21 maalauskoulua
Maalauksen kulku - piirustusten ominaisuudet, tyypit, merkit ja esimerkit - Tätä keskustelua varten annamme katsauksen Maalaus Art joka tässä tapauksessa sisältää ymmärryksen, ominaisuudet, tyypit, kuviot ja esimerkkejä kuvista, jotta ymmärrät paremmin ja ymmärrä, katso alla oleva koko arvostelu.
Määritelmä Maalaus
Maalaus on yksi esimerkki puhtaasta taiteesta, jossa etusija asetetaan esteettiselle arvolle käyttöarvon sijaan. Yleensä maalaus on taidemaalarin kuva tai ilmaisu.
Useimmat maalarit löytävät yleensä oman tyytyväisyytensä tuottamaansa työhön. Taiteilijat voivat vapaasti ilmaista itseään maalauksessa siten, että tuotetaan korkea esteettinen arvo.
Maalaus on kaksiulotteista puhdasta taidetta, joka kaadetaan maalausvälineisiin (kangas, paperi jne.) Käyttämällä maalaustyökaluja, kuten maali, lyijykynä ja niin edelleen.
Viivapisteiden, tasojen, muotojen, volyymien, värien, tekstuurien ja valotehosteiden käsitteellä, jolla on esteettinen viittaus, luodaan maalaus, josta sen kauneus voi nauttia.
Pohjimmiltaan maalauksella on viihteen tai viihteen tehtävä sen sisältämän esteettisen arvon kautta.
Maalausvirtojen tyypit
Tässä on joitain tyyppejä: maalausvirtaovat seuraavat:
Uusklassinen maalauskoulu
Ranskan vallankumouksen puhkeaminen vuonna 1789 oli feodalismin loppupiste Ranskassa, jonka vaikutus tuntui myös muualla maailmassa.
Tämä vallankumous ei ole vain muutos poliittisessa järjestyksessä ja yhteiskunnallisessa järjestyksessä, vaan se koskee myös taiteen elämää. Taiteilijat voivat vapaasti seurata sydämensä kutsua, missä he eivät työskentele tilausten takia, vaan haluavat vain maalata.
Joten alkaa historian nykyaikainen maalaushistoria, jolle on tunnusomaista yksilöllisyys ja itsensä eristäminen. Jacques Louis David oli ensimmäinen nykytaiteen maalari. Vuonna 1784 David kuvaili "HORATII-valaa". Tämä maalaus kuvaa Horatiusta, isää, joka seisoi keskellä huonetta ja vannoi valan hänen kolme poikaansa ryhmittyi vasemmalle, kun taas hänen tyttärensä itkivät toista oikein.
Tätä maalausta ei käytetä nautintoon, vaan kouluttamiseen, tietoisuuden lisäämiseen yleisön vastuusta valtiota kohtaan. J.L. David on uusklassisen virtauksen edelläkävijä, jossa uusklassinen maalaus on rationaalista, objektiivista, täynnä kurinalaisuutta ja järjestystä sekä klassista.
Lue aiheeseen liittyviä artikkeleita: Kuvataidenäyttely - toiminnot, elementit, tyypit, tarkoitus ja esimerkit
Uusklassisen maalauksen ominaisuudet
Ovat seuraavat:
- Maalaus on sidottu akateemisiin älyllisiin normeihin.
- Lomakkeet ovat aina tasapainoisia ja harmonisia.
- Värirajat ovat puhtaat ja staattiset.
- Kasvot ovat rauhalliset ja vaikuttavat.
- Sisältää tarinan palatsin ympäristöstä.
- Yleensä liioiteltu.
Merkki Uusklassinen maalauskoulu
J.L. David uusklassikossa on JEAN AUGUAST DOMINIQUE INGRES (1780-1867)
Romanttinen maalaustyyli
Romanttinen liike oli kapina uusklassista koulua vastaan, jonka Jean Jacques Rousseau kutsui takaisin luontoon, ihmisenä, jolla ei ole vain ajatuksia, vaan myös tunteita ja tunteita.
Romanttiset maalaukset näyttävät yleensä:
Asiat, jotka käsittelevät tunteita (vastustavat voimakkaasti uusklassisissa kouluissa) Eksoottiset, kaipuu menneisyyteenKäytetään yleisön tunteisiinKauneus ja hyvännäköinen aina kuvattu.
Romanttisen maalauksen ominaisuudet
Romanttisen virtauksen ominaisuudet ovat seuraavat:
- Maalaukset sisältävät voimakkaita ja tunnepitoisia tarinoita.
- Täynnä liikettä ja dynaamista.
- Värit ovat kontrastisia ja juhlallisia.
- Dynaamiset sävellysasetukset.
- Sisältää katkeruutta ja koskettavia tunteita.
- Mahtavuus ylittää todellisuuden.
Romanttisen maalauksen hahmot
Hahmot ovat:
- Eugene Delacroix
- Theodore Gericault
- Jean Baptiste
- Jean Francois Millet
Todella kapinallinen hahmo, joka ensin istutti romantiikan lipun, oli Teodore Gericault (1791-1824) teoksellaan "RAKIT MENDUSA". Romantiikka tulee ranskalaisesta "roomalaisesta" (tarina), joten tässä tyylilajissa kuvataan aina tarina suuresta teosta tai kauheasta tragediasta.
Naturalismin maalaustyyli
Naturalismi, joka on maalauksen muoto (kuvataide), jossa taiteilija yrittää kuvata kaiken luonnon tai todellisen maailman mukaisesti, mikä tarkoittaa, että se on sovitettu silmiemme mukaan.
Jotta tehdyt maalaukset olisivat hyvin samankaltaisia tai täsmälleen todellisen kanssa, järjestely, vertailu, perspektiivi, tekstuuri, väritys ja tumma valo tehdään mahdollisimman huolellisesti, tarkasti.
Tässä prosessissa yritetään näyttää realistisia esineitä korostamalla luonnollisia asetuksia. Tämä on 1800-luvun realismiliikkeen syventäminen reaktiona romantiikan vakiinnuttamiseen.
Yksi amerikkalaisen naturalismin taiteilijoista oli William Bliss Baker, jonka maisemamaalauksia pidetään tämän liikkeen parhaina realistisina maalauksina.
Tärkeä osa naturalistiliikettä on darwinismin näkemys elämästä ja ihmisten aiheuttamat vahingot luonnolle.
Suorakuvio Naturalismi
Luettelot muun muassa naturalismin virrasta seuraavasti:
- Soeboer Doellah
- William Bliss Baker
- Raden Saleh
- Hokusai
- Affandi
- Fresko-seinämaalaus
- Basuki Abdullah
- William Hogart
- Frans Hail
Realismimaalauskoulu
Realismikuvataiteessa tarkoittaa pyrkimystä esitellä aihe teoksessa sellaisena kuin se esiintyy jokapäiväisessä elämässä lisäämättä tiettyjä koristeita tai tulkintoja.
Merkitys voi viitata myös taiteen pyrkimyksiin näyttää totuutta, jopa piilottamatta pahoja asioita. Taiteellisen realismin keskustelu voi viitata myös kulttuuriliikkeeseen, joka alkoi Ranskassa 1800-luvun puolivälissä.
Teokset realismin ideasta olivat kuitenkin olemassa vuonna 2400 eKr., Jotka löytyivät Lothalin kaupungista, joka tunnetaan nykyään paremmin nimellä Intia.
Realismi kulttuuriliikkenä Realismi tuli tunnetuksi kulttuuriliikkeeksi Ranskassa reaktiona 1800-luvun puolivälissä vakiintuneeseen romantismin käsitykseen. Tämä liike liittyy yleensä läheisesti sosiaaliseen taisteluun, poliittisiin uudistuksiin ja demokratiaan.
Realismi hallitsi sitten taiteen ja kirjallisuuden maailmaa Ranskassa, Englannissa ja Yhdysvalloissa vuosina 1840-1880. Ranskalaisen kirjallisuuden realismin kannattajia ovat nimet Honoré de Balzac ja Stendhal. Vaikka kuuluisia realistisia taiteilijoita ovat Gustave Courbet ja Jean François Millet.
Kuvataiteen realismi Realistiset taiteilijat yrittävät aina esitellä hahmojen, ilmapiirin, dilemmojen ja esineiden jokapäiväistä elämää saavuttaakseen Verisimilituden (hyvin elävän) tavoitteen. Realistiset taiteilijat jättävät yleensä huomiotta teatraalidraamat, aiheet, jotka näkyvät liian avarassa tilassa, ja muut klassiset muodot, jotka ovat olleet suosittuja tuolloin.
Lue aiheeseen liittyviä artikkeleita: Kuvataide - määritelmä, toiminnot, tyypit, esimerkit ja erot
Laajemmassa mielessä realismia esiintyy aina, kun taiteilija yrittää tarkkailla ja jäljitellä luonnossa olevia muotoja. Esimerkiksi renessanssin aikakauden valokuvamaalari Giotto voidaan luokitella taiteilijaksi, jolla on realistista työtä, koska hänen työnsä on jäljitellyt paremmin esineiden fyysistä ulkonäköä ja määrää paremmin kuin mikään yritys sen jälkeen Goottilainen aikakausi.
Rehellisyys esineiden jokaisen yksityiskohdan esittämisessä näkyy myös RembrandtBarbizon-koulun teoksista keskittymällä tarkempaan tarkkailuun luontoon, joka avasi tien sen kehitykselle impressionismi.
Englannissa esirafaeliitien veljeskunta hylkäsi Rafaelin seuraajien idealismin, joka myöhemmin toi intensiivisempään lähestymistapaan realismiin, joka tunnetaan yhtenä realistisista taiteilijoista parhaat.
Trompe l'oeil -tekniikka on taidetekniikka, joka osoittaa erittäin taiteilijan pyrkimyksiä esittää realismin käsite.
Merkki Realismi
Luettelo tunnetuista realismiluvuista on seuraava:
- Karl Briullov
- Ford Madox Brown
- Jean Baptiste Simeon Chardin
- Camille Corot
- Gustave Courbet
- Honoré Daumier
- Edgar Degas
- Thomas Eakins
- Nikolai Ge
- Aleksander Gierymski
- William Harnett
- Louis Le Nain
- douard Manet
- Jean-François Millet
Impressionismi maalaustyyli
Impressionismi on liiketaide1800-luvulta alkaen Pariisista 1860-luvulla. Nimi lainattiin alun perin Claude Monet'n maalauksesta "Impression, Sunrise" ("näyttökerrat, soleillevantti”). Kriitikko Louis Leroy käytti tätä sanaa satiirina artikkelissaan Le Charivari.
Pääasialliset tunnusmerkit impressionismi maalaus on siveltimien vahvuus, kirkkaat värit (jopa monet impressionistiset maalarit, jotka kieltävät mustan, koska niitä ei pidetä osana valosta), avoin sävellys, valaistuksen laadun korostaminen, kohteiden maalaaminen, jotka eivät erotu liikaa, ja kulmat, jotka eivät tavallinen.
Impressionismin vaikutus kuvataiteeseen tunkeutui myös musiikin ja kirjallisuuden aloille.
Selitys impressionismimaalauksesta
Impressionistiset taiteilijat innostuivat alun perin Eugene Delacroixin teorioista, jotka alkoivat tuntea tyytymättömyys akateemisen taiteen kehitykseen tuolloin, joka oli liian keskittynyt taidekouluun klassinen maalaus. Hän väittää, että maalaus ei aina muodostu brittien vuosien varrella kehittämästä liiallisesta viivojen käsittelystä. Toisaalta huolellinen värikenttien käsittely tuottaa maalauksen, joka ei ole yhtä mielenkiintoinen.
Delacroix'n itse voidaan kuitenkin katsoa epäonnistuneen pakenemaan akatemian maalausstandardien vaikutuksesta, koska loppujen lopuksi hänen maalauksensa keskittyvät edelleen ihanteellisiin muotoihin.
Sitten jotkut maalarit rikkovat radikaalisti akateemisia sääntöjä maalauksessa. Tämä maalaus ei enää keskity muotoon yksityiskohtaisesti korostamalla ääriviivoja, määriä ja viivoja. Jätä myös esineen muodon rakenteellinen havainto.
Toisaalta ilmapiiri saadaan kaappaamalla valon vaikutelma (vaikutelma), joka silmän silmäyksellä on kiinni. Tämän seurauksena esineen muoto yksinkertaistuu, toisin kuin naturalismi tai realismimaalaus.
Alussa sisätiloissa ei tehty asetelmamaalauksia ja muotokuvia, vaan myös maisemia. Tämä sai sitten impressionistiset taiteilijat huomaamaan, että on erilainen vaikutelma, jos maalaus tehdään avoimella alueella tarkkailemalla suoraan luotua esinettä.
He käyttävät lyhyen, rikkoutuneen ja samalla puhtaan värin vetoja (tarkoittaen, ettei niitä ole tarkoitus sekoittaa palettiin) antaakseen maalaukselle elämän. Maalauksen painopiste siirtyy sitten kokonaisvaikutelmalle eikä tietyn kohteen yksityiskohdille.
Impressionismin jatkokehitys oli havainto, että näkökulman ero oli tärkeämpi kuin impressionismin tekniikka itsessään. Impressionismi on itse asiassa liikkeen, asennon ja sävellyksen taidetta valon vaikutelmista, jotka kaadetaan kirkkaina ja vaihtelevina väreinä.
1800-luvun lopulla ihmiset alkoivat uskoa, että impressionismi oli selkeä ja rehellinen elämään, vaikka taiteellisesti ei ole oikea lähestymistapa teosten tekemiseen.
Lue aiheeseen liittyviä artikkeleita: "Taideteoksen" määritelmä ja (historia - toiminto - muoto - muoto - esimerkki)
Impressionistisen taideliikkeen huippu tapahtui Ranskassa melkein samaan aikaan kuin muissa maissa, muun muassa Italiassa taidemaalari Macchiaiolin kanssa ja Yhdysvalloissa taidemaalari Winslow Homerin kanssa.
Impressionismista tuli edelläkävijä muiden nykytaidekoulujen, kuten postimpressionismin, fauvismin ja kubismin, kehittämisessä.
Impressionistisen maalauksen ominaisuudet
Ovat seuraavat:
- Lyhyet, paksut siveltimen vedot luonnoksen tyyliin, jotta taidemaalarin on helpompi kaapata kohteen ydin yksityiskohtien sijaan.
- Väri saadaan sekoittamalla käytettyjä maalipigmenttejä mahdollisimman vähän. Verkkokalvon oletetaan sekoittavan värit optisesti.
- Varjot luodaan sekoittamalla täydentäviä värejä (mustaa ei käytetä varjona).
- Maalin ei saa kuivua, jotta se korvataan seuraavalla värillä.
- Maalin läpinäkyvyysominaisuuksien käsittelyä vältetään.
- Tutkimalla mahdollisimman yksityiskohtaisesti valon heijastuksen luonnetta esineestä, jota sitten käytetään maalauksessa.
- Työskenteli ulkona (en plein air)
Itse asiassa tämä ominaisuus löytyy melkein muista kouluista, mutta vain impressionismilla on tämä ominaisuus kokonaisuutena tarkoituksella.
Romantiikka Maalaustyyli
Romantiikka on taiteen tyyli, joka yrittää näyttää fantastisia, irrationaalisia ja kauniita asioita.
Tämä tyylilaji kuvaa romanttisia tarinoita kauheista tragedioista, dramaattisista tapahtumista, jotka yleensä esiintyvät romanssitarinoissa.
Esineen kuvaus on vähemmän kuin todellisuus, värit ovat eloisampia, liike on ketterämpää, mies on miehisempi.
Romanttisen virtauksen ominaisuudet
Romanttisen virtauksen ominaisuudet ovat seuraavat:
- Maalaukset sisältävät voimakkaita ja tunnepitoisia tarinoita.
- Täynnä liikettä ja dynaamista.
- Värit ovat kontrastisia ja juhlallisia.
- Dynaamiset sävellysasetukset.
- Sisältää katkeruutta ja koskettavia tunteita.
- Mahtavuus ylittää todellisuuden.
Ekspressionismi maalaustyyli
Ekspressionismi on koulu, joka asettaa etusijalle vapaan sisäisen vuodon. Vapaa tutkimaan esineitä, jotka syntyvät sisämaailmasta, mielikuvituksesta ja tunteista.
Esitetyt esineet sisältävät kauhua, väkivaltaa, köyhyyttä, surua ja muita haluja ihmisten käyttäytymisen takana.
Ekspressionismin tienraivaajat: Vincent Van Gogh, Paul Gaugiuin, Ernast Ludwig, Karl Schmidt, Emile Nolde, JJ. Kandinsky ja Paul Klee. Indonesiassa näitä kannattajia ovat: Affandi, Zaini ja Popo Iskandar.
Kubismin maalaustaide
Kubismi on Picasso ja Braque edelläkävijä nykytaiteen liike 1900-luvun alussa. Kuubismissa yleisiä perusperiaatteita ovat esineiden muodon kuvaaminen leikkaamalla, vääristämällä, päällekkäin, yksinkertaistamalla, läpinäkyvyydellä, muodonmuutoksella, järjestelyllä ja erilaisilla ulkoasuilla.
Tämä liike alkoi maalauksen ja kuvanveiston välineissä heidän lähestymistapojensa kautta kubismiin, hänen työnsä muotoihin käyttäen geometrisia muotoja (kolmiot, suorakulmiot, kartiot, kuutiot, ympyrät jne.) Kuubistitaiteilijat käyttävät usein kollaasitekniikoita, kuten liimaamalla sanomalehtiä, julistekuvia ja jne.
Kubismi nonimatiivisen tyylin alullepanijana syntyi sen jälkeen, kun Picasso ja Braque tutkivat ja vaikuttivat muotoon primitiiviset taiteet, kuten liberialaiset veistokset, egyptiläiset uskonnot ja heimojen naamiot Afrikka.
Siellä on myös vaikutusta Paul Cezannen maalauksiin, erityisesti asetelmiin ja maisemiin, jotka esittävät uusia geometrisia muotoja rikkomalla renessanssin perspektiivin. Se painaa molempiin tiputtavan uuden virran.
Itse termi "kaali" syntyi useiden kriitikoiden havaintojen ansiosta. Louis Vauxelles (ranskalainen kriitikko) nähtyään Braque-teoksen Salon des Independentsissa kommentoi sitä Braquen työ pienentää kaiken pieniksi kuutioiksi pieni).
Gil Blas viittaa Braquen maalauksiin bizzarries-kuubeiksi. Samaan aikaan Henri Matisse kutsuu sitä pienikokoisten kuutioiden järjestelyksi. Joten tästä lähtien termiä kubismi käytettiin kuvaamaan tällaisten teosten kulkua.
Varhainen kehitys
Kehityksen alkuvaiheessa kubismille tehtiin analyyttinen vaihe, jota jatkettiin synteettisessä vaiheessa. Vuosina 1908-1909 kubismi muuttui heti monimutkaisemmaksi mallissa, joka oli sitten systemaattisempi, vaihteli vuosina 1910-1912. Tätä alkuvaihetta kutsutaan usein analyyttiseksi kubismiksi, koska maalauksen kohde on analysoitava. Kaikki maalauksen osat on jaoteltava viisteiksi tai kuutioiksi.
Joskus maalauksen kohde näyttää olevan piirretty tarkalleen edestä, kun taas toinen puoli näkyy takaa tai sivulta. Ihmisten kasvot tai eläimen pää paljastetaan tällä tavalla, ensi silmäyksellä sivulta katsottuna silmillä, jotka tulisi nähdä edestä.
Tässä analyyttisen kubismin vaiheessa taiteilijat ovat todellakin lausuneet maalauksen neljännen ulottuvuuden, nimittäin avaruuden ja ajan, koska vanhat perspektiivikuviot on hylätty.
Vaikka analyyttisellä jaksolla sekä Braque että Picasso olivat edelleen kahleissa rajoitetulla luovuudella, se oli erilainen synteettisen kubismin vaiheessa.
Pennut eivät ole enää kiinnittyneinä niiden kolmen päävärin aivohalvauksiin. Myös heidän teostensa teemat ovat monipuolisempia. Rohkeudella jättää tavaramerkkinsä näkökulmasta siirtyä seuraavalle innovatiiviselle tasolle.
Lue aiheeseen liittyviä artikkeleita: "Silkkipainon taide (silkkipaino)" Määritelmä ja (vaiheet - miten se toimii)
Pentujen työn jatkokehitys oli heidän huomionsa todellisuuteen. Lisäämällä leikkauksia sanasta tai lauseista, jotka on otettu paperista colle-sanomalehdestä, ja liittämällä ne sitten kankaalle geometrisen koostumuksen muodostamiseksi. Tällaisia liimakokeiluja kutsutaan yleisesti kollaasitekniikoiksi.
Merkki Kubismin maalaustaide
Luettelo kubistimaalareista muun muassa seuraavasti:
- Paul Cezane
- Pablo Picasso
- George Braque
- Metzinger
- Albert Glazez
- Mutta Mochtar
- Moctar Apin
- Aamunkoite
- Andre Derain
Fauvismi Maalaustyyli
Fovismion maalauslaji, jolla oli melko lyhyt elämä ennen modernin taiteen aikakauden alkua. Nimi fauvismi tulee Louis Vauxcellesin satiirisanasta "fauve" (villieläin) milloin kommentoi Salon d'Automne -näyttelyä artikkelissaan 17. lokakuuta 1905 julkaistulle Gil Blas -lisälehdelle, sivu 2.
Tämän virtauksen suosio alkaa Pariisin Le Havresta Bordeaux'hin. Käsitteellinen kypsyys saavutettiin vuonna 1906.
Fauvismi on koulu, joka arvostaa ilmaisua maalattavan ilmapiirin vangitsemisessa. Toisin kuin impressionismin teokset, fauvistimaalarit väittävät, että värien harmonia ei ole ajelehtia luonnon todellisuuden kanssa se osoittaa taiteilijan henkilökohtaisen suhteen luontoon että.
Fauvismin peruskäsite voidaan jäljittää ensimmäistä kertaa vuonna 1888 Paul Gauguinin kommenteista Paul Sérusieriin:
“Kuinka näet nämä puut? Ne ovat keltaisia. Joten, laita keltainen; tämä varjo, melko sininen, maalaa se puhtaalla ultramariinilla. Nämä punaiset lehdet? Laita vermilion.”
"Kuinka tulkitset noita puita? Keltainen, lisää siis keltainen. Sitten varjo näyttää hieman siniseltä, joten lisää ultramariini. Punertavat lehdet? Lisää vain tuhoeläin. "
Kaikki objektiiviseen ja realistiseen havaintoon liittyvä, kuten naturalistisessa maalauksessa tapahtuu, korvataan emotionaalisella ja mielikuvituksellisella ymmärryksellä. Tämän seurauksena tilan väri ja konsepti tuntuvat runollisilta.
Käytettyjä värejä ei selvästikään enää mukauteta kentän väreihin, vaan ne noudattavat taidemaalarin henkilökohtaisia toiveita.
Viivojen käyttöä fovismissa yksinkertaistetaan, jotta maalauksen katsoja voi havaita kirkkaiden ja vahvojen viivojen läsnäolon. Tämän seurauksena kohteen muoto on helposti tunnistettavissa ilman, että tarvitsee ottaa huomioon monia yksityiskohtia.
Fauvistiset taidemaalarit vaativat kapinaa maalauksen perustamista vastaan, jota oli pitkään auttanut tieteen objektiivisuus, kuten mitä tapahtui impressionistisessa koulussa, vaikka edellisten maalareiden tietämystä heistä vastustettiin edelleen maali. Tämä pätee erityisesti tämän tyylilajin suosion alkuaikoina vuosina 1904-1907.
Tämän koulun varhainen vaikutus voi olla peräisin Paul Cezannen, Gustave Moreaun, Paul Gauguinin ja Vincent van Goghin uraauurtavista teoksista.
Vaikka taidemaalari ei osallistunut fovismiliikkeeseen ja oli eri aikakaudella kuin tämän koulun alusta, mutta hänen työstään tuli referenssi nuorille maalareille, joista myöhemmin tuli Fauvistinen taidemaalari.
Vaikka fauvismin virtaus oli vain lyhytaikainen, siitä tuli seuraava virstanpylväs modernin taiteen käsitteessä.
Fauvismi maalaus vuokaavio
Luettelo fovismimaalareista muun muassa seuraavasti:
- Henri Matisse
- Andre Derain
- Georges Braque
- Albert Marquet
- Henri Manguin
- Charles Camoin
- Henri Evenepoel
- Jean Puy
- Maurice de Vlaminck
- Raoul Dufy
- Othon Friesz
- Georges Roua
Dadaismi maalauskoulu
Dadaismi syntyi ensimmäisen maailmansodan puhkeamisen takia. Hänen luonteensa sanotaan olevan anti-taiteellinen, tunteenvastainen ja heijastaa taipumusta ja väkivaltaa.
Hänen teoksensa ovat outoja, kuten kopioida Monalisan maalaus ja antaa viikset, antaa pisuaarille otsikko ja asettaa se esille. Käytetään myös kollaasimenetelmiä, kuten puuta ja käytettyjen tavaroiden romuja.
Merkki Dadaismi maalauskoulu
Tämän tyylilajin hahmot: Juan Gross, Max Ernst, Hans Arp, Marcel Duchamp ja Picabia.
Futurismin maalaustyyli
Futurismi on maalaustyyli, joka syntyi vuonna 1909. Tämä virtaus välittää liikkeen kauneuden ja nähdään katkaisijana kubismin virtaukselle, jota pidetään staattisena koostumukseltaan, linjaltaan ja väriltään.
Futurismi on niin omistettu liikkeelle, että maalauksissa koiria kuvataan yli neljällä jalalla.
Merkki Futurismin maalaustyyli
Tämän tyylilajin hahmot: Umberto, Boccioni, Carlo Cara, Severini, Gioccomo Ballad ja Ruigi Russalo.
Surrealismi maalaus tyyli
Surrealismi oli alun perin liike kirjallisuudessa, jonka Apollinaire löysi kutsumalla draamaansa. Vuonna 1024 Andre Bizton käytti sitä viittaamaan maalauksen kuvioihin.
Surrealistinen tyyli yrittää luovuudessaan vapauttaa itsensä tietoisuuden hallinnasta, haluaa vapautta silloin on taipumus olla realistinen, mutta silti outoissa suhteissa.
Merkki Surrealismi maalaus tyyli
Surrealismin pioneerit: Joan Miro, Salvador Dali ja Andre Masson. Indonesiassa sitä voidaan kutsua: Sudibio; Sudiardjo ja Amang Rahman.
Abstrakcionismi maalaus tyyli
Abstrakti taide maalauksessa on taidetta, joka yrittää ottaa esineet, jotka tulevat sisämaailmasta. Kohde voi olla fantasia, mielikuvitus ja ehkä taiteilijan intuitio. Koska se tulee sisältä. Abstrakti taide on jaettu kahteen pääryhmään, nimittäin:
a. Abstrakti ekspressionismi
Abstraktilla Amerikalla on kaksi suuntausta, nimittäin:
- Color Field Painting, joka on maalaus, joka näyttää leveät kentät ja kirkkaat värit.
Hahmo
Pioneerit: Mark Rothko, Clyfford Stll, Adolf Gotlieb, Robert Montherwell ja Bornet Newman.
- Toimintamaalaus, nimittäin maalaus, joka ei koske tärkeätä muotoa, on sen maalaus tai tapa maalata. Hahmot ovat: Jackson Polack, Willem de Koning ja Frans Kliner; Twarkovin sisko.
Ranskassa abstraktia ekspressionismia seuraa: H. Hartum Gerard Schneider, G. Mathiew ja Pierre Souloges. Sitten edelläkävijä nimi Technism: Wols Aechinsky ja Asger Yorn.
b. Geometrinen tiivistelmä
Abstraktia geometriaa kutsutaan myös ei-objektiiviseksi taiteeksi. Kandinskyn edelläkävijä. Sen jälkeen syntyi muita geometrisia tiivistelmiä eri nimillä, mukaan lukien:
- Suprematismi, joka on maalaus, joka kuvaa muumian geometristen muotojen abstraktiota Kasimir Malevichin luonteen kanssa.
Konstruktivismi, kolmiulotteinen taidetyyli, joka pyrkii näyttämään abstrakteja muotoja käyttämällä moderneja materiaaleja, kuten lanka, rauta, puu ja muovi.
Hahmo
Hahmot: Vladimir Tatlin, Antonic Pevner, Naum Gabo ja A. Rodehenko. Alexander Calderia, koska hänen veistoksensa voi liikkua, kutsutaan Amerikassa mobilismiksi, liikkuvaa veistosta kutsutaan kineettiseksi veistokseksi. Minimitaide sisältyy myös konstruktivismiryhmään. Tämä taide on syntynyt korkean teollisuustekniikan tilanteen vuoksi ja hänen työnsä on yleensä aristektuaalista.
- Neoplastismi (De Stijil), joka on abstrakti taidetyyli, joka näyttää täsmällisten tieteiden universaalisuuden. Tämä koulu yrittää palauttaa värin perusväreihin ja kulmamuotoihin. Sen hahmot ovat Piet Mondarian, Theo Van Daesburg ja Bart Van Leck.
- Op-taide (optinen taide), joka tunnetaan myös nimellä verkkokalvotaide, on maalaustyyli, jonka kuvaus on geometrinen järjestely siistillä toistolla, kuten shakkilauta. Tämä työ herättää huomiota sen loistavien värien vuoksi ja näyttää pettävän silmän avaruuden illuusiosta. Tämän mallin hahmot: Victor Vaserelly, Bridget Riley, Yacov Gipstein ja Todasuke Kawayama.
Maalaus- ja käsityöliike Aliran
Taide- ja käsityöliike oli brittiläinen, kanadalainen ja amerikkalainen esteettinen liike, joka tapahtui 1800-luvun lopulla - 1900-luvun alussa. Innoittamana John Ruskinin kirjoitukset ja käsityöläisensä ylpeä käsityöläinen romanttinen idealisointi, noin 1880 ja 1910.
Tämä taide- ja käsityöliike on uudistusliike, joka vaikuttaa arkkitehtuuriin, koristetaiteeseen, käsityötaiteisiin ja myös William Robinsonin tai Gertrude Jekvllin "mökki" -suunnitteluun. Jotkut kuuluisista nimistä ovat William Morris, Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Elbert Hubbard, Walter Crane, Nelson Dawson, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, William De Morgan, Ernest Gimson, William Lethaby, Edward Schroeder Prior, Frank Lloyd Wright, Gustav Stickley, Greene & Greene, Charles Voysey, Christopher seinä.
Taide- ja käsityöliike alkoi esteettisenä tyylinä 1800-luvulla ja reaktiona viktoriaanisen aikakauden historiallisten tyylien ja teollisen vallankumouksen koneiden elpymiseen.
Koneita pidetään ongelman juurina, jotkut tämän liikkeen alullepanijoista ja kannattajista alkoivat muuttua käytöstä koneista tulee käsityöt, jotka keskittyvät yleensä teollisuustuotteisiin käsin mutta tuloksin tyydyttävä.
Tähän asti, kun taide- ja käsityöliikkeestä tuli merkittävä vaikutus teollisuuteen, se ei ollut oikeastaan andi-teollisuusliike eikä anti-moderni.
Jotkut eurooppalaiset ryhmät uskovat edelleen, että koneita tarvitaan edelleen, mutta ne tekivät vain jotain, joka vaatii paljon tuotantoa ja samaa.
Samalla taiteen ja käsityön liikkeen johtajat kokivat, että myös esineitä tarvitaan. Tuotantolaadun ja suunnittelun välinen ristiriita samoin kuin yritykset yhdistää nämä kaksi, hallitsivat keskustelua ennen 1900-lukua.
Punainen talo, Bexleyheath, Lontoo (1859), kirjoittanut Philip Webb Morrisille, on esimerkki varhaisesta työstä tällä kaudella. Tämä on yritys ilmaista pintarakenteita epätavallisilla materiaaleilla, kuten kivellä ja laatoilla, epäsymmetrisillä rakennuskoostumuksilla.
1890-luvun lopulla Amerikassa ryhmä arkkitehteja, suunnittelijoita ja neuvonantajia Bostonissa päätti luoda uuden muotoilumallin Willian Morrisin tekemät Englannissa Amerikkaan, he kutsuvat järjestämään esineiden näyttelyn alus. Kun käsityöläiset, kuluttajat ja tuottajat tajusivat tämän taiteen potentiaalin ja kauneuden, Bostonissa alkoi uudelleensuunnitteluprosessi.
Amerikan ensimmäinen taide- ja käsityönäyttely pidettiin 5. huhtikuuta 1897 Copley Hallissa, jossa oli esillä yli 1000 esinettä, joita valmisti 160 käsityöläistä, joista puolet oli naisia. Jotkut tämän näyttelyn kannattajista ovat Langford Warren, Harvardin arkkitehtuurin perustaja Mrs. Richard Morris Hunt. Arthur Astor Carey, Edwin Mead ja Will Bradley, jotka ovat graafisia suunnittelijoita.
Taide- ja käsityöliikkeen vaikutus leviää ympäri maailmaa:
Euroopassa Taide ja käsityöt -liikkeen laatu ja yksinkertaisuus sekä materiaalien käyttö inspiroivat suunnittelijoita kuten Henry van de Velde ja muut taideliikkeet, kuten jugendtyylinen, hollantilainen De Stijl, Vienna Secession ja Bauhaus. Tämän liikkeen voidaan ajatella modernisoitumisen, jossa puhdasta muotoa ja fragmentteja historiallisista yhdistyksistä käytetään jälleen teollisuudessa.
Yhdysvalloissa Taide ja käsityöt -liike näkyi enemmän porvariston makuun. Kun liike Euroopassa pyrki luomaan teollisuuden murtaman käsityömaailman, Amerikka yrittää luoda uuden resurssin käsityön korvaamiseksi: kuten luokkahuone keskipitkällä. Lyhyesti sanottuna American Arts and Crafts -liike oli päinvastainen poliittiselle liikkeelle.
Art Nouveau -maalauskoulu
Art Nouveau on kansainvälinen muotoilu-, arkkitehtuuri- ja soveltavan taiteen, erityisesti koristetaiteen, liike ja tyyli, joka huipentui 1900-luvun vaihteessa. Art Nouveau -nimi tulee ranskasta, mikä tarkoittaa uutta taidetta, jota kutsutaan myös saksaksi Jugendstiliksi "nuorisotyyliksi". 1800-luvun akateemisen taiteen reaktiolla on orgaanisten esineiden, etenkin kukkien ja kasviaiheiden, piirteet, vaikuttavan kauniita, lineaaristen käyrien mukana.
Aluksi Art Nouveau ja Jugendstil eivät olleet tyylinimiä, ja nämä tyylit otettiin käyttöön useista eri tarroista, jotka levisivät useissa paikoissa. Nämä kaksi nimeä tulivat Siegfried Bing L'Art Nouveau -galleriasta Pariisissa ja Jugend-lehdestä Münchenistä.
Art Nouveau -huipun huippu tuntui kaikkialla Euroopassa 15 vuoden ajan. Hahmot ovat Hector Guimard. Victor Horta -lehdet, kuten Jugend, auttoivat levittämään sitä Saksassa, Wienin secessionistit vaikuttivat taiteeseen Itävallassa ja Unkarissa.
Art nouveau vaikutti myös henkilöihin, kuten Gustav Klimt, Charles Rennie Mackintosh, Alfons Mucha, René Lalique, Antoni Gaudí ja Louis Comfort Tiffany, joilla kummallakin on erilainen työskentelytapa.
Vaikka jugend menetti arvostuksensa 1900-luvun ja modernin tyylin saapuessa, art nouveau nähdään nyt selvästi linkkinä uusklassisen historian ja modernisoinnin välillä. Lisäksi UNESCO on tunnustanut jugendtyylisen muistomerkin yhdeksi historiallisista rakennuksista.
Jugend-lehden etukansi Saksassa vuonna 1896, Cover of Wren's City Churches by Arthur Mackmurdo (1833), Cover of the book Arthur Mackmundon Wren's City -kirkkoja rytmisillä kasvikuvioillaan pidetään usein taiteen varhaisena oivalluksena. uusi. Samanaikaisesti japanilaisten kaiverrusten tasainen perspektiivi ja voimakkaat värit, erityisesti Katsishika Hokusain, veistävät jugendtyylin.
Vaikka jugend on yleensä ilmeinen diffuusisessa lokalisoinnissaan, osa sen ominaisuuksista näkyy sen muodoissa. Kermann Obristin (1894) julkaisema kuvaus Cyclamen by Pan -lehdestä tuli tunnetuksi jugendin leviämisen aikana.
The Whiplashista ei vain tullut tunnetumpaa, vaan termistä "whiplash" tuli sovellus ajan taiteilijoiden luomiin käyriin. Piiskan koristeet, jotka on muodostettu dynaamisista, häiritsemättömistä viivoista ja kulkeutuvat rytmissä, löytyvät koko arkkitehtuurista, maalauksesta, veistoksesta ja muista jugendtyylistä muotoilusta.
Art Nouveau -tyyliä pidetään kokonaistaiteena, mikä tarkoittaa, että se on tyyli, joka sisältää muotoilun suuressa mittakaavassa, arkkitehtuuri, sisustus, koristetaide, mukaan lukien korut, huonekalut, tekstiilit, hopeaesineet ja jotkut Kuvataide.
Jugendtyylin kehitys tuntui Pariisissa vuonna 1900 järjestetystä Exposition Universellesta, joka edusti modernia tyyliä eri medioissa. Tämä tunnetaan sitten paremmin nimellä Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna vuonna 1902 Torinossa, Italiassa, missä suunnittelijat esittelivät jokaisessa Euroopan maassa, jossa oli jugendtyylinen harjoiteltu.
Art Deco -maalaustyyli
Art Deco oli suosittu kansainvälinen taidemuotoiluliike vuosina 1925–1939, joka vaikutti koristetaiteeseen kuten arkkitehtuuri, sisustus ja teollisuus sekä kuvataide kuten muoti, maalaus, graafinen suunnittelu ja taide elokuva. Tuolloin teema oli tyylikäs, hohdokas, toimiva ja moderni.
Tämä liike on sekoitus useista 1900-luvun alun tyyleistä ja liikkeistä, mukaan lukien uusklassinen, konstruktivismi, kubismi, modernismi, jugendtyylinen ja futurismi. Sen suosio huipentui Euroopassa Roaring Twenties -kaudella ja jatkui voimakkaasti Yhdysvalloissa 1930-luvulle saakka. Vaikka monilla muotoiluliikkeillä on poliittisia juuria ja filosofiaa, art deco on puhtaasti koristeellinen.
Art Deco kaatui 30-luvun lopulla ja 40-luvun alussa, ja yleisö unohti pian. Art Deco koki toisen renessanssin graafisen suunnittelun suosion myötä 1980-luvulla. Art Deco vaikutti moniin myöhempiin taideliikkeisiin, kuten Memphis ja Pop art.
Art deco -suunnittelun vaikutus ilmaistaan kubismin ja koristeellisen futurismin kaltaisissa muodoissa. Muita suosittuja teemoja ovat puolisuunnikkaan muotoinen, siksak-, geometrinen ja sekamuotoinen muoto, jotka näkyvät varhaisissa teoksissa. Esimerkki tästä tyylistä ja teemasta on Detroitissa, Michiganissa: Fisher Building ja Guardian Building.
Art decolla on luonne materiaalien, kuten alumiinin, ruostumattoman teräksen, lakan ja puun, käytössä. Eksoottiset materiaalit, kuten hain ja seepran iho, ovat myös näkyvissä. Lihavoitujen muotojen ja kaarien (toisin kuin jugendtyylille ominaiset kiemurtelevat muodot) käyttö, Chevron-kuviot ja aurinkomaiset kuviot ovat art deco -tyyppejä.
Art deco -tyylin erityinen tyyli vaikutti useisiin muihin sen tyyppisiin liikkeisiin sen laskun jälkeen. Art Deco vaikutti myöhempiin tyyleihin, kuten Memphis ja Pop Art. Art Deco vaikutti myös postmoderniin arkkitehtuuriin ja tyyliin 1970-luvulla. Art Deco näyttää vaikuttaneen myös nykytaiteeseen.
De Stijlin maalauskoulu
De Stijl (tyylin jälkeen; Hollantilainen "tyylin" kieli, joka tunnetaan nimellä neoplastismi, on liike vuonna 1917, kausi de stijl on myös sen lehden nimi, joka hollantilaisen taidemaalarin, suunnittelijan, kirjailijan ja kriitikon Theo van Doesburgin (1883-1931) julkaisemana ryhmään kuului Piet Mondrian (1872-1944), Vilmos Huszàr (1884-1960) ja Bart van der Leck (1876-1958) sekä arkkitehdit Gerrit Rietveld (1888-1964), Robert van 't Hoff (1887-1979) ja J.J.P. Oud (1890-1963). neoplastisuus - uusi muovitaide (tai hollantilainen Nieuwe Beelding).
Nimi De Stijl on peräisin Gottfried Semperin Der Stil in den technischen und tektonischen Künsten oder Käytännön estetiikka (1861-3), jossa ympyrät antavat väärän vaikutelman materialismista ja funktionalismi.
Yleensä de stijl näyttää yksinkertaisuutta ja abstraktuutta arkkitehtuurissa ja maalauksessa, käyttäen vain suoria pystysuoria ja vaakasuoria viivoja ja neliönmuotoja. Lisäksi ne rajoittuvat perusväreihin, punaiseen, siniseen ja keltaiseen sekä mustaan, valkoiseen ja harmaaseen.
Ne välttävät symmetriaa ja tasapainoa opposition kanssa, liikkeen elementti on toinen de stijlin merkitys: "pylväs, tukku tai tuki", tämä näkyy monissa teoksissa, jotka käyttävät puu.
Kolmiulotteisessa työssä pysty- ja vaakasuorat viivat sijoitetaan ei-leikkaaviin kerroksiin, jolloin kukin elementti on näkyvissä häiritsemättä muita elementtejä. Tällaisia asioita löytyy Rietveld Schröderin talosta ja punaisesta ja sinisestä tuolista.
De Stijlin liikkeeseen vaikuttivat kubistiset maalaukset, kuten mystiikka ja neoplatoninen geometristen muotojen ihanne. De Stijlin työ vaikutti Bauhausiin ja kansainvälisiin tyyleihin ja kansainvälisiin arkkitehtonisiin tyyleihin, kuten vaatteisiin ja sisustukseen.
Se ei kuitenkaan noudata muotoilukouluja yleisesti "ismisinä" (kubismi, futurismi, surrealismi) eikä Bauhausin kaltaisten taidekoulujen periaatteita.
Musiikissa De Stijl vaikutti Mondrianin läheisen ystävän Jakob van Domselaerin työhön. Vuosina 1913-1916 hän sävelsi Mondevenin maalauksen innoittamana Proeven van Stijlkunstin (taiteelliset kokeilut).
De Stijlin jäsenten työ levisi ympäri maailmaa, mutta De Stijlin näyttelyt on järjestetty hyvin. Museoita, joissa on monia De Stijlin kokoelmia, ovat Haagin Gemeentemuseum), jossa monet Mondrianin teokset ovat, ja Amsterdamin Stedelijk-museo, jossa on paljon Rietveldin ja Van Doesburgin teoksia.
Utrechtin Centraal-museossa on Rietveldin suurin kokoelma, ja se sisältää Rietveld Schröderin talon, Rietveldin viereisen "show-talon" ja Rietveld Schröderin arkiston.
Konstruktivismimaalauskoulu
Kazimir Malecivh käytti ensimmäistä kertaa termiä rakennustaide pilkkaa kuvaamaan Alexander Rodchenkon työtä vuonna 1917. Konstruktivismi nousi positiiviseksi termiksi Naum Gabon realistisessa manifestissa 1920-luvulla.
Konstruktivismi kasvoi ensimmäisen maailmansodan aikana venäläisen futurismin aikana ja erityisesti Vladimir Tatlinin vuonna 1915 pidetystä "kulman vastahelpotuksesta".
Termin itse keksivät kuvanveistäjät Antoine Pevsner ja Naum Gabo, joka kehitti teoksen teollinen ja jäykkä, kun abstrakti ja geometrinen muoto kuuluvat Kazimirin suprematistille malevich.
Tämän uuden liikkeen opetuspohjan antoi Valistusministeriö (NARKOMPROS), hallituksen opetus- ja kulttuuriministeriö. Anatoli Vasilyevich Lunacharskyn johtamat bolsevikit kukistivat Petrogradin Kuvataideakatemian ja Moskovan maalaus-, veistos- ja arkkitehtuurikoulun vuosi 1918.
IZO Narkomprosin (Valaistumisen osaston kuvataiteen osaston komissaari) sihteeristön toimisto, jonka futuristit avasivat Venäjän sisällissodan aikana, julkaisee Art of The Commune -lehteä. Moskovan konstruktivismin painopiste on vuonna 1919 perustettu VKhUTEMAS, taiteen ja muotoilun koulu.
Gabo ymmärsi myöhemmin, että koulun opetus keskittyi enemmän poliittisiin ja ideologisiin kysymyksiin kuin taiteen tekemiseen. Lisäksi Gabo itse suunnitteli radiolähetyksen 1920-luvulla (ja toimitti suunnitelman Neuvostoliiton palatsin kilpailulle vuonna 1930).
Konstruktivismi teoriana ja käytäntönä on saanut nimensä keskusteluista Moskovan INKhUKissa (Taiteellisen kulttuurin instituutti) vuosina 1920-1922. Ensimmäisen konstruktivistiryhmän (Luibov Popova, Alexander Vesnin, Rodchenko, Varvara Stepanova ja teoreetikko Aleksei Gan, Boris Arvatov ja Osip Brik) ovat päässeet konstruktivismin määritelmään laskujen yhdistelmänä: esineiden ja tektoniikan erityiset aineelliset ominaisuudet sekä avaruuden ja paikan tietoisuus.
Aluksi konstruktivistit työskentelivät rakentamisen kolmessa ulottuvuudessa ensimmäisenä askeleena teollisuudessa; OBMOKhU (nuorten taiteilijoiden seura) -näyttely esittelee kolmiulotteisen sävellyksen Rodchenko, Stepanova, Karl Ioganson ja Stenbergin veljekset. Tulevaisuudessa määritelmä laajennettiin yksiulotteiseen suunnitteluun, kuten kirjojen kannet, julisteet montaasilla ja faktografiatekniikat ovat tärkeitä käsitteitä.
Vladimir Tatlin (1885-1953) oli IZO Narkomprosin Moskovan osaston johtaja (Valaistumisen kuvataiteen osaston komissaari). kauan ennen kuin hän laati suunnitelmia kuuluisasta teoksestaan Model of the Monument to the Third International, joka valmistui vuonna 1920. Abstraktina vaihtoehtona figuratiivisille monumenteille.
Kuvataiteessa tyyliä kutsutaan `` konstruktivismiksi '', kun käytetty taide (joka on saatu) arkkitehti Sullivanin hyödyllisestä lauseesta "muoto seuraa funktiota") sitä kutsutaan " funktionalismi'.
"Kaikilla luonnossa olevilla asioilla on muoto, toisin sanoen muoto, ulkoinen näkö, joka kertoo meille, mitä ne ovat, mikä erottaa heidät itseltämme ja toisiltamme... Se on kaiken orgaanisen ja epäorgaanisen, kaiken yli-inhimillisen, kaiken tosi laki ilmaukset pään, sydämen, sielun, että elämä on tunnistettavissa sen ilmaisulla, että muoto seuraa aina toimintoja. Tämä on laki. " (Rowland 1973: 40).
Konstruktivismi perustuu abstraktien, toiminnallisten ja hyödyllisten arvojen idealismiin. Käytettävyysarvo on hallitsevin arvo. Konstruktivismissa oletetaan, että taiteen on oltava hyödyllistä ja helppo seurustella laajemmalle yhteisölle. Että taiteessa ei ole eroa ylemmälle luokalle (porvaristo) ja alemmalle luokalle (proletariaatti).
Konstruktivistisen liikkeen, jonka Tatlin oli eturintamassa, uraauurtavat taiteilijat osoittivat käytännön suunnittelu massatuotantoon keinona taiteen integroimiseksi jälleenrakentamiseen Julkinen.
Kommunististen vaatekappaleiden, tekstiilien, huonekalujen, arkkitehtuurin ja tasaisen jakautumisen kautta koko kaupungin konstruktivistit ovat etsineet luomusta täydellinen esteettinen muotoilu muuttamaan Neuvostoliiton yhteiskunnan tavanomaista käyttäytymistä tai kuten he kutsuvat "järjestämään pyschiä hierojat ".
Constructvistillä on taiteellinen näkemys, joka kattaa ihmiskunnan kognitiivisen, aineellisen toiminnan ja yleiset hengelliset näkökohdat. Taiteilijat yrittävät luoda teoksia, jotka kykenevät ottamaan katsojan pois perinteestä ja tekemään heistä aktiivisen teoksen tuntijan.
Siksi konstruktivistit loivat uuden geometrisiin muotoihin perustuvan "visuaalisen sanakirjan", jonka he uskoivat voivan puhua kaikille. He käyttävät tätä “visuaalista sanakirjaa” maalausten, huonekalujen, muotisuunnittelun, arkkitehtuurin ja niin edelleen muodossa.
Konstruktivismi on vastaus tekniikan ja elämäntavan muutoksiin tuolloin. Konstruktivismi on idealistisen liikkeen alku. Tämä on johtanut muutoksiin taiteessa, jonka tarkoituksena on luoda uusi viesti taiteessa ja arkkitehtuurissa, joka viittaa sosiaalisiin ja taloudellisiin ongelmiin.
Konstruktivismityylissä käytetään paljon perusmuotoja, kuten kolmioita, suorakulmioita, ympyröitä ja suorakulmioita. Usein käytettyjä materiaaleja ovat puu, selluloidi, nailon, plexilasi, pahvi, tina, lanka.
Jotkut konstruktivisteista opettivat Bauhaus-koulussa, ja siellä otettiin käyttöön ja kehitettiin VKhUTEMAS-opetusmenetelmä. Gabo antoi 1930- ja 1940-luvuilla version konstruktivismista Englannissa, joka hyväksyttiin arkkitehdit, suunnittelijat ja taiteilijat toisen maailmansodan jälkeen, kuten Victor Pasmore ja John Mc Hale.
Joaquin Torres Garcia ja Manuel Rendón, jotka tarjosivat keinot konstruktivismiliikkeen levittämiseen Euroopassa ja Latinalaisessa Amerikassa. Konstruktivistisella liikkeellä oli syvä vaikutus nykyaikaisiin Latinalaisen Amerikan maestroihin, kuten: Carlos Merida, Enrique Tábara, Anibal Villacís, Theo Constanté, Oswaldo Viteri, Luis Molinari, Estuardo Maldonado, Carlos Catasse ja Oscar Niemeyer.
Arkkitehti Zaha Hadidin, Rem Koolhaasin ja muiden dekonstruktivistinen arkkitehtuuri teki konstruktivismista lähtökohdan työlle 20-luvun lopulla ja 2000-luvun alussa.
Zaha Hadid, abstraktien kolmioiden ja neliöiden muodossa olevissa luonnoksissaan ja piirustuksessaan, saa aikaan konstruktivismin esteettisen puolen. Vaikka muodollisesti melkein sama, venäläisen konstruktivismin sosialistinen poliittinen merkitys korostaa Hadidin dekonstruktivistista koulua.
Futurismin maalaustaide
Futurismi on taideliike, joka on syntynyt Italiasta 1900-luvun alussa. Se on laajalle levinnyt ilmiö Italiassa, tuolloin siellä oli myös liike Venäjällä, Englannissa ja muualla. Italialainen kirjailija Filippo Tommaso Marinetti on sen perustaja ja vaikutusvaltaisin henkilö.
Hän käynnisti liikkeen futuristisessa manifestissaan, joka julkaistiin ranskalaisessa sanomalehdessä Le Figaro 20. helmikuuta 1909. siellä Marinetti ilmaisi halunsa omaksua jotain uutta, erityisesti politiikkaa ja perinteitä.
"Emme halua mitään osaa siitä, menneisyydestä", hän kirjoitti, "me nuoret ja vahvat futuristit!" Futuristi ihailee, nopeutta, tekniikka, nuoruus ja suuruus, autot, lentokoneet, teollisuuskaupungit ja kaikki, mikä kuvaa ihmisen tekniikan imperiumia yllä luonnollinen.
Futuristi kouluttaa jokaisessa taidevälineessä, kuten maalauksessa, veistoksessa, keramiikassa, graafisessa suunnittelussa, teollisessa suunnittelussa, teatterissa, elokuvissa, muoti-, tekstiili-, kirjallisuus-, musiikki-, arkkitehtuuri- ja gastronomia-alalla.
Marinettin vahva tahto vaikutti pian useisiin milanolaisiin maalareihin Umberto Boccioniin, Carlo Carràan ja Luigi Russoloon - jotka halusivat välittää ideoitaan kuvataiteessa. (rusollo oli säveltäjä ja esitteli futurismin ajatuksen sävellyksissään_maalari Giacomo Balla ja Gino Severini tapasivat marinettit vuonna 1910 ja he tekivät Futuristin manifestin Maalarit.
Futuristimaalarit kehittivät hyvin hitaasti erityistyyliään. Vuosina 1910 ja 1911 he käyttivät divisialismin tekniikkaa, valoa ja värejä, jotka putosivat taiteilijan pisteiden ja viivojen yhteen osaan, luoneet Giovannu Segantini ja muut.
Myöhemmin Pariisissa asunut Severini alkoi omaksua kubismin. Kubismi auttoi heitä analysoimaan maalauksen energiaa ja ilmaisemaan dynaamisuutta. Kubismin omaksuminen päätti futuristisen maalauksen tyylistä, ja Boccioni ja Severini jatkoivat divisioonan värejä ja lyhyitä viivoja.
Mutta futuristimaalarit poikkesivat toisistaan aiheesta ja tavasta omaksua kubismi, kuten Picasso, Braque ja Gris.
Vuosina 1912 ja 1913 Boccioni kääntyi veistoksen puoleen ja käänsi sen kolmiulotteisiksi taideteoksiksi. Avaruuden jatkuvuuden ainutlaatuisissa muodoissa (1913) hän tajusi esineiden muodon ja niiden ympäristön välillä, mikä on teoria "dynaamisuuden" perusta / Tämä patsas kuvaa asteikon, joka on valmistettu pronssista ja joka on esillä Tateessa Galleria.
Hän tutki lisää teemoja synteesistä ihmisen dynaamisuudesta (1912), ylinopeuden lihaksista (1913) ja kiihtyvien lihasten kierteestä (1913).
Hänen veistosideonsa julkaistiin Futuristiveistoksen teknisessä manifestissa, ja vuonna 1915 Balla kääntyi taiteen puoleen veistoksia luomalla uusia rekonstruktioita, joissa käytetään erilaisia materiaaleja, jotka voivat liikkua ja jopa aiheuttaa ääni.
Hän sanoi, piirtäessään noin 20 kuvaa, hän oppi nopeudesta, hän ymmärsi, että "koneet kancassa eivät" osaa kuvata äänenvoimakkuutta, nopeutta ja syvyyttä, mielestäni minun on luotava monimutkainen dynamiikka rautalangalla, kankaalla ja paperilla kudoksiin.
Antonio Sant'Elia oli 1900-luvun vaikutusvaltaisin arkkitehti. Hänen modernisointiajat ilmaistiin hänen luonnoksissaan "La Città Nuova" ("Uusi kaupunki") (1912-1914).
Kuutofuturismi on venäläinen futurismikoulu, johon kubismi vaikutti ja joka kehitettiin vuonna 1913.
Edeltäjiensä tapaan venäläiset futuristit - Velimir Khlebnikov, Aleksey Kruchenykh, Vladimir Mayakovsky, David Burlyuk - ovat pakkomielle dynaamisuudesta, nopeudesta ja urbaanista elämäntavasta. He etsivät kiistaa ja yrittävät saada yhteisön jättämään vanhat taiteet.
Tämä liike tuli turhaksi vallankumouksen jälkeen vuonna 1917. Monet sen jäsenistä muuttivat pois. Taiteilijoista, kuten Mayakovich ja Malevich, tuli Neuvostoliiton ja Agitpropin jäseniä vuonna 1920. Khlebnikovia rangaistiin heidän uskostaan. Futurismimusiikki hylkää perinteet ja esittelee 1900-luvun säveltäjien esittämän kokeellisen musiikin.
Francesco Balilla Pratella liittyi futuristiliikkeeseen vuonna 1910 ja kirjoitti futurististen muusikoiden manifestista mihin hän kutsuu marrinettin kaltaisia nuoria, koska ehkä vain he ymmärtävät mitä haluavat hän toimitti. Italialaista musiikkia hallitsee ooppera. Futurismi on yksi 1900-luvun musiikkitaiteen monista liikkeistä.
Futurismi vaikutti moniin 1900-luvun liikkeisiin, kuten art deco, vorticismi, konstruktivismi, surrealismi ja dada. Futurismi päättyi vuonna 1944 Marinettin kuolemana johtajana, sitten futurismi otettiin haltuun tulevaisuutta kuvaavissa fiktioteoksissa.
Futurismin idea on edelleen länsimaisessa kulttuurissa. Nuoruus, nopeus, voima ja tekniikka ilmaistaan nykyaikaisessa elokuvassa ja kulttuurissa. Kuten manga / anime, Marinettin sanat vaikuttavat joihinkin länsimaisiin elokuviin. Futurismi aiheutti useita reaktioita, kuten cyberpunk, Internetin syntyminen.
Bauhausin maalauskoulu
Se on arkkitehtoninen tyyli (tyyli), jonka Walter Gropius perusti vuonna 1919. Kansainvälisen tyylin edelläkävijä ja esitteli käsitteen "muoto seuraa toimintoa", eli rakennuksen muoto seuraa rakennuksessa olevia toimintoja. Bauhausilla oli suuri vaikutus maailmanarkkitehtuuriin.
Saksan Bauhaus-instituutin historia
Bauhaus on kuvake taiteen ja arkkitehtuurin kehityksestä, joka syntyi Manner-Euroopan teollisen vallankumouksen seurauksena 1900-luvun alussa. Bauhaus on koulu, jolla on taiteen ja teollisuuden välinen rauhan ideologia. Bauhausin syntymää edelsi Deutscher Werkbundin muodostuminen 9. lokakuuta 1907 Münchenissä, Saksassa.
He halusivat löytää ratkaisuja saksalaisten muotoilutuotteiden laadun parantamiseksi. Pyrkimykset irrottautua Manner-Euroopassa, mukaan lukien, kehittyneistä konservatiivisista muotoilun idioomeista Saksa vuosisatojen ajan, joten Deutscher Werkbund tunnetaan modernismin edelläkävijänä arkkitehtuuri. Henry-Russel Hitchcock ja Philip Johnson suosittivat sitten Deutscher Werkbundia kansainvälisenä tyylinä Modernin arkkitehtuurin näyttelyssä New Yorkin modernin taiteen museossa, vuonna 1932.
Ideologisten erimielisyyksien vuoksi vuonna 1914 Deutscher Werkbund jakautui kahtia, josta tuli Peterin johtama Typisierung-ryhmä. Behrens ja Mutheseus sekä Kunstwollen-ryhmä, jota johtavat Henry van de Velde, Hugo Haering, Hans Poelzig ja Bruno linkki.
Walter Gropius oli osa Kunstwollen-ryhmää, joka lopulta perusti Bauhausin Saksan Wiemarin kaupunkiin vuonna 1919.
Bauhausin syntymää leimasi kaksi asiaa. Teollisuusmaailman vaatimusten lisäksi suunnittelukysymyksissä, jotka ovat joustavampia ja jotka voidaan valmistaa sarjatuotantona, heitä kannustetaan myös suunnittelun vallankumous Art-Deco-tyylin kehityksestä Pariisissa Ranskassa ja De-Stijl-ryhmän Rotterdamissa, Alankomaissa, ajanjaksolla sama.
Bauhaus asettaa etusijalle modernin suunnittelun perusperiaatteiden luomisen, kun taas Art-Deco keskittyy enemmän sovelluksen tuloksiin. Mutta molemmilla on sama tavoite, nimittäin saada suunnittelutyöt kuulumaan kaikille ihmisille.
Alussa Bauhaus keskittyi taiteeseen ja käsityöhön, joten Bauhausin opettajat hallitsivat taiteilijat ja käsityöläiset, etenkin modernit taidemaalarit kuin arkkitehdit, vaikka perustajat olivatkin nuoria arkkitehteja veteraani.
Taidehahmot Bauhausissa ovat Paul Klee, Oskar Schlemmer, Wassily Kandinsky, El Lissitzky, Lazlo Moholy-Nagly, Marcks, Feinninger, Munche Schlemmer ja Johannes Itten. Heidät tunnetaan nimellä Master of Form ja ovat enimmäkseen Venäjältä.
Bauhausin maalaukset ovat enimmäkseen kubismia ja ekspressionismia, joka on nykyajan venäläisten maalareiden vaikutus konstruktivismityyliin. Teollisuuden nopea kehitys ja kodinkoneiden lisääntyvä tarve sekä muutos maatalouden yhteiskunnasta teolliseksi yhteiskunnaksi seurauksena teollinen vallankumous - huonekalujen ja muiden kodinkoneiden, joita hallitsevat enimmäkseen metalli, nahka ja lasi, suunnittelu on alkanut kiinnittää huomiota Indonesiassa Bauhaus.
Teollisuustuotteiden kokeelliset lomakkeet otti käyttöön nuori Bauhaus-johtaja Josef Albert (1888-1976). Huonekalutuotteiden merkittävimmät ja edelleen tuotetut tuotteet ovat suunnittelija Marcel Bruerin teoksia, kuten Wassily-tuoli ja B32-tuoli. Bauhaus-taide on edelleen suunnittelijoiden kirjallisuutta sekä huonekalujen, maalauksen, muotisuunnittelun että muodin aloilla tähän päivään asti.
Taidehahmot Bauhausissa ovat Paul Klee, Oskar Schlemmer, Wassily Kandinsky, El Lissitzky, Lazlo Moholy-Nagly, Marcks, Feinninger, Munche Schlemmer ja Johannes Itten. Heidät tunnetaan nimellä Masters of Form.
Bauhausin maalaukset ovat enimmäkseen kubismia ja ekspressionismia, joka on nykyajan venäläisten maalareiden vaikutus konstruktivismityyliin. Teollisuuden nopea kehitys ja kodinkoneiden lisääntyvä tarve sekä muutos maatalouden yhteiskunnasta teolliseksi yhteiskunnaksi seurauksena teollinen vallankumous - huonekalujen ja muiden kodinkoneiden, joita hallitsevat enimmäkseen metalli, nahka ja lasi, suunnittelu on alkanut kiinnittää huomiota Indonesiassa Bauhaus.
Bauhaus on kuvake taiteen ja arkkitehtuurin kehityksestä, joka syntyi Manner-Euroopan teollisen vallankumouksen seurauksena 1900-luvun alussa. Bauhausin taide ja arkkitehtuuri on koulu, jolla on taiteen ja teollisuuden välisen rauhan ideologia.
Bauhausin syntymää edelsi Deutscher Werkbundin muodostuminen 9. lokakuuta 1907 Münchenissä Saksassa, jonka aloitti 2 (kaksi) arkkitehteä, Theodor Fischer ja Hermann Mutheseus. Deutscher Werkbund on keskusteluryhmän nimi, joka koostuu nuorista taiteilijoista, nuorista arkkitehdeistä, nuorista kirjailijoista, nuorista käsityöläisistä ja teollisuudessa, joka alusta alkaen koostui 12 taiteilijasta ja 12 alan omistajasta ja jota pidettiin tuolloin keskiluokan ryhmänä että.
He halusivat löytää ratkaisuja saksalaisten muotoilutuotteiden laadun parantamiseksi. Lisäksi tämä keskustelu johtaa myös pyrkimykseen irtautua Indonesiassa kehittyneistä konservatiivisista muotoiluaidioista Manner-Eurooppa, myös Saksa vuosisatojen ajan, joten Deutscher Werkbund tunnetaan modernismin edelläkävijänä arkkitehtuuri.
Henry-Russel Hitchcock ja Philip Johnson suosittivat sitten Deutscher Werkbundia kansainvälisenä tyylinä Modernin arkkitehtuurin näyttelyssä New Yorkin modernin taiteen museossa, vuonna 1932.
Bauhaus on seurausta 2 (kahden) taidekoulun fuusiosta; Kunstgewerbeschule (Saksin suurherttuan taideteollisuuskoulu) ja Hochschule Fuer Bildendekunst (Saksin suurherttuan kuvataideakatemia).
Bauhaus-koulutusjärjestelmä muistutti alun perin Shaolin-buddhalaisista temppeleistä löytyvää järjestelmää, jonka keskeinen teema oli muotoilun alalla. Opiskelijoille annettiin suunnittelukoulutus käytännön työmenetelmillä, joihin oli sekoitettu rituaaleja hengitysharjoituksia, fyysisiä harjoituksia, meditaatiota ja harjoituksia kasvisruokavaliota ja käyttää käytännön työpajoja ja ruokaloita sosiaalisen vuorovaikutuksen keskuksina Bauhausin asukkaiden välillä opiskelija.
Tämän järjestelmän esitteli nykyaikainen taidemaalari Johannes Itten, joka liittyi Bauhausin opettajaksi vuonna 1920 ja hoivasi uusia opiskelijoita johdantoluennoissa.
Itten oli aiemmin opiskellut mystiikkaa muinaisessa persialaisessa itäfilosofiassa. Tämä mystinen koulutusmenetelmä kesti, kunnes Itten lopetti Bauhausin vuonna 1923.
Bauhausin syntymää leimasi kaksi asiaa. Teollisuusmaailman vaatimusten lisäksi suunnittelukysymyksissä, jotka ovat joustavampia ja jotka voidaan valmistaa sarjatuotantona, heitä kannustetaan myös suunnittelun vallankumous Art-Deco-tyylin kehityksestä Pariisissa Ranskassa ja De-Stijl-ryhmän Rotterdamissa, Alankomaissa, ajanjaksolla sama.
Bauhaus asettaa etusijalle modernin suunnittelun perusperiaatteiden luomisen, kun taas Art-Deco keskittyy enemmän sovelluksen tuloksiin. Mutta molemmilla on sama tavoite, nimittäin saada suunnittelutyöt kuulumaan kaikille ihmisille.
Ei rajoitu vain aristokraatteihin. Joten sen kehittämisessä on vaikea erottaa Bauhausin vaikutusta art-deco-suunnitteluun, erityisesti maalauksen, huonekalusuunnittelun, tekstiilisuunnittelun ja muodin aloilla.
Alussa, kun Bauhaus perustettiin Wiemarin kaupunkiin, arkkitehtuurialalle ei ollut kiinnitetty erityistä huomiota. 'Suunnittelutemppeliin' osallistuvat arkkitehdit Bauhaus puhuvat vain arkkitehtuurista suunnittelun haarojen mittakaavassa rakennusmateriaalisuunnittelun muodossa. Kun Bauhaus muutti Wiemarin kaupungista Dessaun kaupunkiin vuonna 1926, uudelle arkkitehtuurialalle kiinnitettiin erityistä huomiota.
Tämä näkyy uudessa Bauhaus-kampuksella Dessaussa, jonka on suunnitellut Walter Gropius rakennuksen ulkonäöllä. kuusikulmainen, litteä katto, symmetrinen ja ilman koristeita, josta alkoi tulla suuntaus Saksassa tuolloin että. Rakennuksen komponentit koostuvat esivalmistetusta betonista, raudoitetusta betonista, lasista ja metallista massatuotannon muodossa.
Uusi Bauhaus-rakennus koostuu studiotilasta, taidepajasta, teatterista, auditoriosta, kuntosalista, luennoitsijan huoneesta ja ruokalasta sekä harjoittelevasta arkkitehtitoimistosta Walter Gropiusille. Vuonna 1927 perustettiin uusi arkkitehtuurin osasto, vuosi muuton jälkeen Dessaussa.
Kun Bauhausin johto siirtyi Walter Gropiusista Hannes Meyeriin - kokenut sveitsiläinen arkkitehti - vuonna 1928, arkkitehtikoulutusohjelma keskittyi tarkemmin kaupungin ongelmaan, joka perustuu nykyiseen sosiaaliseen todellisuuteen, jossa tehtaan työntekijöiden asumiselle on kysyntää kasvun vuoksi ala.
Joten ilmestyvä arkkitehtuuri on yksinkertaisten rakennusten muodossa, halpa ja se voidaan purkaa, huonekalut mukaan lukien.
Pohjimmiltaan Bauhaus-arkkitehtuurille on ominaista merkittävä suunnitelma, jossa on toimintaa ja toimintoja tilojen välillä toisiinsa liittyvät rakenteet - joista suurin osa on tehdasrakennuksia - vapautetaan arkkitehtonisen tyylin ja koristelu.
Lisäksi se on myös korkea kerrostalo paljastamalla portaita tai hissejä ja lasiseiniä. Arkkitehtuurin alueella Bauhausin vaikutus tuntuu vielä nykyäänkin, koska Bauhaus on onnistunut vapauttamaan vanhan perinteen arkkitehtuuri on historiallisen kreikkalaisen romanssin muotoinen ja tasoitti tietä arkkitehtoniselle kehitykselle moderni.
Vaikka sen jälkeen se sai terävän kritiikin modernin arkkitehtuurin kehityksestä virta-Kansainvälinen tyyli. Bauhausista on kuitenkin tullut uuden ideologian muotoilija muotoilun alalla, vaikka sen elämä ei ole niin pitkä.
Pop Art -maalauksen virtaus
Termi pop-taide syntyi ensin brittiläisen kriitikon, Lawrence Allowayn kirjoituksista vuoden lopussa 1950-luku, mikä havainnollistaa hänen näkemäänsä nykyaikaisen atitunal-muutoksen aiheessa ja tekniikassa taide.
Ei sisällä harvinaista sisältöä, kuten myyttejä tai legendoja, jotka ovat perinteisesti olleet kuvataiteen aiheita Pop-taide inspiraationa on länsimainen tuotemainosten kulttuuri.
Suosittu Englannissa 1950-luvun puolivälissä ja Amerikassa 1960-luvun alussa, Pop-taide keskittyä esineisiin, jotka löytyvät usein jokapäiväisestä kaupallisen taiteen omaksumisesta. Samaan aikaan monet taiteilijat mukauttavat myös suosittua kulttuuria, kuten elokuvista, sarjakuvista, mainoksista jne.
Milton Glaserin julisteet
1960-luvun suosituista kulttuureista, kuten musiikista, taiteesta, muotoilusta ja kirjallisuudesta, tuli entistä helpommin saatavilla ja heijastivat jokapäiväistä elämää. Tarkoituksellisesti ja selvästi pop-taide kehittyi reaktiona abstraktiin taiteeseen. Alla oleva kuva on Milton Glaserin juliste, joka korostaa Marcel Duchampin siluettityyliä yhdistettynä pyöreään kalligrafiaan. Tulostettuna yli 6 miljoonaa kappaletta.
Andy Warhol ei ole ensimmäinen taiteilija, joka on soveltanut mainontaa taiteeseen, tähän asti hänet on tunnustettu harjoittajaksi pop-taide parhaat. Teoksillaan, "200 Campbellin keittoastiaa" (1962) ja "Marylin Monroe Diptych" (1962), Warhol yritti nostaa mekaanista toistoa kuvataiteen asemasta.
Andy Warhol - “Marylin Monroe Diptych” (1962)
Pop-taide suunniteltu yhteisöön ja yhteisöön, vaikka sen voivat tehdä vain tietyt ihmiset. Suosio pop-taide sitten haalistui 60-luvun lopulla ekspressionistisen abstraktin taiteen tulon jälkeen, mutta nyt pop-taide on jälleen alkanut olla kysynnässä, ja kahden taidevirran suosio on nyt erittäin suuri.
Siitä keskustelu Maalauksen kulku - piirustusten ominaisuudet, tyypit, merkit ja esimerkit Toivon, että tämä arvostelu voi lisätä tietoa teille kaikille, kiitos paljon vierailustanne. 🙂 🙂 🙂