21 maalikooli
Maalivoog - jooniste omadused, tüübid, tegelased ja näited - Selle arutelu jaoks esitame ülevaate Maalikunst mis antud juhul sisaldab piltide mõistmist, omadusi, tüüpe, jooniseid ja näiteid, nii et paremaks mõistmiseks ja mõistmiseks vaadake täielikku ülevaadet allpool.
Maali määratlus
Maal on üks näide puhtast kunstist, mis seab esikohale esteetilise väärtuse, mitte kasutusväärtuse. Üldiselt on maal maalija pilt või väljend.
Enamik maalijaid leiab oma toodanguga tavaliselt ise rahulolu. Kunstnikud saavad end maalikunstis vabalt väljendada, nii et toodetakse kõrge esteetilise väärtusega teos.
Maalimine on kahemõõtmeline puhas kunst, mis valatakse värvimiskeskkonda (lõuend, paber jne), kasutades selleks maalimisvahendeid nagu värv, pliiats ja nii edasi.
Esteetilise viitega joonepunktide, tasapindade, kujundite, mahtude, värvide, tekstuuride ja valgusefektide kontseptsiooniga luuakse maal, mida saab nautida selle ilu poolest.
Põhimõtteliselt on maalil meelelahutuse või meelelahutuse funktsioon selles sisalduva esteetilise väärtuse kaudu.
Maalivoogude tüübid
Siin on mõned tüübid: maalivool, on järgmised:
Uusklassikaline maalikool
Prantsuse revolutsiooni puhkemine 1789. aastal oli feodalismi lõpp-punkt Prantsusmaal, mille mõju oli tunda ka mujal maailmas.
See revolutsioon ei ole mitte ainult poliitilise korra ja ühiskonnakorra muutus, vaid puudutab ka kunstielu. Kunstnikel on vabadus järgida oma südame kutset, kus nad ei tööta mitte tellimuste tõttu, vaid tahavad lihtsalt maalida.
Nii algab ajaloo kaasaegse maali ajalugu, mida iseloomustab individualiseerimine ja isoleeritus. Jacques Louis David oli esimene maalija tänapäeva areenil. Aastal 1784 kirjeldas David "HORATII vandet". Sellel maalil on kujutatud isa Horatiust, kes seisis keset tuba vande andmist tema kolm poega kogunesid vasakul, tütred aga teisel eks.
Seda maali ei kasutata nautimiseks, vaid selleks, et harida ja sisendada avalikkuse teadlikkust nende vastutusest riigi ees. J.L. David on uusklassikalise voolu pioneer, kus uusklassikaline maal on ratsionaalne, objektiivne, täis distsipliini ja korda ning on klassikaline.
Lugege seotud artikleid materjali kohta: Kujutava kunsti näitus - funktsioonid, elemendid, tüübid, eesmärk ja näited
Uusklassikalise maalistiili omadused
On järgmised:
- Maal on seotud akadeemiliste intellektuaalsete normidega.
- Vormid on alati tasakaalus ja harmoonilised.
- Värvipiirid on puhtad ja staatilised.
- Nägu on rahulik ja muljetavaldav.
- Sisaldab lugu paleekeskkonnast.
- Kipub liialdama.
Iseloom Uusklassikaline maalikool
J.L. järglane David uusklassikas on JEAN AUGUAST DOMINIQUE INGRES (1780-1867)
Romantiline maalimisstiil
Romantiline liikumine oli mäss uusklassikalise kooli vastu, kuhu Jean Jacques Rousseau kutsus tagasi looduse juurde, inimesena, kel pole mitte ainult mõtteid, vaid ka tundeid ja emotsioonid.
Romantilised maalid kipuvad näitama:
Asjad, mis tegelevad inimese tunnetega (neoklassikalistes koolides on tugevalt vastu) Eksootilised, igatsus mineviku järele. Kasutatakse publiku tunnete jaoks. Ilu ja hea välimus alati kujutatud.
Romantilise maali tunnused
Romantilise voolu tunnused on järgmised:
- Maalid sisaldavad võimsaid ja emotsionaalseid lugusid.
- Liikumist täis ja dünaamiline.
- Värvid on kontrastsed ja pidulikud.
- Dünaamilise kompositsiooni seaded.
- Sisaldab kibedust ja puudutavaid tundeid.
- Ägedus ületab tegelikkuse.
Romantilise maali tegelased
Tähemärkide hulka kuuluvad:
- Jevgeni Delacroix
- Theodore Gericault
- Jean Baptiste
- Jean Francois Millet
Tõeliselt mässumeelne kuju, kes istutas kõigepealt romantismilipu, oli Teodore Gericault (1791-1824) oma teosega "RAKIT MENDUSA". Romantism pärineb prantsuse "roomlasest" (lugu), nii et see žanr kirjeldab alati lugu suurest teost või kohutavast tragöödiast.
Naturaalsuse maali stiil
Naturaalsus, mis on maalimisvorm (kujutav kunst), mille puhul kunstnik üritab kõike kujutada vastavalt loodusele või reaalsele maailmale, see tähendab, et see on kohandatud meie pilkupüüdvusele.
Selleks, et tehtud maalid oleksid väga sarnased või täpselt reaalsega, tehakse paigutus, võrdlus, perspektiiv, tekstuur, värvimine ja tume valgus võimalikult täpselt, täpselt.
Selles voos üritatakse kuvada realistlikke objekte, rõhutades looduslikke seadeid. See on 19. sajandi realismiliikumise süvendamine reaktsioonina romantika kehtestamisele.
Üks naturalismi kunstnikke Ameerikas oli William Bliss Baker, kelle maastikumaale peetakse selle liikumise parimateks realistlikeks maalideks.
Naturalistliku liikumise oluline osa on darvinismi vaade elule ja inimeste loodusele tekitatud kahju.
Voo joonis Naturaalsus
Muuhulgas järgmine naturalismi voolu jooniste loetelu:
- Soeboer Doellah
- William Bliss Baker
- Raden Saleh
- Hokusai
- Affandi
- Fresko seinamaaling
- Basuki Abdullah
- William Hogart
- Frans Hail
Realismi maalikool
Realismkujutavas kunstis tähendab jõupingutusi teema esitamiseks teoses sellisena, nagu see igapäevaelus ilmneb, lisamata teatud kaunistusi või tõlgendusi.
Tähendus võib viidata ka kunsti püüdele tõde näidata, isegi halbu asju varjamata. Realismi arutelu kunstis võib viidata ka kultuuriliikumisele, mis algas Prantsusmaal 19. sajandi keskel.
Realismi ideega teosed eksisteerisid aga tegelikult aastal 2400 eKr, mis leiti Lothali linnast, mis on nüüd rohkem tuntud kui India.
Realism kui kultuuriliikumine Realism sai kultuuriliikumisena kuulsaks Prantsusmaal kui reaktsioon 19. sajandi keskel väljakujunenud romantismi mõistele. See liikumine on tavaliselt tihedalt seotud sotsiaalse võitluse, poliitiliste reformide ja demokraatiaga.
Seejärel domineeris aastatel 1840–1880 Prantsusmaal, Inglismaal ja Ameerika Ühendriikides kunsti- ja kirjandusmaailmas realism. Prantsusmaalt pärit kirjandusrealismi pooldajate seas on nimed Honoré de Balzac ja Stendhal. Kui kuulsatest realistidest kunstnikeks on Gustave Courbet ja Jean François Millet.
Realism kaunites kunstides Realistlikud kunstnikud püüavad alati esitada tegelaste igapäevaelu, atmosfääri, dilemmasid ja esemeid, et saavutada Verisimilitude (väga elus) eesmärk. Realistlikud kunstnikud kipuvad ignoreerima teatridraamasid, liiga laias ruumis ilmnevaid teemasid ja muid sel ajal populaarseid klassikalisi vorme.
Lugege seotud artikleid materjali kohta: Kujutav kunst - määratlus, funktsioonid, tüübid, näited ja erinevused
Laiemas mõttes tekib realism alati, kui kunstnik üritab looduses vorme täpselt jälgida ja jäljendada. Näiteks renessansiajastu fotomaalija Giotto võib liigitada realistlike töödega kunstnikuks, sest tema töö on paremini jäljendanud esemete füüsilist välimust ja mahtu kui ükski katse pärast seda Gooti ajastu.
Ausust iga detaili kuvamisel võib näha ka RembrandtBarbizoni kooli töödest keskendudes lähemale loodusvaatlustele, mis sillutas siis tee selle arenguks berkembang impressionism.
Inglismaal lükkas prerafaeliitide vennaskond tagasi Rafaeli järgijate idealismi, mis hiljem kaasa tõi ühe realistlikuma kunstnikuna tuntud intensiivsema lähenemisega realismile parim.
Trompe l'oeili tehnika on kunstitehnika, mis näitab äärmiselt kunstniku pingutusi realismi kontseptsiooni esitlemisel.
Iseloom Realism
Tuntud realismitegelaste loetelu on järgmine:
- Karl Briullov
- Ford Madox Brown
- Jean Baptiste Simeon Chardin
- Camille Corot
- Gustave Courbet
- Austatud Daumier
- Edgar Degas
- Thomas Eakins
- Nikolai Ge
- Aleksander Gierymski
- William Harnett
- Louis Le Nain
- douard Manet
- Jean-François Millet
Impressionismi maali stiil
Impressionism on liikuminekunstsajandist alates Pariisist 1860. aastatel. Nimi tsiteeriti algselt Claude Monet'i maalilt "Mulje, päikesetõus" ("muljed, ainuslevant”). Kriitik Louis Leroy kasutas seda sõna satiirina oma artiklis Le Charivari.
Peamised omadused impressionismimaal on pintslitõmbe tugevus, erksad värvid (tegelikult keelavad paljud impressionistlikud maalijad musta värvi, sest seda ei peeta valgusest), avatud kompositsioon, rõhuasetus valguskvaliteedile, objektide maalimine, mis ei paista eriti silma, ja nurgad, mis mitte tavaline.
Impressionismi mõju kujutavas kunstis tungis ka muusika ja kirjanduse valdkonda.
Impressionismi maali selgitus
Impressionistlikud kunstnikud olid algselt inspireeritud tundma hakanud Eugene Delacroixi teooriatest rahulolematus akadeemilise kunsti arenguga tollal, mis oli liiga keskendunud kunstikoolile klassikaline maal. Ta väidab, et maalimist ei moodusta alati joonte liigne töötlemine, nagu britid on aastate jooksul välja töötanud. Teiselt poolt annab värviväljade hoolikas töötlemine maali, mis pole vähem huvitav.
Delacroixi ennast võib aga pidada suutmatuks akadeemia maalistandardite mõju eest põgeneda, sest lõppude lõpuks keskenduvad tema maalid siiski ideaalvormidele.
Siis rikkusid mõned maalijad radikaalselt maalimisel akadeemilisi reegleid. See maal ei keskendu enam üksikasjalikult kujundile, rõhutades kontuure, mahtusid ja jooni. Jätke ka objekti kuju struktuurne vaatlus.
Teiselt poolt saadakse atmosfäär valguse mulje (mulje) jäädvustamisel, mis on silmapilk haaratud. Selle tulemusel muutub eseme kuju lihtsamaks, erinevalt naturalismist või realistlikust maalimisest.
Alguses tehti siseruumides mitte ainult natüürmordimaale ja portreesid, vaid ka maastikke. See ajendas siis impressionistlikke kunstnikke leidma, et on erinev mulje, kui maal on tehtud avatud alal otse jälgides loodud eset.
Nad kasutavad maalile elu andmiseks üheaegselt nii lühikesi, katkisi kui ka puhtaid jooni (selles mõttes, et neid pole mõeldud paletil segamiseks). Seejärel nihkub maali rõhk pigem üldmuljele kui konkreetse objekti detailidele.
Impresionismi edasiarendus oli avastus, et impressionismi tehnikast endast olulisem oli vaatenurkade erinevus. Impressionism on tegelikult erksates ja mitmekesistes värvides valatud kergete muljete mängude liikumise, poosi ja kompositsiooni kunst.
19. sajandi lõpus hakati uskuma, et impressionism on selge ja elu suhtes aus, kuigi kunstiliselt pole teoste valmistamisel õige lähenemine.
Lugege seotud artikleid materjali kohta: Rakenduskunsti määratlus ja (ajalugu - funktsioon - vorm - vorm - näide)
Impressionistliku kunstiliikumise tipp Prantsusmaal toimus peaaegu samal ajal kui teistes riikides, sealhulgas Itaalias koos maalikunstniku Macchiaioliga ja Ameerika Ühendriikides maalikunstniku Winslow Homeriga.
Impressionismist sai teerajaja teiste moodsate kunstikoolide, näiteks postimpressionismi, fauvismi ja kubismi arengus.
Impressionistliku maali tunnused
On järgmised:
- Lühikesed paksud pintslitõmbed visandilaadses stiilis, et maalijal oleks hõlpsam pildistada objekti olemust kui detaile.
- Värv saadakse võimalikult väikeste värvipigmentide segamisel. Eeldatakse, et võrkkesta segab värve optiliselt.
- Varjud luuakse täiendavate värvide segamise teel (musta ei kasutata varjuna).
- Värv ei tohi kuivada, et seda järgmise värviga üle kirjutada.
- Välditakse värvi läbipaistvuse omaduste töötlemist.
- Uurides võimalikult üksikasjalikult objekti valguse peegeldumise olemust, mida seejärel maalil rakendada.
- Töö õues (pleneril)
Tegelikult võib seda omadust peaaegu leida teistest koolidest, kuid ainult impressionismil on see omadus tervikuna tahtlikult.
Romantism Maali stiil
Romantism on kunstistiil, mis püüab näidata asju, mis on fantastilised, irratsionaalsed ja ilusad.
See žanr kujutab romantilisi lugusid kohutavatest tragöödiatest, dramaatilistest sündmustest, mida tavaliselt kajastatakse armastuslugudes.
Eseme kujutamine on vähem kui tegelikkus, värvid on elavamad, liikumine väledam, mees mehisem.
Romantilise voolu omadused
Romantilise voolu tunnused on järgmised:
- Maalid sisaldavad võimsaid ja emotsionaalseid lugusid.
- Liikumist täis ja dünaamiline.
- Värvid on kontrastsed ja pidulikud.
- Dünaamilise kompositsiooni seaded.
- Sisaldab kibedust ja puudutavaid tundeid.
- Ägedus ületab tegelikkuse.
Ekspressionism maali stiil
Ekspressionism on kool, mis seab esikohale vaba sisemise väljavalamise. Vaba sisemaailmast, kujutlusvõimest ja tunnetest tulenevate objektide uurimisel.
Kujutatud objektide hulka kuuluvad õudus, vägivald, vaesus, kurbus ja muud soovid, mis on inimese käitumise taga.
Ekspressionismi pioneerid: Vincent Van Gogh, Paul Gaugiuin, Ernast Ludwig, Karl Schmidt, Emile Nolde, JJ. Kandinsky ja Paul Klee. Indoneesias on need pooldajad Affandi, Zaini ja Popo Iskandar.
Kubismi maalikool
Kubism on 20. sajandi alguse moodsa kunsti liikumine, mille eestvedajad olid Picasso ja Braque. Kubismile omased põhiprintsiibid on objektide kuju kirjeldamine lõikamise, moonutamise, kattumise, lihtsustamise, läbipaistvuse, deformatsiooni, paigutuse ja mitmesuguste väljanägemiste abil.
See liikumine sai alguse maalikunsti ja skulptuuri meedias nende vastavate lähenemisviiside kaudu kubismile, tema töö vormidele, kasutades geomeetrilisi kujundeid ristkülikud, koonused, kuubikud, ringid jne.) Kubistlikud kunstnikud kasutavad sageli kollaažitehnikat, näiteks kleepides ajaleheribasid, plakatipilte ja jne.
Kubism kui mitteimitatiivse stiili algataja tekkis pärast seda, kui Picasso ja Braque uurisid ja mõjutasid vormi ürgkunst, näiteks Libeeria skulptuurid, Egiptuse usutunnistused ja hõimude maskid Aafrika.
Mõjutatud on ka Paul Cezanne'i maalid, eriti natüürmort ja maastikud, mis renessansi perspektiivi murdes tutvustavad uusi geomeetrilisi kujundeid. See lööb mõlemale uue voo tilkuma.
Mõiste "kapsas" ise tekkis tänu mitmete kriitikute tähelepanekutele. Louis Vauxelles (Prantsuse kriitik) pärast Salon des Independentsis Braque'i teose nägemist kommenteeris seda Braque'i töö taandab kõik väikesteks kuubikuteks väike).
Gil Blas nimetab Braque'i maale bizzarries cubiques'iks (võlukubikuteks). Vahepeal nimetab Henri Matisse seda petits kuubikute (väikeste kuubikute) paigutuseks. Seetõttu kasutatakse kubismi mõistet siis selliste teoste voo iseloomustamiseks.
Varajane areng
Arengu algfaasis läbis kubism analüütilise faasi, mida jätkati sünteetilises faasis. Aastatel 1908–1909 muutus kubism kohe süsteemilisema mustri järgi keerukamaks, ulatudes aastatel 1910–1912. Seda varajast faasi nimetatakse sageli analüütiliseks kubismiks, kuna maali objekti tuleb analüüsida. Kõik maali elemendid tuleb jaotada nende tahkudeks või kuubi kujul.
Mõnikord näib maali objekt olevat joonistatud täpselt eest, teine pool aga tagant või küljelt. Inimeste näod või loomapead paljastatakse sellisel viisil, esmapilgul küljelt vaadates silmadega, mida peaks nägema eestpoolt.
Selles analüütilise kubismi faasis on kunstnikud avaldanud maalikunsti neljandat mõõdet, nimelt ruumi ja aega, kuna vanad perspektiivmustrid on hüljatud.
Kui analüüsiperioodil olid nii Braque kui ka Picasso veel piiratud loovuses, siis sünteetilise kubismi faasis oli see erinev.
Cubs ei ole enam fookuses kolme põhivärviga. Ka nende teoste teemad on mitmekesisemad. Julgusega lahkuda oma kaubamärgi seisukohalt, et liikuda uuele uuele tasemele.
Lugege seotud artikleid materjali kohta: "Siiditrüki kunst (siiditrükk)" Definitsioon ja (etapid - kuidas see töötab)
Poegade töö edasiarendamine oli nende tähelepanu tegelikkusele. Sisestades paberilehtede ajalehest võetud sõnade või lausete väljalõiked, kleepides need seejärel lõuendile geomeetrilise kompositsiooni moodustamiseks. Selliseid kleepimiskatseid nimetatakse tavaliselt kollaažitehnikaks.
Iseloom Kubismi maalikool
Kuubistlike maalikunstnike loetelu, muu hulgas järgmine:
- Paul Cezane
- Pablo Picasso
- George Braque
- Metzinger
- Albert Glazez
- Aga Mochtar
- Moctar Apin
- Päevakuu
- Andre Derain
Fauvismi maalistiil
Fovismon maaližanr, mis oli enne moodsa kunsti ajastu algust üsna lühiajaline. Nimi fauvism tuleneb Louis Vauxcellesi satiirisõnast "fauve" (metsloom) kui kommenteerides Salon d'Automne'i näitust oma artiklis 17. oktoobri 1905. aasta väljaande Gil Blas lisale, 2. leht.
Selle voolu populaarsus algab Pariisi Le Havre'ist Bordeaux'ni. Kontseptuaalne küpsus saavutati 1906. aastal.
Fovism on kool, mis väärtustab väljendust maalitava atmosfääri jäädvustamisel. Erinevalt impressionismi teostest väidavad fauvistlikud maalijad, et värvide harmoonia ei ole triiv Reaalsuses looduses näitab see kunstniku isiklikku suhet loodusega seda.
Fauvismi põhimõistet saab esimest korda 1888. aastal jälgida Paul Gauguini kommentaaridest Paul Sérusierini:
“Kuidas sa neid puid näed? Nad on kollased. Niisiis, pane kollane; see vari, pigem sinine, värvib selle puhta ultramariiniga. Need punased lehed? Pange vermilion.”
"Kuidas te neid puid tõlgendate? Kollane, seepärast lisage kollane. Siis näeb vari natuke sinine välja, nii et lisage ultramariin. Punakad lehed? Lisage lihtsalt vermillion. "
Kõik, mis on seotud objektiivse ja realistliku vaatlusega, nagu juhtub loodusteadlaste maalikunstis, asendatakse emotsionaalse ja kujutlusvõimelise mõistmisega. Seetõttu tunnevad ruumi värv ja kontseptsioon poeetilisust.
Kasutatavad värvid ei ole ilmselgelt enam kohandatud välja värvidega, vaid järgivad maalija isiklikke soove.
Liinide kasutamist fauvismis lihtsustatakse, et maali vaataja saaks tuvastada selgete ja tugevate joonte olemasolu. Seetõttu on eseme kuju hõlpsasti äratuntav, ilma et peaksite arvestama paljude detailidega.
Fauvistlikud maalijad kutsusid üles mässama maali rajamist, millele oli pikka aega kaasa aidanud teaduse objektiivsus nagu mis juhtus impressionistlikus koolis, ehkki eelmiste maalikunstnike teadmine, et nad olid vastu, võeti endiselt aluseks värvi. Seda eriti selle žanri populaarsuse algusaegadel ajavahemikul 1904–1907.
Selle kooli varajane mõju võis tuleneda Paul Cezanne'i, Gustave Moreau, Paul Gauguini ja Vincent van Goghi teerajajatest.
Kuigi maalikunstnik ei kaasanud end fauvismi liikumisse ja oli ajastust erinevas ajastus selle kooli algus, kuid tema looming sai referentsiks noortele maalikunstnikele, kellest hiljem saab Fovistlik maalikunstnik.
Ehkki vaid lühiajaline, sai fauvismi voog moodsa kunsti kontseptsiooni järgmiseks verstapostiks.
Fauvism Maali voolu joonis
Fovismimaalijate loetelu, muu hulgas järgmine:
- Henri Matisse
- Andre Derain
- Georges Braque
- Albert Marquet
- Henri Manguin
- Charles Camoin
- Henri Evenepoel
- Jean Puy
- Maurice de Vlaminck
- Raoul Dufy
- Othon Friesz
- Georges Roua
Dadaismi maalikool
Dadaism sündis I maailmasõja puhkemise tõttu. Tema olemus on väidetavalt kunstivastane, tundetundev ning peegeldab ebaviisakust ja vägivalda.
Tema tööd on kummalised, näiteks kopeerida Monalisa maal ja anda sellele vuntsid, anda pissuaarile pealkiri ja panna see näitusele. Kasutatakse ka kollaažimeetodeid, näiteks puitu ja kasutatud kaupade jääke.
Iseloom Dadaismi maalikool
Selle žanri tegelased: Juan Gross, Max Ernst, Hans Arp, Marcel Duchamp ja Picabia.
Futurismi maali stiil
Futurism on maaližanr, mis sündis 1909. aastal. See voog annab edasi liikumise ilu ja seda peetakse kubismi voolu purustajaks, mida peetakse staatiliseks nii kompositsioonilt, joonelt kui ka värvilt.
Futurism on liikumisele nii pühendunud, et maalidel on koeri kujutatud rohkem kui nelja jalaga.
Iseloom Futurismi maali stiil
Selle žanri tegelased: Umberto, Boccioni, Carlo Cara, Severini, Gioccomo Ballad ja Ruigi Russalo.
Sürrealism Maali stiil
Sürrealism oli algselt kirjanduse liikumine, mille Apollinaire leidis oma draama nimetamiseks. Aastal 1024 kasutas Andre Bizton seda maalide mustritele viitamiseks.
Oma loovuses üritab sürrealistlik stiil vabastada end teadvuse kontrolli alt, soovib vabadust siis kiputakse olema realistlik, kuid siiski kummalistes suhetes.
Iseloom Sürrealism Maali stiil
Sürrealismi pioneerid: Joan Miro, Salvador Dali ja Andre Masson. Indoneesias võib seda nimetada: Sudibio; Sudiardjo ja Amang Rahman.
Abstraktsionismi maalimislaad
Abstraktne kunst maalis on kunst, mis püüab võtta sisemaailmast pärinevaid esemeid. Objektiks võib olla fantaasia, kujutlusvõime ja võib-olla kunstniku intuitsioon. Sest see tuleb seestpoolt. Abstraktne kunst on jagatud kahte suurde kategooriasse, nimelt:
a. Abstraktne ekspressionism
Abstraktsel Ameerikal on kaks suundumust, nimelt:
- Värvivälja värvimine, mis on maal, mis kuvab laiad väljad ja erksad värvid.
Tegelaskuju
Pioneerid: Mark Rothko, Clyfford Stll, Adolf Gotlieb, Robert Montherwell ja Bornet Newman.
- Tegevusmaal, nimelt maal, mis ei ole seotud olulise vormiga, on selle maalimise tegevus või viis. Tegelasteks on: Jackson Polack, Willem de Koning ja Frans Kliner; Twarkovi õde.
Prantsusmaal järgneb abstraktsele ekspressionismile: H. Hartum Gerard Schneider, G. Mathiew ja Pierre Souloges. Siis panid teele nime Technism: Wols Aechinsky ja Asger Yorn.
b. Geomeetriline abstrakt
Abstraktset geomeetriat nimetatakse ka mitteobjektiivseks kunstiks. Pioneer Kandinsky. Pärast seda ilmusid erinevad geomeetrilised abstraktid erinevate nimedega, sealhulgas:
- Suprematism, mis on maal, mis kujutab Kasim Malevichi tegelasega muumia geomeetriliste kujundite abstraktsiooni.
Konstruktivism, kolmemõõtmeline kunstistiil, mille eesmärk on näidata abstraktseid vorme, kasutades tänapäevaseid materjale nagu traat, raud, puit ja plast.
Tegelaskuju
Tegelased: Vladimir Tatlin, Antonic Pevner, Naum Gabo ja A. Rodehenko. Alexander Calderit, kuna tema skulptuur saab liikuda, nimetatakse Ameerikas mobiliseks, skulptuuri, mis saab liikuda, kineetiliseks skulptuuriks. Minimaalne kunst kuulub ka konstruktivismi rühma. See kunst sündis kõrge tööstustehnoloogilise olukorra tõttu ja tema looming kipub olema aristektuaalne.
- Neo plastism (De Stijil) on abstraktne kunstistiil, mis näitab täppisteaduste universaalsust. See kool püüab värvaine taastada põhivärvi ja nurgelise kujuga. Selle tegelased on Piet Mondarian, Theo Van Daesburg ja Bart Van Leck.
- Op Art (optiline kunst), tuntud ka kui võrkkesta kunst, on maalimislaad, mille kujutamine on korralike kordustega geomeetriline paigutus, nagu malelaud. See töö äratab tähelepanu oma säravate värvide tõttu ja näib, et petab silma ruumi illusiooniga. Selle stiili tegelased: Victor Vaserelly, Bridget Riley, Yacov Gipstein ja Todasuke Kawayama.
Maalikunsti ja käsitöö liikumine Aliran
Kunsti ja käsitöö liikumine oli Suurbritannia, Kanada ja Ameerika esteetiline liikumine, mis toimus 19. sajandi lõpus kuni 20. sajandi alguses. Inspireerituna John Ruskini kirjutistest ja nende käsitöö üle uhke käsitöölise romantilisest idealiseerimisest umbes 1880. ja 1910. aastal.
See kunsti- ja käsitööliikumine on reformiliikumine, mis mõjutab arhitektuuri, dekoratiivkunsti, käsitööd ja ka William Robinsoni või Gertrude Jekvlli "suvila" aiakujundust. Mõned kuulsad nimed on William Morris, Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Elbert Hubbard, Walter Crane, Nelson Dawson, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, William De Morgan, Ernest Gimson, William Lethaby, Edward Schroeder Prior, Frank Lloyd Wright, Gustav Stickley, Greene & Greene, Charles Voysey, Christopher sein.
Kunsti ja käsitöö liikumine sai alguse esteetilise stiilina 19. sajandil ning reaktsioonina Victoria ajastust pärit ajalooliste stiilide ja tööstusrevolutsiooni masinate taaselustamisele.
Masinaid peetakse probleemi juureks, mõned selle liikumise algatajad ja toetajad hakkasid kasutamisest muutuma masinatest saavad käsitöötooted, mis kipuvad tööstustoodetele keskenduma käsitsi, kuid tulemustega rahuldav.
Siiani, kui kunsti ja käsitöö liikumine sai tööstusele olulise mõju, ei olnud see tegelikult mitteindustriaalne liikumine ega antimodernne.
Mõni grupp Euroopas usub endiselt, et masinaid on endiselt vaja, kuid varem tehti ainult midagi, mis nõuab palju tootmist ja sama.
Samal ajal leidsid kunsti ja käsitöö liikumise juhid, et ka esemeid on vaja. Konflikt tootmise kvaliteedi ja disaini vahel ning katsed neid kahte ühendada domineerisid 20. sajandi eel toimunud arutelus.
Red House, London, Bexleyheath (1859), autor Philip Webb Morrise jaoks, on näide varajastest töödest sellel perioodil. Sellega üritatakse asümmeetriliste ehituskompositsioonidega väljendada pinnatekstuure ebatavaliste materjalidega, näiteks kivi ja plaatidega.
1890. aastate lõpus Ameerikas otsustas rühm Bostonis asuvaid arhitekte, disainereid ja nõustajaid kujundada uue kujundusvormi Willian Morris tegi Inglismaal Ameerikasse, kutsuvad nad üles korraldama objektide näituse käsitöö. Kui käsitöölised, tarbijad ja tootjad mõistsid selle kunsti potentsiaali ja ilu, algas Bostonis ümberkujundamisprotsess.
Ameerika esimene kunsti- ja käsitöönäitus toimus 5. aprillil 1897 Copley Hallis, kus oli väljas üle 1000 eseme, mille valmistasid 160 käsitöölist, kellest pooled olid naised. Mõned selle näituse pooldajad on Langford Warren, Harvardi arhitektuuri rajaja pr. Richard Morris Hunt. Arthur Astor Carey, Edwin Mead ja Will Bradley, kes on graafilised disainerid.
Kunsti ja käsitöö liikumise mõju levib kogu maailmas:
Euroopas inspireerib kunsti ja käsitöö liikumise kvaliteet ja lihtsus ning materjalide kasutamine disainereid nagu Henry van de Velde ja muud kunstiliikumised nagu juugend, hollandlane De Stijl, Viini eraldamine ja Bauhaus. Seda liikumist võib pidada moderniseerumiseks, kus puhast vormi ja ajalooliste ühenduste fragmente hakatakse taas kasutama tööstuses.
Ameerika Ühendriikides oli kunsti ja käsitöö liikumine kodanluse maitsele ilmsem. Kui liikumine Euroopas püüdis taastada tööstuse purustatud käsitöömaailma, Ameerika üritab luua käsitöötootmise asemele uut ressurssi: nagu klassiruum keskmine. Lühidalt, Ameerika kunsti ja käsitöö liikumine oli poliitilise liikumise vastand.
Juugendstiilis maalikool
Juugend on rahvusvaheline disaini, arhitektuuri ja tarbekunsti liikumine ja stiil, eriti dekoratiivkunst, mis kulmineerus 20. sajandi vahetusel. Nime juugend pärineb prantsuse keelest, mis tähendab uut kunsti, saksa keeles kutsutakse seda ka noorte stiilis Jugendstiliks. 19. sajandi akadeemilise kunsti reaktsioonil on orgaaniliste objektide, eriti lillede ja taimemotiivide omadused, muljetavaldavalt ilusad, koos lineaarsete kõveratega.
Alguses ei olnud juugend ja Jugendstil stiilinimed ning need stiilid võeti kasutusele mitmest erinevast sildist, mis levisid mitmes kohas. Need kaks nime tulid Pariisi Siegfried Bing L'Art Nouveau galeriist ja Müncheni ajakirjast Jugend.
Juugendstiili tipp oli kogu Euroopas tunda 15 aastat. Tegelasteks on Hector Guimard. Victor Horta ajakirjad, näiteks Jugend, aitasid seda Saksamaal levitada, Viini secessionistid mõjutasid kunsti Austrias ja Ungaris.
Juugend mõjutas ka selliseid inimesi nagu Gustav Klimt, Charles Rennie Mackintosh, Alfons Mucha, René Lalique, Antoni Gaudí ja Louis Comfort Tiffany, kellel kõigil on erinev tööviis.
Kuigi juugend kaotas 20. sajandi ja moodsate stiilide saabudes oma prestiiži, nähakse juugendit nüüd selgelt seosena uusklassikalise ajaloo ja moderniseerimise vahel. Lisaks tunnistab UNESCO nüüd juugendstiilis mälestusmärki üheks ajalooliseks hooneks.
Ajakirja Jugend esikaas Saksamaal 1896, Arthuri Mackmurdo (1833) Wreni linnakirikute kate, raamatu kaas Arthur Mackmundo Wreni linnakirikuid peetakse oma rütmiliste taimemustritega sageli kunsti varajaseks realiseerimiseks. uus. Samal ajal annavad Jaapani nikerduste tasane perspektiiv ja tugevad värvid, eriti Katsishika Hokusai omad, juugendstiili.
Ehkki juugend kipub ilmnema hajusas lokaliseerimises, on mõned selle omadused avaldunud selle vormides. Kermann Obristi (1894) avaldatud ajakirja Pan Cyclamen kirjeldus sai kuulsaks juugendi leviku ajal.
The Whiplash mitte ainult ei saanud kuulsamaks, vaid termin "whiplash" muutus rakenduseks selle aja kunstnike loodud kõveratele. Dünaamilistest, pealetükkimatutest joontest moodustatud ja rütmis triivivaid piitsalööke leidub kogu arhitektuuris, maalides, skulptuuris ja muudes juugendstiilis.
Juugendstiili peetakse totaalseks kunstiks, mis tähendab, et see on stiil, mis hõlmab suures plaanis disaini, arhitektuur, sisekujundus, dekoratiivkunst, sealhulgas ehted, mööbel, tekstiil, hõbe ja mõned kujutav kunst.
Juugendstiili areng oli tunda tänu 1900. aastal Pariisis toimunud näitusele Exposition Universelle, mis esindas moodsat stiili erinevates meediumites. Seda tuntakse siis paremini aastal Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna 1902 Itaalias Torinos, kus disainerid eksponeerisid igas Euroopa riigis, kus juugend harjutanud.
Art Deco stiilis maalimine
Art Deco oli populaarne rahvusvaheline kunstikujundusliikumine aastatel 1925–1939, mis mõjutas kaunistamiskunsti nagu arhitektuur, sisekujundus ja tööstus, samuti kujutav kunst nagu mood, maalikunst, graafika ja kunst film. Sel ajal oli teema elegantne, glamuurne, funktsionaalne ja kaasaegne.
See liikumine on segu mitmest 20. sajandi alguse stiilist ja liikumisest, sealhulgas uusklassika, konstruktivism, kubism, modernism, juugend ja futurism. Selle populaarsus jõudis Euroopas tipptasemel kahekümnendate aastate jooksul ja jätkus Ameerika Ühendriikides jõuliselt 1930ndateni. Kuigi paljudel disainiliikumistel on poliitilised juured ja filosoofia, on art deco puhtalt dekoratiivne.
Art Deco langes 30. aastate lõpus ja 40. aastate alguses langusesse ning avalikkus unustas selle peagi. Art Deco koges 1980ndatel veel ühe renessansi graafilise disaini populaarsusega. Art Deco mõjutas paljusid järgnevaid kunstiliikumisi nagu Memphis ja Pop art.
Art Deco kujunduse mõju väljendub sellistes vormides nagu kubism ja dekoratiivne futurism. Teised populaarsed teemad on trapetsikujuline, siksakiline, geomeetriline ja segatud kujundid, mida võib näha varases töös. Selle stiili ja teema näide on Michigani osariigis Detroitis: Fisher Building ja Guardian Building.
Art decol on iseloom, kasutades selliseid materjale nagu alumiinium, roostevaba teras, lakk ja puit. Nähtavad on ka sellised eksootilised materjalid nagu hai ja sebra nahk. Julgete kujundi- ja kõverjoonte (erinevalt juugendile omased käänulised kujundid), Chevroni mustrite ja päikesetaoliste motiivide kasutamine on art deco tüüpi.
Art deco eriline stiil mõjutas langusest alates mitut muud omalaadset liikumist. Art Deco mõjutas hilisemaid stiile nagu Memphis ja Pop Art. Art Deco mõjutas 1970. aastatel ka postmodernistlikku arhitektuuri ja stiili. Art Deco näib olevat mõjutanud ka kaasaegset kunsti.
De Stijli maalikool
De Stijl (stiili järgi; Neoplastismina tuntud "The Style" hollandi keel on liikumine 1917. aastal, periood de stijl on ka ajakirja nimi, mis avaldas Hollandi maalikunstnik, disainer, kirjanik ja kriitik Theo van Doesburg (1883–1931), selle rühma liikmed olid Piet Mondrian (1872–1944), Vilmos Huszàr (1884-1960) ja Bart van der Leck (1876-1958) ning arhitektid Gerrit Rietveld (1888-1964), Robert van 't Hoff (1887-1979) ja J.J.P. Oud (1890-1963). neoplastika - uus plastiline kunst (või hollandi keeles Nieuwe Beelding).
Nimi De Stijl pärineb Gottfried Semperi raamatust Der Stil in den technischen und tektonischen Künsten oder Praktiline esteetika (1861-3), kus ringid jätavad materialismist vale mulje ja funktsionalism.
Üldiselt näitab de stijl arhitektuuris ja maalimises lihtsust ja abstraktsust, kasutades ainult sirgeid vertikaalseid ja horisontaalseid jooni ning ruudukujulisi kujundeid. Lisaks piirduvad nad põhivärvidega, punase, sinise ja kollase ning musta, valge ja halliga.
Nad väldivad sümmeetriat ja tasakaalu opositsiooni kasutamisega, liikumise element on de stijli teine tähendus: „post, ämber või tugi”, seda võib näha paljudes kasutatavates teostes puit.
Kolmemõõtmelises töös on vertikaalsed ja horisontaalsed jooned paigutatud mitte ristuvatele kihtidele, jättes iga elemendi nähtavaks teisi elemente häirimata. Selliseid asju võib leida Rietveldi Schröderi majast ja punase ja sinise tooli juurest.
De Stijli liikumist mõjutasid kubistlikud maalid nagu müstika ja neoplatooniline geomeetriliste vormide ideaal. De Stijli töö mõjutas Bauhausi ja rahvusvahelisi stiile ning rahvusvahelisi arhitektuuristiile nagu rõivad ja sisekujundus.
Kuid see ei järgi disainikoole üldiselt "ism" (kubism, futurism, sürrealism) ega ka kunstikoolide nagu Bauhaus põhimõtteid.
Muusikas oli De Stijl mõjukas Mondriani lähedase sõbra Jakob van Domselaeri loomingus. Aastatel 1913-1916 lõi ta Mondriani maalist inspireeritud Proeven van Stijlkunsti (Eksperimente kunstilises stiilis).
De Stijli liikmete tööd levisid üle kogu maailma, kuid De Stijli näitused on hästi korraldatud. Paljude De Stijli kollektsioonidega muuseumide hulka kuuluvad Gemeentemuseum Haagis), kus asuvad paljud Mondriani teosed, ja Amsterdami Stedelijki muuseum, kus on palju Rietveldi ja Van Doesburgi teoseid.
Utrechti Centraali muuseumis on Rietveldi suurim kogu ning see hõlmab Rietveldi Schröderi maja, Rietveldi külgnevat “näitusemaja” ja Rietveld Schröderi arhiivi.
Konstruktivismi maalikool
Ehituskunsti mõistet kasutas Kazimir Malecivh esimest korda pilkena Aleksander Rodtšenko loomingu kirjeldamiseks 1917. aastal. Konstruktivism kerkis positiivse terminina esmakordselt esile Naum Gabo realistlikus manifestis 1920. aastatel.
Esimese maailmasõja aegne konstruktivism kasvas välja Venemaa futurismi ajal ja eriti Vladimir Tatlini „nurgalettide reljeefist“, mis toimus 1915. aastal.
Selle mõiste võtsid kasutusele teose välja töötanud skulptorid Antoine Pevsner ja Naum Gabo industriaalne ja jäik, kui abstraktne ja geomeetriline kuulub Kazimir. suprematistile malevitš.
Selle uue liikumise õpetamise aluse andis välja Valgustuse Komissariaat (NARKOMPROS), valitsuse haridus- ja kultuuriministeerium. Anatoli Vassiljevitš Lunatšarski juhitud bolševikud võitsid aastal Petrogradi Kaunite Kunstide Akadeemiat ning Moskva maali-, skulptuuri- ja arhitektuurikooli. aasta 1918.
IZO Narkompros (valgustusajastu kaunite kunstide osakonna volinik) sekretäribüroo, mille Venemaa kodusõja ajal avasid futuristid, annab välja ajakirja Art of The Commune. Moskvas on konstruktivismi fookuses 1919. aastal asutatud kunsti- ja disainikool VKhUTEMAS.
Hiljem sai Gabo aru, et koolis õpetamine oli rohkem suunatud kunsti tegemisele poliitilistele ja ideoloogilistele küsimustele. Lisaks kavandas Gabo ise 1920. aastatel raadiosaate (ja esitas 1930. aastal Nõukogude palee konkursile kavandi).
Konstruktivism kui teooria ja praktika tuleneb oma terminist Moskvas INKhUKis (kunstilise kultuuri instituut) toimunud arutelude sarjast aastatel 1920-1922. Pärast esimese juhi Wassily Kandinsky "müstikast" vabastamist, esimese konstruktivistide rühma (Luibov Popova, Aleksander Vesnin, Rodtšenko, Varvara Stepanova ja teoreetik Aleksei Gan) Boris Arvatov ja Osip Brik) on jõudnud konstruktivismi kui arvete kombinatsiooni määratlusele: objektide ja tektoonika konkreetsetele materiaalsetele omadustele, samuti ruumi ja koha teadvusele.
Algselt töötasid konstruktivistid ehituse kolmes mõõtmes kui esimene samm tööstuses osalemiseks; OBMOKhU (noorte kunstnike selts) näitusel on näha kolmemõõtmeline kompositsioon, mille autorid on Rodtšenko, Stepanova, Karl Ioganson ja vennad Stenbergid. Tulevikus laiendati määratlust ühemõõtmelisele kujundusele, näiteks raamatukaaned, montaažiplakatid ja faktograafia tehnikad on olulised mõisted.
Vladimir Tatlin (1885-1953) oli IZO Narkompros Moskva filiaali juhataja (valgustusajastu kaunite kunstide osakonna volinik) ammu enne seda, kui ta pani paika oma kuulsa töö, mis valmis aastal 2004 1920. Abstraktse alternatiivina kujundmälestistele.
Kujutavas kunstis nimetatakse stiili “konstruktivismiks”, kui rakenduskunst (mis on saadud) Arhitekt Sullivani kasulikust fraasist "vorm järgib funktsiooni") nimetatakse seda " funktsionalism ”.
„Kõigil looduses olevatel asjadel on kuju, see tähendab vorm, välimus, mis ütlevad meile, mis nad on, mis neid eristab meilt endilt ja üksteiselt... See on läbiv seadus kõigest orgaanilisest ja anorgaanilisest, kõigest üliinimlikust, tõesest pea, südame, hinge ilmingud, et elu on oma väljenduses äratuntav, see vorm järgneb alati funktsioone. See on seadus. " (Rowland 1973: 40).
Konstruktivism seisab abstraktsete, funktsionaalsete ja kasulike väärtuste idealismis. Kasutatavuse väärtus on kõige domineerivam väärtus. Konstruktivism eeldab, et kunst peab olema kasulik ja hõlpsasti laiema kogukonna jaoks sotsialiseeritav. Et kõrgklassi (kodanlus) ja alamklass (proletariaat) jaoks pole kunstis vahet.
Näidati konstruktivistliku liikumise, mille esirinnas oli Tatlin, teedrajavad kunstnikud praktiline disain masstootmiseks kui vahend kunsti integreerimiseks rekonstrueerimisega Avalik.
Rõivaste, tekstiili, mööbli, arhitektuuri kommunistliku kujundusega ja ühtlaselt kogu linnas jaotatud konstruktivistid on otsinud loomingut täieliku esteetilise kujunduse muutmine, et muuta Nõukogude ühiskonna harjumuspärast käitumist või kui nad seda nimetavad massöörid ".
Konstruktvist võtab kunstilise vaate, et hõlmata inimkonna tunnetuslikku, materiaalset tegevust ja üldisi vaimseid aspekte. Kunstnikud üritavad luua teoseid, mis suudavad vaataja traditsioonist välja viia ja muuta nad teose aktiivseks tundjaks.
Seetõttu lõid konstruktivistid geomeetrilistel kujunditel põhineva uue visuaalse sõnaraamatu, mis nende arvates võiks kõnetada kõiki. Nad rakendavad seda “visuaalset sõnaraamatut” maalide, mööbli, moedisaini, arhitektuuri jms kujul.
Konstruktivism on vastus tolleaegsetele tehnoloogia ja elustiili muutustele. Konstruktivism on idealistliku liikumise algus. See on toonud kaasa muutused kunstistiilis, mis on suunatud kunsti ja arhitektuuri uue sõnumi loomisele, mis viitab sotsiaalsetele ja majanduslikele probleemidele.
Konstruktivismi stiil kasutab palju põhikujusid, nagu kolmnurgad, ristkülikud, ringid ja ristkülikud. Materjalid, mida sageli kasutatakse, on puit, tselluloid, nailon, pleksiklaas, papp, tina, traat.
Osa konstruktivistidest õpetas Bauhausi koolis ning seal võeti kasutusele ja arendati VKhUTEMASe õpetamismeetod. Gabo avaldas 1930. ja 1940. aastatel Inglismaal konstruktivismi versiooni, mis võeti vastu arhitektid, disainerid ja kunstnikud, näiteks pärast Teist maailmasõda, nagu Victor Pasmore ja John Mc Hale.
Joaquin Torres Garcia ja Manuel Rendón, kes pakkusid vahendeid konstruktivismi liikumise levitamiseks Euroopas ja Ladina-Ameerikas. Konstruktivistlikul liikumisel oli sügav mõju kaasaegsetele Ladina-Ameerika maestritele nagu: Carlos Merida, Enrique Tábara, Anibal Villacís, Theo Constanté, Oswaldo Viteri, Luis Molinari, Estuardo Maldonado, Carlos Catasse ja Oscar Niemeyer.
Arhitektide Zaha Hadidi, Rem Koolhaasi ja teiste dekonstruktivistlik arhitektuur muutis konstruktivismi 20. sajandi lõpus ja 21. sajandi alguses töö lähtepunktiks.
Zaha Hadid loob oma visandites ja joonistes abstraktsete kolmnurkade ja ruutude kujul konstruktivismi esteetilise külje. Ehkki formaalselt peaaegu sama, rõhutab vene konstruktivismi sotsialistlik poliitiline varjund Hadidi dekonstruktivistlikku koolkonda.
Futurism Maalikunst
Futurism on kunstiliikumine, mis sai alguse Itaalias 20. sajandi alguses. See on Itaalias laialt levinud nähtus, tol ajal oli liikumine ka Venemaal, Inglismaal ja mujalgi. Itaalia kirjanik Filippo Tommaso Marinetti on selle asutaja ja mõjukaim isik.
Ta käivitas liikumise oma futuristlikus manifestis, mis avaldati Prantsuse ajalehes Le Figaro 20. veebruaril 1909. seal avaldas Marinetti soovi omaks võtta midagi uut, eriti poliitikat ja traditsioone.
"Me ei taha sellest osa, minevikku", kirjutas ta: "Meie, noored ja tugevad futuristid!" Futurist imetleb, kiirust, tehnoloogia, noorus ja ülevus, autod, lennukid, tööstuslinnad ja kõik see, mis kirjeldab inimese inimimpeeriumit ülal loomulik.
Futurist treenib igas kunstikeskkonnas nagu maal, skulptuur, keraamika, graafiline disain, tööstusdisain, teater, film, mood, tekstiil, kirjandus, muusika, arhitektuur ja gastronoomia.
Marinetti tugev tahe mõjutas peagi mitut Milano maalijat Umberto Boccionit, Carlo Carrà ja Luigi Russolot, kes tahtsid oma ideid kujutavas kunstis edasi anda. (rusollo oli helilooja ja tutvustas futurismi ideed oma kompositsioonides_ maalikunstnik Giacomo Balla ja Gino Severini kohtusid marinettidega 1910. aastal ja nad tegid futuristi manifesti Maalijad.
Futuristlikud maalijad arendasid oma konkreetseid stiile väga aeglaselt. Aastatel 1910 ja 1911 kasutasid nad Givannu Segantini ja teiste loodud kunstniku punktide ja joonte ühele osale langevat divisjoni tehnikat, valgust ja värvi.
Hiljem hakkas Pariisis elanud Severini kubismi omaks võtma. Kubism aitas neil analüüsida maali energiat ja väljendada dünaamikat. Kubismi omaksvõtt otsustas futuristliku maali stiili, kusjuures Boccioni ja Severini jätkasid divisjoni värvide ja lühikeste joonte varjutamist.
Kuid futuristlikud maalijad erinesid oma kubismi nagu Picasso, Braque ja Gris omaksvõtmise teema ja viisi vahel.
Aastatel 1912 ja 1913 pöördus Boccioni skulptuuri poole ja tõlkis selle oma kolmemõõtmelisteks kunstiteosteks. Raamatus „Unikaalsed vormid ruumi jätkumisele” (1913) tajus objektide vormi ja nende keskkonna vahel, mis on teooria “dünaamilisuse” alus / see kuju kujutab astmelist kuju, mis on valmistatud pronksist ja eksponeeritud Tate'is Galerii.
Ta uuris täiendavaid teemasid: Inimese dünaamika süntees (1912), Kiiruseületamine (1913) ja Kiirete lihaste spiraalne laiendamine (1913).
Tema skulptuurideemad avaldati Futuristliku skulptuuri tehnilises manifestis. 1915. aastal pöördus Balla ka kunsti poole skulptuure, luues uusi rekonstruktsioone, milles kasutatakse erinevaid materjale, mis võivad liikuda ja isegi põhjustada heli.
Ta ütles, et pärast umbes 20 pildi joonistamist õppis ta kiirust, sai aru, et "kancasega lennukid ei tee" oskan kirjeldada helitugevust, kiirust ja sügavust, pean tundma, et pean raudtraadi, riide ja paberiga looma keeruka dünaamika koed.
Antonio Sant'Elia oli 20. sajandi mõjukaim arhitekt. Tema moderniseerimise ideed väljendusid visandites „La Città Nuova” („Uus linn”) (1912–1914) jaoks.
Kubofuturism on vene futurismi koolkond, mida mõjutas kubism ja arendati välja 1913. aastal.
Nagu nende eelkäijad, on ka Venemaa futuristid - Velimir Khlebnikov, Aleksey Kruchenykh, Vladimir Mayakovsky, David Burlyuk - kinnisideeks dünaamilisusest, kiirusest ja linnalikust elustiilist. Nad otsivad poleemikat ja üritavad kogukonnas vanu kunste maha jätta.
See liikumine muutus asjatuks pärast revolutsiooni 1917. aastal. Paljud selle liikmed emigreerusid välja. Kunstnikest nagu Majakovitš ja Malevitš said 1920. aastal Nõukogude ja Agitprop liikmed. Khlebnikovi karistati nende veendumuste eest. Futurismimuusika tõrjub traditsiooni ja tutvustab eksperimentaalset muusikat, mille tutvustavad 20. sajandi heliloojad.
Francesco Balilla Pratella liitus futuristliku liikumisega 1910. aastal ja kirjutas futuristide muusikute manifestist kuhu ta kutsub noori nagu marrinetti, sest võib-olla ainult nemad saavad aru, mida nad tahavad ta toimetas. Itaalia muusikas domineerib ooper. Futurism on üks 20. sajandi muusikakunsti mitmest liikumisest.
Futurism mõjutas 20. sajandil paljusid liikumisi, nagu art deco, aiandus, konstruktivism, sürrealism ja dada. Futurism lõppes 1944. aastal Marinetti kui selle juhi surmaga, seejärel võtsid futurismi üle tulevikku kujutavad ilukirjandusteosed.
Futurismi idee püsib endiselt lääne kultuuris. Noorus, kiirus, jõud ja tehnoloogia väljenduvad kaasaegses filmis ja kultuuris. Nagu manga / anime, on ka mõned lääne filmid mõjutatud Marinetti sõnadest. Futurism tekitas mitmeid reaktsioone, nagu küberpunk, Interneti tekkimine.
Bauhausi maalikool
See on Walter Gropiuse poolt 1919. aastal asutatud arhitektuuristiil (stiil). Rahvusvahelise stiili pioneer ja tutvustas kontseptsiooni „vorm järgib funktsiooni“, st hoone vorm järgib hoones eksisteerivaid funktsioone. Bauhausil oli suur mõju maailma arhitektuurile.
Saksa Bauhausi institutsiooni institusi ajalugu
Bauhaus on 20. sajandi alguses Mandri-Euroopas toimunud tööstusrevolutsiooni tagajärjel sündinud kunsti ja arhitektuuri arengu ikoon. Bauhaus on kunsti ja tööstuse vahelise rahu ideoloogiaga kool. Bauhausi sünnile eelnes Deutscher Werkbundi moodustamine 9. oktoobril 1907 Saksamaal Münchenis.
Nad tahtsid leida lahendusi Saksa disainitoodete kvaliteedi parandamiseks. Püüded lahku lüüa mandri-Euroopas välja kujunenud konservatiivsetest disaini-idioomidest, sealhulgas Saksamaad sajandeid, nii et Deutscher Werkbundit tuntakse modernismi pioneerina aastal arhitektuur. Seejärel populariseerisid Henry-Russel Hitchcock ja Philip Johnson Deutscher Werkbundi kui rahvusvahelist stiili New Yorgi moodsa kunsti muuseumis 1932. aastal moodsa arhitektuuri näitusel.
Ideoloogiliste erimeelsuste tõttu jagunes 1914. aastal Deutscher Werkbund kaheks, saades Peeteruse juhitud Typisierungi rühmituseks Behrens ja Mutheseus ning Kunstwolleni rühmitus, mida juhivad Henry van de Velde, Hugo Haering, Hans Poelzig ja Bruno link.
Walter Gropius kuulus Kunstwolleni rühma, mis asutas Bauhausi lõpuks Saksamaa Wiemari linnas 1919. aastal.
Bauhausi sündi tähistasid kaks asja. Lisaks tööstusmaailma nõudmistele disainiprobleemides, mis on paindlikumad ja mida saab valmistada massiliselt, julgustatakse ka neid disainirevolutsioon alates Art-Deco stiili suundumuse tekkimisest Prantsusmaal Pariisis ja De-Stijli kontserni tekkimisest Rotterdamis, Hollandis sama.
Bauhaus peab esmatähtsaks kaasaegse disaini põhiprintsiipide loomist, samas kui Art-Deco keskendub rohkem selle rakendamise tulemustele. Kuid mõlemal on sama eesmärk, nimelt kujundustööde kuulumine kõigile inimestele.
Selle loomise ajal keskendus Bauhaus kunstile ja käsitööle, nii et Bauhausi õpetajad domineerivad kunstnikud ja käsitöölised, eriti kaasaegsed maalijad kui arhitektid, kuigi asutajad olid noored arhitektid veteran.
Bauhausi kunstitegelaste hulka kuuluvad Paul Klee, Oskar Schlemmer, Wassily Kandinsky, El Lissitzky, Lazlo Moholy-Nagly, Marcks, Feinninger, Munche Schlemmer ja Johannes Itten. Neid tuntakse vormimeistrina ja nad on enamasti Venemaalt.
Bauhausi maalid on enamasti kubismi ja ekspressionismi vormis, mis on tänapäeva vene maalikunstnike mõju konstruktivismi stiilis. Tööstuse kiire areng ja suurenev vajadus kodumasinate järele koos üleminekuga agraarühiskonnast tööstuslikuks ühiskonnaks tööstusrevolutsioon - selliste toodete nagu mööbel ja muud kodumasinad, milles domineerivad peamiselt metall, nahk ja klaas, disain on Indoneesias hakanud tähelepanu pöörama Bauhaus.
Tööstustoodete katselisi vorme tutvustas noor Bauhausi juht Josef Albert (1888–1976). Mööblitoodete osas on silmapaistvamad ja siiani toodetud disainer Marcel Brueri tööd, sealhulgas Wassily Chair ja B32 Chair. Bauhausi kunst jääb disainerite kirjanduseks nii mööbli, maalimise, moedisaini kui ka moe valdkonnas tänapäevani.
Bauhausi kunstitegelaste hulka kuuluvad Paul Klee, Oskar Schlemmer, Wassily Kandinsky, El Lissitzky, Lazlo Moholy-Nagly, Marcks, Feinninger, Munche Schlemmer ja Johannes Itten. Neid tuntakse kui vormimeistreid.
Bauhausi maalid on enamasti kubismi ja ekspressionismi vormis, mis on tänapäeva vene maalikunstnike mõju konstruktivismi stiilis. Tööstuse kiire areng ja suurenev vajadus kodumasinate järele koos üleminekuga agraarühiskonnast tööstuslikuks ühiskonnaks tööstusrevolutsioon - selliste toodete nagu mööbel ja muud kodumasinad, milles domineerivad peamiselt metall, nahk ja klaas, disain on Indoneesias hakanud tähelepanu pöörama Bauhaus.
Bauhaus on kunsti ja arhitektuuri arengu ikoon, mis sündis 20. sajandi alguses Mandri-Euroopas toimunud tööstusrevolutsiooni tagajärjel. Bauhausi kunst ja arhitektuur on kunsti ja tööstuse vahelise rahu ideoloogiaga kool.
Bauhausi sünnile eelnes 9. oktoobril 1907 Saksamaal Münchenis Deutscher Werkbundi moodustamine, mille algatasid 2 (kaks) arhitekti Theodor Fischer ja Hermann Mutheseus. Deutscher Werkbund on vestlusrühma nimi, kuhu kuuluvad noored kunstnikud, noored arhitektid, noored kirjanikud, noored käsitöölised ja tööstus, mis selle loomise alguses koosnes 12 kunstnikust ja 12 tööstuse omanikust ning mida peeti tolleaegseks keskklassi rühmaks seda.
Nad tahtsid leida lahendusi Saksa disainitoodete kvaliteedi parandamiseks. Lisaks toob see arutelu kaasa ka katse lahkuda Indoneesias välja kujunenud konservatiivsetest disaini-idioomidest Mandri-Euroopa, sealhulgas Saksamaa juba sajandeid, nii et Deutscher Werkbund on tuntud modernismi pioneerina arhitektuur.
Seejärel populariseerisid Henry-Russel Hitchcock ja Philip Johnson Deutscher Werkbundi kui rahvusvahelist stiili New Yorgi moodsa kunsti muuseumis 1932. aastal moodsa arhitektuuri näitusel.
Bauhaus on 2 (kahe) kunstikooli ühinemise tulemus; Kunstgewerbeschule (suurhertsogi saksi kunsti- ja käsitöökool) ja Hochschule'i fuer Bildendekunst (saksa suurvürstiriigi kaunite kunstide akadeemia).
Bauhausi haridussüsteem sarnanes algselt Shaolini budistlikest templitest leitud süsteemiga, mille keskne teema oli disainivaldkond. Õpilastele anti disainiharidus koos praktiliste töömeetoditega, mis olid segatud rituaalsete hingamisharjutuste, kehaliste harjutuste, meditatsiooni ja harjutustega taimetoitlust ning kasutada praktilisi töötubasid ja sööklaid kui Bauhausi elanike, eriti meistrite ja õpilane.
Selle süsteemi võttis kasutusele tänapäevane maalikunstnik Johannes Itten, kes astus 1920. aastal Bauhausi õpetajana tööle ja õpetas sissejuhatavates loengutes uusi õpilasi.
Itten oli varem uurinud Pärsia muistses idafilosoofias müstikat. See müstiline haridusmeetod kestis seni, kuni Itten lõpetas Bauhausi 1923. aastal.
Bauhausi sündi tähistasid kaks asja. Lisaks tööstusmaailma nõudmistele disainiprobleemides, mis on paindlikumad ja mida saab valmistada massiliselt, julgustatakse ka neid disainirevolutsioon alates Art-Deco stiili suundumuse tekkimisest Prantsusmaal Pariisis ja De-Stijli kontserni tekkimisest Rotterdamis, Hollandis sama.
Bauhaus peab esmatähtsaks kaasaegse disaini põhiprintsiipide loomist, samas kui Art-Deco keskendub rohkem selle rakendamise tulemustele. Kuid mõlemal on sama eesmärk, nimelt kujundustööde kuulumine kõigile inimestele.
Ei piirdu ainult aristokraatidega. Nii et selle väljatöötamisel on raske lahutada Bauhausi mõju art-deco kujundusele, eriti maalimise, mööblidisaini, tekstiilikujunduse ja moe valdkonnas.
Wiemari linnas Bauhausi rajamise alguses polnud arhitektuurivaldkond erilist tähelepanu pälvinud. Disainitemplis osalevad arhitektid Bauhaus räägivad arhitektuurist vaid disainiharude ulatuses ehitusmaterjalide kujunduse näol. Pärast seda, kui Bauhaus 1926. aastal Wiemari linnast Dessau linna kolis, pälvis uus arhitektuurivaldkond erilist tähelepanu.
Seda võib näha uues Bauhausi ülikoolilinnakus Dessaus, mille kujundas Walter Gropius koos hoone välimusega ristkülikukujuline lamekatuse, a-sümmeetriline ja ornamentideta, mis hakkas tollal Saksamaal tegelikult trendiks saama seda. Ehituskomponendid koosnevad masstoodanguna valmistatud betoonist, raudbetoonist, klaasist ja metallist.
Bauhausi uus hoone koosneb stuudiopinnast, kunstitöökojast, teatrist, auditooriumist, gümnaasiumist, õppejõudude ruumist ja sööklast ning Walter Gropiuse praktiseerivast arhitektuuribüroost. 1927. aastal asutati uus arhitektuuriosakond, aasta pärast Dessausse kolimist.
Kui Bauhausi juhtkond nihkus Walter Gropiuselt Šveitsi staažika arhitekti Hannes Meyerile - 1928. aastal oli arhitektuurihariduse programm fokuseeritum linna probleemile, nimelt lähtudes olemasolevast sotsiaalsest reaalsusest, kus kasvu tõttu on nõudlus vabrikutööliste eluaseme järele tööstuses.
Nii et ilmuv arhitektuur on lihtsate hoonete kujul, odav ja seda saab koos mööbliga lahti võtta.
Põhimõtteliselt iseloomustab Bauhausi arhitektuuri märkimisväärne plaan koos ruumide vaheliste tegevuste ja funktsioonidega omavahel seotud struktuurid - millest enamik on tehasehooned - on vabastatud arhitektuuristiili reeglitest ja ornamentika.
Lisaks on see ka kõrghoone, paljastades trepid või liftid ja klaasseinad. Arhitektuuri vallas on Bauhausi mõju tunda ka tänapäeval, sest Bauhausil on õnnestunud vabastada vana traditsiooni arhitektuur võtab ajaloolise kreeka-romaani vormi ja sillutas teed arhitektuurilisele arengule kaasaegne.
Kuigi pärast seda pälvis see terava kriitika moodsa arhitektuuri arendamise kohta voog-The International Style. Kuid Bauhausist on saanud disaini valdkonnas uue ideoloogia algataja, kuigi selle elu pole nii pikk.
Popkunsti maalimise voog
Termin popkunst kerkis esmakordselt välja Briti kriitiku Lawrence Alloway kirjutistest aasta lõpus 1950ndad, mis illustreerib seda, mida ta nägi tänapäevaste atitunaliste muutustena teemas ja tehnikas kunst.
Ei sisalda haruldast sisu, näiteks müüdid või legendid, mis on traditsiooniliselt olnud kaunite kunstide objektiks Popkunst inspiratsiooniks on läänelik tootereklaamide kultuur.
Populaarne Suurbritannias 1950. aastate keskel ja Ameerikas 1960. aastate alguses, Popkunst keskenduda objektidele, mida sageli leitakse igapäevaselt kommertskunsti kasutuselevõtuga. Vahepeal kohandavad paljud kunstnikud ka popkultuuri, näiteks mängufilmidest, koomiksitest, reklaamidest jne.
Plakatid autor Milton Glaser
1960ndate populaarsed kultuurid, nagu muusika, kunst, disain ja kirjandus, muutusid kättesaadavamaks ja kajastasid igapäevaelu. Tahtlikult ja selgelt arenes popkunst reaktsioonina abstraktse kunsti vastu. Alloleval pildil on Milton Glaseri plakat, mis tõstab esile Marcel Duchampi silueti stiili koos ümmarguse kalligraafiaga. Trükis üle 6 miljoni eksemplari.
Andy Warhol ei ole esimene kunstnik, kes reklaami kunstiga kohandanud on, seni on teda tunnustatud praktikuna popkunst parim. Warhol üritas oma teoste "200 Campbelli supikannu" (1962) ja "Marylin Monroe Diptych" (1962) abil tõsta mehaanilise reprodutseerimise kujutava kunsti staatusest.
Andy Warhol - „Marylin Monroe diptühhon“ (1962)
Popkunst loodud kogukonna põhjal ja kogukonna jaoks, ehkki seda saavad teha ainult teatud inimesed. Populaarsus popkunst siis hääbus 60ndate lõpus pärast ekspressionistliku abstraktse kunsti tulekut, kuid nüüd popkunst on taas hakanud nõudma ja kahe kunstistiili populaarsus on nüüd väga suur.
See on arutelu Maalivoog - jooniste omadused, tüübid, tegelased ja näited Loodan, et see ülevaade võib teile kõigile teadmisi ja teadmisi lisada, suur aitäh külastamast. 🙂 🙂 🙂