの芸術には、遊び、音楽、ダンス、プンチャックシラットの要素を組み合わせたフォークシアターが含まれます。 これらの要素はすべてコメディーの方法で上演されます。
パフォーマンスで使用される言語は、スンダ語、ジャワ語、マレー語（ベタウィ語）の組み合わせである場合があります。 孵化場で一般的に演奏される楽器は、ドラム、クランター、ケンプル、ゴングアンケブ、フィドル、ケノン、ケクレク、タップです。
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伝統的な劇場の要素
以下は、伝統的な劇場のいくつかの要素で構成されています。
テーマ
テーマは、ドラマのストーリーの根底にある主要なアイデアです。 主なアイデアは、エキサイティングで興味深いストーリーになるように開発されています。 テーマをトピックに絞り込むことができ、トピックは対話を伴う劇場のストーリーに発展します。 一方、タイトルはストーリーの内容から取得できます。
プロット
プロットは、ドラマの一連のイベントまたはストーリーです。 プロットは、単純なものから複雑なもの、クライマックス、解決へと徐々に発展する対立で構成されています。 プロットの段階は次のとおりです。
- 博覧会
観客を実際の状況に導くシーンや対話を通してのキャラクターの紹介。
- 競合
この段階では、問題に登場人物が関与するイベント、インシデント、またはインシデントがあります。
- 合併症
発生した事件は発展し始め、ますます多くの紛争を引き起こし、複雑で相互に関連していましたが、問題の解決策はまだ見られませんでした。
- クライマックス
さまざまな葛藤が、観客の緊張のピークまたはピークに達しています。 これは、キャラクター間の対立や論争が熱くなる場所です。
- 解決
この段階で紛争解決は終わりです。 ここで、物語の決定は、楽しさ、感動、悲劇、または観客のためのパズルの作成で終わります。
特性評価
劇場での特徴は次のとおりです。
- 生理学的側面
この側面は、キャラクターの命名、展示、体調に関係しています。 体調には、背の高い、短い、髪の色、長い髪、太った、薄い、または肌の色が含まれます。
- 社会学的側面
この側面は、キャラクターの社会的状態、すなわちキャラクターと他のキャラクターとの相互作用または社会的役割に関連しています。
- 社会学的側面
この側面は、キャラクター、つまり魂の全体的な特徴やキャラクターの性格に関連しています。 劇場公演の登場人物の種類には、主人公、敵対者、エキストラ、および第三役が含まれます。
主演俳優の主人公/キャラクターは、主演俳優の主人公/性格の説明です。 性格描写は性格と密接に関連しています。 性格描写は、俳優の名前、性別、年齢、体型、精神状態に関連しています。 キャラクターは俳優のキャラクターに関連しています。 劇場では、特性は次の3つのタイプに分類できます。
- 主人公は、物語の中で最初に主導権を握るキャラクターです。 主人公のキャラクターは、衝突や問題を最初に経験したキャラクターであり、観客が通常共感するように優れた特性を持っています。
- 敵対者は、主人公に反対するキャラクター、または物語に反対するキャラクターです。 敵対者は通常、邪悪な特性を持っています。
- 三役の性格、すなわち両党（主人公と敵対者）の調停者と和平工作者、そして緊張の解消。
ダイアログ
対話は、ストーリーのコースを構成するためのキャラクター間の会話です（同時に1つのモーションまたはシーンにあります）。 対話は登場人物をサポートし、筋書きを指示し、暗黙の意味を明らかにする必要があります。
言語
言語は、単語や文の形でのスクリプトやシナリオの基本的な資料です。 言葉や文章は、考えや感情をコミュニケーション的かつ効果的に表現できなければなりません。
アイデアとメッセージ
ショーのアイデアやメッセージは、作者が作成し、俳優がステージに実装する必要があります。 アイデアは論理工学によって得られるので、演劇のパフォーマンスは、娯楽だけでなく、教育的価値を通して道徳的なメッセージも表示します。
設定
設定とは、舞台上でシーンが発生する場所や雰囲気の状態です。 この設定には、ステージのレイアウトと照明を含めることができます。
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現代演劇を理解する
非伝統的な劇場または現代の劇場は、西洋の理論の影響を受けて都市の群衆の真ん中で成長し発展するタイプの劇場です。 上演される物語は、文学作品や日常の出来事から来ています。
スクリプトは、中心的な役割、キャラクターとキャラクターの形成、およびストーリーラインで構成されています。 プレイヤーは、標準的なストーリーを構築するために即興を最小限に抑える必要があります。これにより、パフォーマンスが何度も繰り返されても、ストーリーは同じままになります。
現代演劇では、権利を持っている中心人物であるため、監督の役割は非常に重要です。 あなたが見せて提示したい物語の台本を解釈するという点で特異です 聴衆。 この現代劇場のいくつかの例は次のとおりです。
- ドラマ
- 劇場
- 連続ドラマ
- 映画
現代演劇の特徴
現代演劇の特徴は次のとおりです。
- 舞台は、従来の劇場に比べて複雑な設備が整然と配置されています。
- 一般的に、現代の劇場公演は閉鎖された建物で行われます。
- ステージングされるストーリーラインの設定があります。
- 参加者数は従来の劇場を上回っています。
- 観客とプレイヤーの間の相互作用はあまりありません。
現代演劇の要素
以下は、現代演劇のいくつかの要素で構成されています。
スクリプト/シナリオ
脚本/脚本には、登場人物の名前と会話が話されたストーリーが含まれています。
シナリオ
シナリオは、状況、プロパティ、キャラクターの名前、キャラクター、演技の指示などの内容が完全な（大きな）ドラマの脚本または映画です。 監督の脚本/脚本の目的は、プレゼンテーションをより現実的にすることです。
プレイヤー/俳優/キャラクター
プレーヤーとは、映画/シネトロンで特定のキャラクターを演じる人で、通常は女優/俳優と呼ばれます。
さまざまな役割：
- 主な役割
主な役割は、物語の中で観客の注目を集める役割です。
- ヘルパーの役割
補助的な役割それは注目の的ではない役割です。
- 追加の役割/サポート
フィギュアは、雰囲気のイメージを強化するために作成された役割です。
ディレクター
監督とは、演劇/演劇/映画/シネトロンを製作または上演するための技術を主導および管理する人物です。
プロパティ
プロパティは、ドラマや映画を上演するために必要な機器です。 例：椅子、テーブル、ロボット、部屋の装飾、装飾など。
セットアップ
以下を含む、劇場公演に関連するすべての労働者：
- メイクアップは、プレイヤーをより説得力のあるものにするために、劇場のキャラクターを演じる服を着せる方法です。
- 洋裁は、希望する状況をサポートするためのプレーヤーの服の配置です。 たとえば、日常着のある他の学校の服。
- 照明は舞台照明です。
- サウンドシステムはスピーカーの設定です。
聴衆
観客は、親戚の仕事の最終結果の目撃者であるため、ドラマ/劇場/演劇または映画のパフォーマンスから引き離されます。 観客は、上演される芸術作品を評価し、評価する評価者です。 作品の鑑賞者がいなければ、芸術の形は無駄になります。 すべてのアートパフォーマンスには、聴衆がいなければなりません。 観客は彼の心を楽しませるために、そして彼の作品の評価者としての芸術家のために見守っています。
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伝統演劇と現代演劇の違い
伝統的な劇場と現代的な劇場の大きな違いの1つは、観客との交流です。 伝統的な劇場では、観客はパフォーマンスの一部と見なされるため、ステージ上のパフォーマーは観客と多くのやり取りをします。 一方、現代演劇では、パフォーマーと観客の間にかなりしっかりとした境界があります。
それに加えて、実装の場所とステージ設定のルールも非常に異なります。 伝統的な劇場では、ステージは非常にシンプルに設定され、よりリラックスした雰囲気になっています。 時には、観客を楽しませるためにちょっとしたユーモアも挿入されます。 一方、現代演劇では、舞台はよりフォーマルな雰囲気で整然と配置され、より大きな舞台に展示されています。
時が経つにつれ、さまざまな現代演劇のジャンルが出現し、注意深く検討すると、伝統的な演劇スタイルに近い特徴を持っています。 数十年前、劇場の公演が最盛期にあったとき、劇場は観客と出演者の混合を排除しようとしました。
キャラクターには、伝統的な劇場のような面白い即興演奏をする自由が与えられます。 ただし、伝達されるコミュニケーションを明確にするために、口頭での対話の使用は最小限に抑えられ、音、体の動き、ステージのプロパティなどの使用にシフトされます。 これは、演じられている物語の内容を伝えるためのコミュニケーション手段として使用されます。
それはについての議論です 伝統と現代の劇場–定義、特徴、種類、要素、違いと例 このレビューがあなたの知識と洞察に役立つことを願っています。訪問していただきありがとうございます。 🙂 🙂 🙂
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