彫刻：歴史、特徴、素材、技法、例[FULL]

June 28, 2021
にその他

彫刻アートワーク

クイックリードリスト公演

1.彫刻アートワーク

2.彫刻の歴史

2.1.専門家によると彫刻を理解する

3.彫刻の細かい要素

3.1.ライン

3.2.色

3.3.テクスチャ

3.4.式

3.5.形

3.6.ルーム

3.7.ボリューム

3.8.暗い光

4.彫刻の機能

4.1.彫刻技法

4.2.彫刻の素材

4.3.彫刻の基本

4.4.彫刻作成プロセス

4.5.彫刻の設計原則

4.6.彫刻の例と写真付きの完全な説明

4.7.模倣（現実主義/代表）彫刻の例;

4.8.変形スタイルの彫刻の例;

4.9.非比喩的な（抽象的な）彫刻の例;

4.10.これを共有：

4.11.関連記事：

彫刻作品が立体的である芸術の一分野です。通常、彫刻、モデリング（粘土など）、または鋳造（型を使用）によって作成されます。

彫刻の歴史

アジア

さまざまな種類の彫像がアジアのさまざまな地域に存在し、通常はヒンドゥー教と仏教の影響を受けています。カンボジアの多くのヒンドゥー教の彫像がアンコールに保存されていますが、行われた組織的な略奪は、国の多くの遺産に大きな影響を与えました。 も参照してください アンコールワット。タイでは、ほとんどの彫像が仏像に捧げられています。インドネシアでは、ヒンドゥー教の影響を受けた彫像は、プランバナン寺院群やバリ島のさまざまな場所で見つけることができます。仏教の影響はボロブドゥール寺院の遺跡で見られますが。

インドでは、彫刻は紀元前インダス文明（3300-1700）で最初に発見されました。これは、世界で最も初期の彫刻の例の1つです。その後、ヒンドゥー教、仏教、ジャイナ教がさらに発展した後、インドは銅像を作成しましたヒンドゥー教、ジャイナ教、寺院の装飾に見られるような非常に複雑な石の彫刻仏。

中華人民共和国で見つかった遺物は、紀元前10、000年頃にさかのぼります。博物館に展示されている中国の彫刻のほとんどは、いくつかの歴史的な時代にまでさかのぼります。周王朝（紀元前1066-221年）は、精巧な装飾が施されたさまざまな種類の青銅製鋳造船を製造しました。複雑。秦王朝（紀元前221年から206年）は、兵馬俑で有名です。強さを印象付ける人物像のある漢王朝（紀元前206年–西暦220年）。最初の仏像は三国時代（3世紀）に発見されました。中国の黄金時代と考えられているのは唐代で、内戦中は装飾品が大量に作られ、戦争資金として輸出されていました。

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その後、明王朝の終わり（17世紀後半）以降、美術館のコレクションには、宝石、宝石、陶器などの形の彫像はほとんどありませんでした。20世紀には共産主義政権の初期の数十年、そして世紀になると、中国の職人が商業彫刻（ミニチュアフィギュア、おもちゃなど）のジャンルを支配し始め、前衛的な中国の芸術家がヨーロッパの現代美術に参加し始めました。アメリカ。

日本では、彫刻や絵画は無数にあり、多くの場合、政府の支援を受けています。日本の彫刻のほとんどは宗教に関連しており、仏教の伝統の役割が減少するにつれて、使用される材料の種類も減少します。古墳時代（3世紀）には、埴輪と呼ばれる土像が墓の外に建てられました。法隆寺の近藤の中には、釈迦牟尼（623）、2つの菩薩の形をした仏像、そして四方の守護王と呼ばれる像があります。

室生寺の二次館には、釈迦牟尼仏を描いた木像（9世紀）が飾られています。は、平安時代初期の彫刻の特徴であり、重い体を持ち、厚いカーテンのひだで覆われています。スタイル 音音式衣文 （うねる波）、真面目で引きこもりそうな表情。ケイ彫刻学校、新しくよりリアルな彫刻スタイルを作成します。

アフリカ

アフリカの美術は彫刻に重点を置いています。アフリカのアーティストは、二次元よりも三次元の作品を好む傾向があります。人類学者は、アフリカで最初に知られている彫刻は、紀元前500年頃のナイジェリアのノク文化にまでさかのぼると主張していますが、アフリカの芸術作品 ファラオニック （古代エジプトに関連して）、期間はNocよりも早いです。ベナンなど、西アフリカの東部を起源とする金属彫刻は、これまでに生産された中で最高のものと見なされています。

彫像は、彫像が作られた原産地を反映して作成され、象徴されました。使用されている素材や技術、そしてそれらの機能に基づいて、彫刻の仕事は地域ごとに異なります。

西アフリカでは、彫像は細長い体、角のある形、そして個人ではなく理想的な形を表す顔の特徴を持っています。数字は宗教的な儀式で使用され、多くの場合、供物の儀式を通して表面が材料でコーティングされます。これの反対側は、西アフリカのマンデ語を話す住民によって作成された像です。木で作られた彼らの彫刻は、腕と脚が円筒形である間、広くて平らな表面を持っています。

中央アフリカの特徴には、内側に湾曲したハート型の顔と、円と点のパターンがあります。一部のグループは、幾何学的で角度のある形状の面の作成を好みますが。使用される材料は、最も広く使用されている木材、象牙、骨、石、粘土、金属です。中央アフリカ地域には、彫像が作られた場所から簡単に識別できる印象的な彫刻スタイルがあります。

東アフリカ地域で制作された立体作品のひとつが柱の彫刻です。柱は人間の形に彫られ、幾何学的な形で装飾され、上部には人、動物、その他の物体の像が刻まれています。このポールは墓の近くに置かれ、死に関連付けられています。

南アフリカで最も古くから知られている粘土の像は、西暦400年から600年までさかのぼり、円筒形の頭を持っています。この粘土像は、人間と動物の組み合わせのように見えます。粘土像に加えて、所有者と一緒に墓に埋葬された木製のヘッドボードもあります。このヘッドレストは、幾何学的な形や動物の形をしています。

エジプト

古代エジプトの彫刻は、古代エジプトの神々とファラオを物理的な形で表現するために開発されました。彫刻を作成するときは、非常に厳格なルールに従います。男性の像は女性の像よりも暗くなります。座った像では、手を膝の上に置き、神々を描写する際の特定の規則を設定する必要があります。芸術的なランク付けはルールへの準拠に基づいており、ルールは何千年もの間厳密に守られているため、外観はアケナテンとネフェルティティの治世の短い期間を除いて、像はあまり変わっていません、描写は許可されています自然主義。

ヨーロッパ

ローマギリシャクラシック

ヨーロッパの古典的な彫刻とは、古代ギリシャ、古代ローマ、ヘレニズム化およびローマ化された文明またはそれらの影響からの彫刻を指します紀元前500年頃から紀元476年にローマが崩壊するまで、古典彫刻という用語は、このスタイルで作られた現代の彫刻にも使用されていました。クラシック。ヨーロッパの古典的な彫刻には、次の特徴があります。

全身の体型：アスレチックな若い男性か裸の女性のどちらか。
肖像画：年齢または強い性格の兆候を示しています。
古典的な神々と女神の衣装と属性を身に着けている
自然主義の世話は観察に基づいており、多くの場合、実際のモデルを使用します。

裸体像の形は、それを支える長い伝統に基づいて、通常、一般に広く受け入れられています。しかし、時には、このヌードのテーマに反対する人々がいます。通常、道徳的および宗教的原理主義者の中からです。たとえば、バチカンコレクションの一部のギリシャの彫像では、ペニスが削除されています。

ゴシック時代

アート、この場合は建築、中世ヨーロッパ（ゴシック）とローマの建築アートを結ぶリンクは、ロマネスク時代と呼ばれています。初期のゴシック彫刻はキリスト教の影響を受けており、教会や修道院の壁から生まれました。シャルトル大聖堂の像（約。 1145）フランスには初期のゴシック彫刻があります。ドイツでは、1225年からバンベルク大聖堂にあります。イギリスでは、彫刻は墓石や図以外の装飾に使用されたものに限定されていました（一部はシトー会の偶像破壊によるものです）。イタリアでは、ピサやシエナの洗礼堂の説教壇に見られるような古典時代の形態が今でも影響を受けています。

ルネサンス

ルネサンス期には、彫刻も復活しました。場合によっては、他の芸術作品よりも早く復活しました。この時代の重要人物の1人は、ブロンズ彫刻のあるドナテッロでした。 デビッド （ミケランジェロのダビデ像と混同しないでください）。これは初期のルネサンスの彫刻です。同様に、彫像を作る以外にミケランジェロと デビッド、また作る ピエト. ミケランジェロのダビデ像は、人間の姿を描いたコントラポストスタイルの例です。ルネッサンスからモダニズムまで、政治的変化や文化運動などの影響を受けた時期、すなわちマニエリスム、バロック、新古典派の時代がまだいくつかあります。

モダニズム

オーギュストロダンは、20世紀初頭の最も有名なヨーロッパの彫刻家の1人です。彼はしばしば印象派の彫刻家と呼ばれています。古典的な現代彫刻は、自然主義、解剖学的詳細、衣装にはあまり関心がなく、ボリュームと空間のリズムだけでなく、形の様式化にも関心があります。時が経つにつれて、古典的な現代彫刻のスタイルは、ヨーロッパの全体主義の支配者の2人、ナチスドイツとソビエト連邦によって採用されました。他のヨーロッパ地域では、このスタイルは装飾/アールデコ（ポール・マンシップ、カール・ミレス）、抽象的な様式（ヘンリー・ムーア、アルベルト・ジャコメッティ）、またはより表現力豊かなものに変わりました。彫刻におけるモダニズム運動は、キュービズム、未来派、ミニマリズム、インスタレーション、ポップアートの作品を生み出しました。

専門家によると彫刻を理解する

この場合、その形からすると、彫像は立体的な芸術作品のひとつです。なぜなら、彫像は長さ、幅、高さ（体積）があり、あらゆる方向から楽しむことができるからです。

現代彫刻の作品は、私たちの環境の変化するライフスタイルをナビゲートする必要性とともに、現在急速に発展し始めています。

インドネシアの百科事典によると（1990：215） 彫刻彫刻エンボス加工された画像の形で作成できる3次元で実現される彫刻または立体体型を意味します（レリーフ）または木や金属の媒体で作られた彫刻。

ここに彫刻の芸術を定義する芸術の専門家の何人かがいます。

Mikke Susanto（2011：296）によると 彫刻は、その形をこの方法で作る立体作品の一種です。減法（カット、インレイなどの材料を減らす）または添加剤（最初にキャストや印刷のようにモデルを作成します）。

一方、SoenarsoとSoerotoの著書（1996：6）によると 彫刻はすべて空間の形で作品です。

グレートインドネシア語辞書によると 彫刻によって作られた人工物、人間と動物の形です。

次のB.Sマイヤーズ（1958：131-132）Sculptureは、建物の背景や領域に結び付けられていない3次元の作品として定義されています。この作品はそれを取り囲むことによって観察されるので、それはすべての面で魅力的に見えるか、意味があると感じなければなりません。

さらにメイヤー（1969：351） 彫刻の芸術は独立していて、真に立体的であるため、どの角度から見ても意味のある形に直面するだろうと付け加えました。

上記の理解に基づいて、芸術作品は非常に幅広い媒体を持っていると結論付けることができます。すべてのものは、彫刻である芸術作品の作成をサポートする側面になる可能性があります。この三次元芸術の分野は、人間の表現と創造の具現化です。

彫刻の細かい要素

彫刻を作成する際、良い結果を得るには、フォームをサポートする要素が必要です。これは、視覚要素と呼ばれることがよくあります。 （ビジュアル）. 大まかに言えば、要素 （ビジュアル） 作品で開発されたものは次のとおりです。

ライン

線の形の要素は、あるポイントから別のポイントへのミーティングです。 Yudoseputro（1993：89）によると、線は最も重要な視覚要素であり、バリアとして機能し、フィールドに寸法の印象を与え、テクスチャの印象を与えます。シンプルな線は芸術作品を作成する上で非常に重要な役割を果たしますが。

Nursantara（2007：11）によると、線は、両端が分離された細長い寸法と特定の方向を持つ点の線です。長く、短く、厚く、滑らかで、まっすぐで、曲がっていて、壊れていて、波打っていて、水平、垂直、斜めなどです。さらに、

その形式では、線は実数と疑似の両方にすることができます。実際の線は、直接の落書きまたはストロークから生じる線です。疑似線は、フィールド、色、または空間の境界（輪郭）の印象のために表示される線です。 Susanto（2002：45）は、線は平行で同じサイズのいくつかの点の組み合わせであると述べています。それは細長い寸法を持ち、方向性があり、短く、長く、滑らかで、厚く、波状で、湾曲していて、まっすぐであるなどの可能性があります。

線は伸びる記号またはマークであり、表面に刻印され、方向性があります。線の具体化は、アーティストの性格にも強く影響されます（Sunaryo、2002：5）。 Kartika（2004：40）によると、アーティストが作成したストロークや線は、存在する線ごとに異なる心理的印象を与えます。さらに、芸術作品の作成に使用されるツールと材料も、結果として得られる線の形成を大きく決定します。

Sunaryo（2002：4）は、タイプの観点からの線は3つの部分に分けられると述べています。すなわち、（1）直線、しっかりとスムーズに印象を与え、先端の付け根に向かって明確な方向を持っているライン、このラインは一般的にリジッド。（2）曲がり線、ねじれたり、方向を変えたり、方向が不安定な動線は、その外観が鋭い角や曲がりを形成し、時にはしっかりとした鋭い印象を与えます。（3）曲線、線の方向が柔らかくフェミニンな線も分割されています 3つの部分に分けられます。すなわち、垂直（垂直）線、すなわち、活力の高い、しっかりとした印象の外観。強い; 平らな（水平の）線、つまり落ち着いた、安定した広い印象の外観。クロスライン（対角）は、動きのあるアクティブな外観の印象です。

彫刻では、表示される線は、硬く、硬く、柔軟性があり、湾曲しているように見える仮想線です。暗い光を形成し、表面に当たる光によって引き起こされるチゼルニックのため立像。

色は、外観、サイズ、および値が同じである2つのオブジェクトまたは形状を区別する視覚的品質です。私たちが知覚する色は、主に光の存在によって決まります（Sunaryo、2002：12）。 KartikaのSoegeng（2004：48）によると、色は目の光によって引き起こされる印象です。これらのオブジェクトの色は絶対的なものではありませんが、各色はその使用の重要性に影響されます。

それぞれの彫像は、彫像を作るのに使われた媒体に応じて、他の彫像とは異なる色をしています。色の要素から、媒体の特徴的な色から得られる彫像の美しさの価値を高めることができます彫像の色要素を作品の美的価値の1つとして使用できるように使用されます彫刻。

テクスチャ

テクスチャ （テクスチャ） は、素材の表面の感触を示す視覚要素であり、平面の表面に特定の感触を与えるための努力として、視覚的な形を実現するために意図的に作成および提示されています。

実在または疑似の芸術作品におけるフォームの出現（Kartika、2004：47-48）。 Susanto（2002：20）によると、テクスチャまたはバリクはタッチの価値であり、説明できる表面の品質です。肌や髪の毛などの物体の表面で、何かのざらつきや規則性を感じることができますオブジェクト。

テクスチャは、滑らかで、滑りやすく、無地で、滑らかで、光沢があり、しわの寄った性質を持つ表面特性です（Sunaryo、2002：11）。 Nursantara（2007：15）によると、テクスチャは表面のタッチ値であり、滑らか、粗い、滑りやすいなどの可能性があります。彫刻の分野では、色、線、表現の要素を使用してテクスチャを取得できます。さまざまなタッチ値とそのほかに、使用されている彫刻媒体からテクスチャを取得することもできます。

式（形）は、輪郭（線）によって制限されているか、またはによって制限されているために発生する小さな領域です。異なる色の存在、または陰影の暗い光による、またはテクスチャーによる（Kartika、2004： 41). 芸術作品では、形状結果のオブジェクトを説明する際のアーティストの感情のシンボルとして使用されます主題. Sunaryo（2004：4）によると、単語から始まります形状これは一般に、輪郭と色のストロークで囲まれた実施形態を意味し、体積または質量を有するフィールドまたは何かを表現する。実施形態の観点からのWongin Sunaryo（2002：10）によれば、特徴は、（1）幾何学的特徴、（2）有機的特徴、（3）規則的特徴、および（4）不規則な形状に分けることができる。

基本的にフォームの概念 （フォーム） 見ることができる物理的な形です（Bastomi、1992：55）。形状は線要素と密接に関連しています。平面は、線で囲まれた地形の形式です。言い換えると、その形状はエッジ平面とも呼ばれます。形は、常に異なる形をしている彫刻のように、形です。彫刻はまた、その美の要素の1つとして形の要素を使用します。これは、物理的な観点または既存の形からそれを見ると、彫像がその客観的な美しさで判断できるためです。

ルーム

ルーム （スペース） 図の形状を囲む要素または領域です。 Yudoseputro（1993：98）によると、空間の実際の要素は見えないか、想像上のものです。空間は、物体の存在によって、または一枚の紙に線や平面を作ることによってのみ生きることができます。

二次元設計では、空間は仮想空間と呼ばれるため仮想です。仮想空間は、フラット、フラット、さらには均一にすることができます。一般に深さとして知られている3次元効果。奥行きは幻想的または非現実的な空間ですが、現実の空間はオブジェクトで占められ、空間の要素も持つ彫刻のように3次元です。

ボリューム

平面で囲まれた空間はボリュームと呼ばれます。彫像のボリュームは、幅と深さによって作成された、全体の塊の一部の形で表されます（Tristiadi、2003：10）。彫刻にはコンテンツとも呼ばれるボリュームの要素があり、彫刻には立体的な要素があり、彫刻の作品にボリュームを存在させる空間の要素があります。

暗い光

暗くて明るい要素は明るい要素と呼ばれ、度数が変化する太陽から来ます強度、およびさまざまな密度の画像を生成する落下角度（Sunaryo、2002：19）。アートワークの暗い要素と明るい要素は、アートワーク自体の形に影響を与える可能性のある影を生成します。光と闇の関係は、グラデーションを作成する影を生成します。このグラデーションは目に影響を与え、オブジェクトの暗い部分と明るい部分の違いをもたらします。

上記の説明に基づいて、美的価値のある芸術作品を作成するためには、それを構成する視覚的要素から分離することはできないと結論付けることができます。線、色、テクスチャ、特徴、形、スペース、ボリューム、明暗は、使用できる視覚言語です音楽の音符が瞬時に感動し、高揚するように、感情を表現しますハート。トーンは、中にあるすべての表現です。

線は表現やフィールドの具体化として存在し、フィールドは魂を表現するための色や質感の刻み目を持つオブジェクトの描写として存在します。形や形をした物体が存在することで、空間とボリュームが生まれます。物体が受ける光の強さの違いによって生じる暗闇と光でそれを埋めますオブジェクト。

美的要素の配置または構成は、デザインにおける要素の編成の原則です。芸術作品の視覚的要素とは別に、芸術作品にさらに価値を加えるには、デザインの原則にも注意を払う必要があります。

彫刻の機能

古代の彫刻は宗教的な目的で作られました。ヒンドゥー教と仏教の時代には、模範とされた神や人を称えるために彫像が作られました。その後の開発では、国、グループ、または個人の主要なイベントの記念碑または記念碑のために彫像が作られました。今日では、彫刻はより自由で多様であるため、作成者の自己を表現するために作成されることがよくあります。

彫刻はまた、その形の美しさの価値を楽しむために作成されました。一般的に、彫刻の盲さに基づいて、6つの種類があります、すなわち：

宗教的な彫像は、その美しさを楽しむことができることに加えて、この彫像を作る主な目的は、宗教的な意味を持つ崇拝の手段としてです。
歴史的な出来事や英雄の奉仕の記念として作られた記念碑の彫像、ペトゥンの美しさと形。
建物の建設に積極的に参加している彫像の主な目的から、彫刻建築、彫像の美しさを楽しむことができます。
建物や庭の環境を飾るための装飾像。
アート彫刻、その形の美しさを楽しむアート彫刻。

職人の成果である工芸彫刻。楽しむために作られた彫像の美しさも意図的に販売されています。

過去のインドネシアでは、イリアンジャヤ（アスマド）や南スラウェシ（トラジャ）などの原始的な彫像が知られていました。ヒンドゥー仏教時代のMusoifulFaqih M（2004：59）の意見では、古典的な彫刻は主にジャワとバリで開発されました。原始的で古典的な彫刻作品は、伝統的に世代から世代へと受け継がれてきました。さらに、原始的で古典的なものは伝統的なスタイルと呼ばれ、原始的で古典的なもの以外の彫像は現代的なスタイルの彫刻と呼ばれます。実施形態から判断すると、現代の彫刻の多様性は３つに分けることができる。

実施形態から見たパターンに基づく：

模倣スタイル（現実主義者/代表者）

このパターンは、自然の形（人間、動物、植物）を模倣したものです。その実施形態は、解剖学的、比率、および動きの両方の物理的塑性または物理的形態に基づいている。ヘンドロ、トルバス、サプトト、エディ・スナルソの作品には、写実的なスタイルの彫刻が見られます。

変形パターン

この彫刻のスタイルは、自然の模倣から大きく変化しました。自然な形は、彫刻家の想像力に従って構成されています。変化と自然の形は、元の形から生まれる新しい形に変換されます。この作品は、But Mochtar GSidharthaの作品に見ることができます。

非比喩的なパターン（要約） この彫像は一般的に、その抽象的な表現のために自然な形を残しています。この作品は、自然界に存在する形など、一般的に知られている形を決して表示しないリタ・ウィダグドの作品に見ることができます。彼は次のような三次元の視覚要素を育てています。線、平面、空間、および視覚要素をそのまま扱います–特定の概念または理解を表すものではありません。

制作方法から判断した彫刻の種類

像は人間や動物などの生き物の形をした像です。
レリーフは壁にあるので正面からしか味わえない彫刻作品です。

その位置から判断する彫像の種類

自立像は、直立した像の一種です。
ゾンデ像は、座ったり、しゃがんだり、寝たり、立ったりするなど、さまざまな位置で無傷の像の一種です。
ボス像は半身像です。
足根骨像は、彼の体の特定の部分または部分だけで作られた像です。

彫刻技法

彫像を作るために使用された材料に基づいて、Humar Sahman（1993：80）による彫刻を作る技術は5つの方法に分けることができます：

スカルプト（彫刻)

技術彫刻またはスカルプティングは、基本的に不要な部分を減らすプロセスです。処理する彫刻刻むことができる石、木、または固体の塊から始めて、部品は廃棄されますこれは、既存のアイデアを塊から解放するために必須ではありません（Sahman、 1992:85). Sukaryono（1994：33）によると、彫刻技法は、部分的に部分的に除去し、希望の形状の部分を彫刻して残すことによって少しずつ除去します。この技法で使用される材料には、石、岩、大理石、木などがあります。

スカルプト（彫刻）彫刻の仕事では、つまり、不要な部分を少しずつ減らして、元のアイデアに従って彫像の望ましい形状にします。彫刻非常に成熟した特別な技術やアイデアや概念を習得する必要があるため、これは難しいプロセスです。

フォーミング（モデリング)

モデリングや造形は、粘土や粘土などのプラスチック素材を使って作品を作る技法です。 Sahman（1992：85）は、次のように述べています。 モデリング つまり、少し追加して形成します。

希望の形になります。使用している素材は弾力性のある素材ですので、ご希望の形状になりますの過程にあるフォームに新しい材料を追加することによって得られます解決。

Sukaryono（1994：33）によると モデリング つまり、材料を少しずつ接着して、目的の形状にします。この技術で使用される材料には、粘土、セメント、石膏、紙パルプ、ワックスが含まれます。彫刻では、そのようなプラスチック材料は彫刻家がプロセスを使用することを可能にします 添加剤 そして減法すなわち、所望の形状は、成形の過程にある材料を加算または減算することによって得られる。

注ぐ（鋳造)

鋳造印刷することを意味します。これは、型を使用して液体生地を印刷し、目的の形状を生成することです（Sahman、1992：86）。鋳造または鋳造は鋳造または注入技術であり、使用される材料はセメント、石膏、金属などの溶融可能な材料です。 グラスファイバー などなど。

この像の製作は、以前は石膏などから型を事前に準備する必要があったため、複数のパーツで構成された型で、印刷したい場合は、形状に合わせてパーツを組み合わせるだけです。印刷。

ストリング（組み立てる)

組み立てる または組み立て、すなわち、さまざまな種類の材料から組み立てることによる形成（Sahman、1992：86）。組み立てに使用される材料には、使用済みの布、金属、ゴム、皮革、ガラス、プラスチック、木材などが含まれます。

アレンジ（構築)

技術構築または建設は建築作品や建築芸術に傾向があります。構築つまり、溶接ツールをコネクタとして使用して、金属または鉄のコンポーネントをコンパイルまたは組み立てます（Sukaryono、1994：33）。その他の定義構築 Sahman（1992：86）によると、適切な接着媒体で計画された形状が得られるように、配置、組み合わせ、組み立てることによって成形されています。使用されるツールは次のとおりです。溶接機、ハンマー、接着剤など。通常、この技法は、同様の素材を配置して彫刻を作成するために使用されます。

使用する素材に基づいて彫刻を作るためのツール（彫刻アート素材）

彫像を作るために使用される機器は、材料と技術によって異なります。スカルプトで使用されるツールは次のもので構成されています。

butsirは木とワイヤーで作られた彫刻を作るための道具です。
ターンテーブルは彫刻を作るためのテーブルで、回転させることで動かすことができ、さまざまな方向から形状を制御しやすくする機能があります。
ノミ
木製ハンマー
金型は、ワイヤーボンドを締め、ワイヤーボンドを切断するのに役立ちます。
生地スプーンは、生地を取り、それを像の骨格に取り付けるのに役立ちます
粘土の彫刻を作るには、手で直接手が届きにくい素材や滑らかな表面を拾い上げてパッチを当てたり、追加したりするために、木目とへらが必要です。
製造時に木で作られた彫刻には、ナイフ、斧、ハンマー、のこぎり、サンドペーパーが必要です。
鋼のノミ、鉄のハンマー、グラインダー「グレンダ」の形で使用される石器で作られた彫刻。
金属製の彫刻で、使用される道具はストーブ、鋳物、成形道具、グラインダーです。
「プレートの形の」金属で作られた彫刻に必要な道具は、ハンマー、「壊れた」インレイ、「グレンダ」グラインダーです。
セメントツールで作られた彫刻には、ナイフ、ハンマー、ペンチが必要でした。

彫刻の素材

彫刻では、素材は彫刻の作成における表現の媒体です。材料は、最終製品になるために処理または処理されていない作業の基礎です。素材とは、芸術作品と呼ばれる商品になるように加工または変更された素材です（Rondhi、2003：25）。

彫刻を作る際の材料には、木、金属、石、土、ゴム、プラスチック、 ファイバ, 石膏、など。

それぞれの素材は、その使用において異なる特徴を持っており、高品質の芸術作品を生み出す役割を果たしています。 Bastomi（2003：92）が主張しているように、各材料にはそれを特徴付ける特別な特性があります。材料特性は、次のようないくつかの側面によって決定されます。

（1）素材に含まれる美しさ。それぞれの素材には、特に色の面で独自の美しさがあります。素材の本来の色は、芸術作品の美しさに大きく影響します。

（2）素材の表面の質感や印象。テクスチャ自体は色によって決定できます。波状の色の範囲は、表面が不均一な印象を与える可能性がありますが、色は

彫刻の基本

彫像の要素がわかったので、次にそれらをどうするかを説明します。その過程での彫刻要素の扱いは、彫刻の基本と呼ばれます。彫刻を作るための基本は次のとおりです。

成形と構築

彫刻家は、彫像の要素を配置して彫像を構築することによって機能します。彼が仕事を始めてから、彫刻家はそれらをある建物に組み立てようとしました。

彫像の全体的な形を決定するので、作曲と構築は彫刻家の主な行動です（G. シダルタ、1987：33）。

比較（比率）、調和（調和）および統一（統一）

Mikke Susanto（2011：320）によると、比較または比率は、パーツとパーツの間のサイズ、およびパーツと単一性または全体です。比率は、バランス（バランス）、リズム（リズム、ハーモニー）、ユニティ（ユニティ）と密接に関連しています。比率は、芸術的な美しさを測定および評価するための考慮事項の1つとしても使用されます。

像の形の比較、調和、統一を考慮しなければなりません。良くない比較が1つあると、調和の取れていない印象になります。したがって、彫刻では、バランスの取れた単一の形を作成するために、彫像が適切で調和のとれたサイズになるように、常に比較の問題に注意を払う必要があります。

バランス（バランス）、支配とリズム（リズム）

Mikke Susanto（2011：46）によるバランスは、重りのサイズから材料を調整することとして定義され、芸術的な構成の安定性を強調しています。

彫刻家は、彫像のパーツ間のバランスを考慮してフォームを作成します。彫像の上部と下部、または左右の間でバランスを取り、しっかりとした形にします。

硬くてくすんだ印象を避けるために、彫刻家は彫像の要素を操作してリズムを作り出すことができます。

彫刻作成プロセス

アートを作成する目的は、とりわけ、純粋な美しさを提示するためだけに、確かにさまざまです。感情の溢れ出しがあり、十分でありたいという欲求に駆り立てられています生活。芸術作品の作成は、芸術作品を作成するプロセスを経る必要があります。このプロセスは、何かの変化または発展のシーケンスです（Poerwadarminta、1981：769）。つまり、芸術作品の作成は

アーティストが芸術作品を作成できるように、環境の影響を受けた段階の形で一貫性のある継続的なプロセス。

Lによると。 H。 Chapman（Humar Sahman 1993：119）では、作成プロセスは次の3つの段階で構成されています。

初期

この初期段階は、アイデアを見つけたり、アイデアのソースを見つけたりするための取り組みの形をとっています。この段階は、自然環境の中でインスピレーションやインスピレーションを求める段階とも言えます。インスピレーションを探すことは、アーティストが新しいアイデアを思いつくことです。アーティストが芸術作品を作成するには、強い意欲が必要です。

最初のアイデアを洗練、開発、強化する段階。

完成のこの段階では、それを視覚的なイメージに発展させ、後で実際の形や形を与えることができるようにすることを意味します。したがって、初期段階で発生したアイデアは、この段階でも完全なアイデアに洗練される必要があります。芸術作品を形成するプロセスの後半で、それをデザインまたはデザインの形で簡単に視覚化できるようにします設計。

媒体への視覚化の段階

作成の過程で、最終段階まで完了したい場合は、メディアを使用する必要があります。この媒体自体が、アーティストがアイデアを表現する手段として機能します。初期段階からより多くのアーティストの視覚化の段階まで芸術作品を実現するアーティストインスピレーションを求め、アイデアを完成させ、内部を視覚化する上で積極的かつ創造的な役割を果たします中。

コンセプトやデザインフォームをメディアに注ぎ込むことで、アーティストが芸術作品を簡単に作成および制作できるようになります。媒体は作成プロセスに非常に影響を与えるため、媒体の選択も慎重に検討する必要があります。

彫刻の設計原則

芸術作品は、芸術の要素の組織化の一形態です。アートの要素はそのように構成されているので、意味のある形が作られます。整理の過程で、これらの要素は、美的価値のある作品が得られるように、特定の規則に注意を払って配置されます。視覚要素を整理、配置し、それらを組み合わせて芸術作品を作成する方法をガイドする原則。

美的価値を含んだり、デザインの原則と呼ばれる興味深い視覚体験を呼び起こすことができるように（Sunaryo、2002：6）。デザインの原則は、ファインアートの作成を導く原則としても知られています。作業、特に彫刻では、次のような設計原則に注意を払う必要があります。

残高

残高 （残高） 製造においては、互いに向き合う力の間の状態または類似性であり、視覚的にバランスの取れた印象または仕事の強さを生み出します。バランスには、フォーマルバランスとインフォーマルバランスの2種類があります。正式なバランスとは、1つの軸の反対側の2つのバランスです。一方

非公式のバランスは、不平等またはコントラストの配置の原則を使用し、常に非対称である要素の配置の一方的なバランスです（Kartika、2004：60）。

リズム

リズム （リズム） 視覚要素を繰り返し連続的に配置することで、作成されたものは、その部分の統合を呼び起こす方向と動きの統一性を持っています（Sunaryo、 2002:35). Kartika（2007：82）によると、リズムは芸術作品の要素の繰り返しです。芸術作品の観察や作品の制作過程が非常に重要であるため、美術のリズムは非常に重要です。時間なので、色、構図、線などのリズムを知る必要があります（スーザント、 2002:98).

繰り返しとは、芸術作品のサポート要素の繰り返しです。繰り返しまたは繰り返しは、ラングと時間にある形の違いです。 Sunaryo（2002：35）は、リズムはいくつかの方法で取得できると述べています。 繰り返しは、要素を繰り返すことによって得られるリズムであり、同じ要素を形に配置した結果として、非常に整然とした、単調で退屈な全体のリズムになります。

サイズと色、（2）代替は、視覚要素の繰り返しによって作成されるリズムの形式です。（3） プログレッシブ、 漸進的または漸進的な変化と発展の繰り返しを示すことによって得られるリズムであり、4番目 流れる、 波状、曲がりくねった、連続した流れるような線の配置によって発生する流れるリズムです。

支配

支配または卓越性は、他のものよりも重要であると考えられている芸術作品を楽しむ人々の注意を向けることを意図しています。突出または強調は、強度を与え、対照的な色を使用し、反対のサイズにすることによって行われます。

Sunaryo（2002：36-37）によると、全体として他の部分よりも、役割の突出または部分の突出が支配的です。支配の存在により、要素は均一、同等、または同等に強いようには見えませんが、代わりにフォームの全体性と統一性を強化します。さらに、バストミ（1992：70）は、支配は芸術の核心または芸術の頂点を強調する試みであると述べました。芸術作品を面白くし、その中心となるため、芸術作品の優位性が必要になります。注意。

良い仕事は注目を集めることに重点を置いています（関心の中心). 強調に注意を引く方法はいくつかあります。これは、テクスチャ、色調、線、スペース、形状の間でサイズとコントラストを繰り返すことによって実現されます（Kartika、2007：63）。

比較可能性

比較可能性 （割合） 全体の一部の間の関係の配置です（Sunaryo、2002：31）。問題のパーツの配置は、サイズ、つまりパーツのサイズ、パーツの狭い領域、パーツの短い長さ、またはパーツの高さに関連しています。比例配置の目的は、満足のいく統一が得られるように、適合性とバランスを達成することです。比較可能性は、適合性を実現するために要素サイズと全体の関係を調整する設計原則でもあります。

Unity

Unity （団結） 最も基本的な視覚要素を整理する原則です（Sunaryo、2002：31）。フォーム内の単一性の値は、そのパーツの数によって決定されません。統一性は他の原則の実現によって得られるため、統一性は最も重要で決定的な設計原則です。 Kartika（2007：59）は、統一性は部品の量だけでなく、部品の品質を指すと述べています。

言い換えれば、団結してその要素の間に密接な関係があるので、それはできません互いに分離されており、加算または減算する必要はありません彼に。

上記の説明から、設計原理は基本的に評価に使用されるベンチマークです特に完璧なブレンドを形成するように各要素を整理するのに良い仕事面白い。

芸術作品は、その創作において、それをどのように設計するかから見ることができれば、美的価値があると言えます。良いデザインとは、デザインの原則nに従って作られたデザインです。芸術作品をデザインする際にアーティストが考慮する必要のある8つのデザイン要素、つまり、線、色、テクスチャ、外観、形状、空間、ボリューム、および明暗があります。

一方、設計で考慮する必要があるのは、バランス、リズム、優位性、比例性、および統一性からなる設計原則で設計要素を編成することです。したがって、芸術家がデザインの原則に基づいた配置で芸術の要素を適用した場合、芸術作品は美しさの価値を持っている作品であると言うことができます。

彫刻の例と写真付きの完全な説明

サンプルアート彫刻パターン模倣 (リアリスト/代表) ;

これは自然の形（人間、動物、植物）の模倣です。このパターン化された彫刻の実施形態は、 理学療法プラスチック または、解剖学的構造、比率、および動きの両方の物理的形態。 Hendra、Trubus、Saptono、およびEdySunarsoによる。 EdySunarsoによる模倣的な「解放」彫刻の例。

彫刻の例パターン変形性 ;

つまり、形は自然の模倣から大きく変化しました。自然な形は、彫刻家のアイデアと想像力に従って処理され、構成されます。自然な形から新しい形への変換は、依然として物理的特性に関連しています。架空の幾何学的な形から、立方体のパターンが現れます。このパターンは、次のような彫刻家の作品に見ることができます。しかし、Mochtar、G Sidharta、その他。 Gによる変形彫刻「幸福の女神」の一例。シッダールタ

彫刻の例パターン非比喩的 (概要) ;

つまり、一般に、多くの自然な形がそれらの具体化のために残されています（要約）。抽象的なスタイルは、建設の流れに影響されます。彫刻は、鉄、板、ワイヤー、木、プラスチックなどの材料の配置など、構造の一形態と見なされます。 Gによる非造形彫刻「TonggakSamudra」の例。シッダールタ。

それはについての議論です 「彫刻」の定義＆（タイプ-機能-フォーム-テクニック） このレビューがあなたの洞察と知識に役立つことを願っています、訪問していただきありがとうございます。

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